Decir Silencioso

PRIMER MANIFIESTO DADA(1918)

2012-02-26T12:25:00.001-08:00

Primer Manifiesto Dada (1918)

Tristan tzara

Dibujo de Picabia

Escrito por Tristan Tzara y publicado en 1918 en el número 3 de la revista DADA de Zurich, el Manifiesto Dada es el primer manifiesto del movimiento dadaísta. Otros textos importantes para la historia del dadaísmo son: el Manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo, también de Tzara, leído en París el 12 de diciembre de 1920 en la Galería Povolozky y publicado posteriormente en el número 4 de la revista La vie des lettres también de París y la plaquette de ocho folios sin numerar La premiere aventure celeste de Mausleur Antipyrine, que Tzara escribió y publicó en Zurich en 1916. Ahora bien, el manifiesto de 1918 es sin duda alguna el texto más significativo de los que publicó el artista rumano y el más explícito en sus intenciones.

La magia de una palabra
—DADA— que ha puesto a los periodistas
ante la puerta de un mundo
imprevisto, no tiene para nosotros
ninguna importancia

Para lanzar un manifiesto es necesario: A, B,C. Irritarse y aguzar las alas para conquistar y propagar muchos pequeños y grandes a, b, c, y afirmar, gritar, blasfemar, acomodar la prosa en forma de obviedad absoluta, irrefutable, probar el propio non plus ultra y sostener que la novedad se asemeja a la vida como la última aparición de una cocotte prueba la esencia de Dios. En efecto, su existencia ya fue demostrada por el acordeón, por el paisaje y por la palabra dulce. Imponer el propio A.B.C. es algo natural, y, por ello, deplorable. Pero todos lo hacen bajo la forma de cristal-bluff-madonna o de sistema monetario, de producto farmacéutico o de piernas desnudas invitantes a la primavera ardiente y estéril. El amor por lo nuevo es una cruz simpática que revela un amiquemeimportismo, signo sin causa, frágil y positivo. Pero también esta necesidad ha envejecido. Es necesario animar el arte con la suprema simplicidad: novedad. Se es humano y auténtico por diversión, se es impulsivo y vibrante para crucificar el aburrimiento. En las encrucijadas de las luces, vigilantes y atentas, espiando los años en el bosque. Yo escribo un manifiesto y no quiero nada y, sin embargo, digo algunas cosas y por principio estoy contra los manifiestos, como, por lo demás, también estoy contra los principios, decilitros para medir el valor moral de cada frase. Demasiado cómodo: la aproximación fue inventada por los impresionistas. Escribo este manifiesto para demostrar cómo se pueden llevar a cabo al mismo tiempo las acciones más contradictorias con un único y fresco aliento; estoy contra la acción y a favor de la contradicción continua, pero también estoy por la afirmación. No estoy ni por el pro ni por el contra y no quiero explicar a nadie por qué odio el sentido común.

DADA— he aquí la palabra que lleva las ideas a la caza; todo burgués se siente dramaturgo, inventa distintos discursos y, en lugar de poner en su lugar a los personajes convenientes a la calidad de su inteligencia, crisálidas en sus sillas, busca las causas y los fines (según el método psicoanalítico que practica) para dar consistencia a su trama, historia que habla y se define. El espectador que trata de explicar una palabra es un intrigante: (¡conocer!). Desde el refugio enguantado de las complicaciones serpentinas hace manipular sus propios instintos. De aquí nacen las desgracias de la vida conyugal.

Explicar: diversión de los vientres rojos con los molinos de los cráneos vacíos.

Dada no significa nada

Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder tiempo por una palabra que no significa nada… El primer pensamiento que se agita en estas cabezas es de orden bacteriológico…, hallar su origen etimológico, histórico o psicológico por lo menos. Por los periódicos sabemos que los negros Kru llaman al rabo de la vaca sagrada: DADA. El cubo y la madre en una cierta comarca de Italia reciben el nombre de DADA. Un caballo de madera, la nodriza, la doble afirmación en ruso y en rumano DADA. Sabios periodistas ven en todo ello un arte para niños, otros santones jesúshablaalosniños, el retorno a un primitivismo seco y estrepitoso, estrepitoso y monótono. No es posible construir la sensibilidad sobre una palabra.

Todo sistema converge hacia una aburrida perfección, estancada idea de una ciénaga dorada, relativo producto humano. La obra de arte no debe ser la belleza en sí misma porque la belleza ha muerto; ni alegre; ni alegre ni triste, ni clara ni oscura, no debe divertir ni maltratar a las personas individuales sirviéndoles pastiches de santas aureolas o los sudores de una carrera en arco a través de las atmósferas. Una obra de arte nunca es bella por decreto, objetivamente y para todos. Por ello, la crítica es inútil, no existe más que subjetivamente, sin el mínimo carácter de generalidad. ¿Hay quien crea haber encontrado la base psíquica común a toda la humanidad? El texto de Jesús y la Biblia recubren con sus amplias y benévolas alas: la mierda, las bestias, los días. ¿Cómo se puede poner orden en el caos de infinitas e informes variaciones que es el hombre? El principio «ama a tu prójimo» es una hipocresía. «Conócete a ti mismo» es una utopia más aceptable porque también contiene la maldad. Nada de piedad. Después de la matanza todavía nos queda la esperanza de una humanidad purificada. Yo hablo siempre de mí porque no quiero convencer. No tengo derecho a arrastrar a nadie a mi río, yo no obligo a nadie a que me siga. Cada cual hace su arte a su modo y manera, o conociendo el gozo de subir como una flecha hacia astrales reposos o el de descender a las minas donde brotan flores de cadáveres y de fértiles espasmos. Estalactitas: buscarlas por doquier, en los pesebres ensanchados por el dolor, con los ojos blancos como las liebres de los ángeles.

Así nació DADA (*), de una necesidad de independencia, de desconfianza hacía la comunidad. Los que están con nosotros conservan su libertad. No reconocemos ninguna teoría. Basta de academias cubistas y futuristas, laboratorios de ideas formales.

¿Sirve el arte para amontonar dinero y acariciar a los gentiles burgueses? Las rimas acuerdan su tintineo con las monedas y la musicalidad resbala a lo largo de la línea del vientre visto de perfil. Todos los grupos de artistas han ido a parar a este banco a pesar de cabalgar distintos cometas. Se trata de una puerta abierta a las posibilidades de revolcarse entre muelles almohadones y una buena mesa.

Aquí echamos el ancla en la tierra feraz. Aquí tenemos derecho a proclamar esto porque hemos conocido los escalofríos y el despertar. Fantasmas ebrios de energía, hincamos el tridente en la carne distraída. Rebosamos de maldiciones en la tropical abundancia de vertiginosas vegetaciones: goma y lluvia es nuestro sudor, sangramos y quemamos la sed.
Nuestra sangre es vigorosa.

El cubismo nació del simple modo de mirar un objeto: Cezanne pintaba una taza veinte centímetros más abajo de sus ojos, los cubistas la miran desde arriba complicando su aspecto al hacer una sección perpendicular que sitúan a un lado con habilidad. (No me olvido de los creadores ni de las grandes razones de la materia que ellos hicieron definitivas). El futurismo ve la misma taza en un movimiento sucesivo de objetos uno al lado del otro, añadiendole maliciosamente alguna línea—fuerza. Eso no quita que la buena o mala, sea siempre una inversión de capitales intelectuales.

El nuevo pintor crea un mundo cuyos elementos son sus mismos medios, una obra sobria y definida, sin argumento. El artista nuevo protesta: ya no pinta (reproducción simbólica e ilusionista), sino que crea directamente en piedra, madera, hierro, estaño, bloques de organismos móviles a los que el límpido viento de las inmediatas sensaciones hacer dar vueltas en todos los sentidos.

Toda obra pictórica o plástica es inútil; que sea un monstruo capaz de dar miedo a los espíritus serviles y no algo dulzarrón para servir de ornamento a los refectorios de esos animales vestidos de paisano que ilustran tan bien esa fabula triste de la humanidad. Un cuadro es el arte que se encuentren dos lineas geométricas que se ha comprobado que son paralelas, hacer que se encuentren en un lienzo, ante nuestros ojos, en una realidad que nos traslada a un mundo de otras condiciones y posibilidades. Este mundo no esta especificado ni definido en la obra, pertenece en sus innumerables variaciones al espectador. Para su creador la obra carece de causa y de teoría. Orden = desorden; yo = no-yo; afirmación = negación; éstos son los fulgores supremos de un arte absoluto. Absoluto en la pureza de cósmico y ordenado caos, eterno en el instante globular sin duración, sin respiración, sin luz y sin control.

Amo una obra antigua por su novedad. Tan sólo el contraste nos liga al pasado. Los escritores que enseñan la moral y discuten o mejoran la base psicológica, tienen, aparte del deseo oculto del beneficio, un conocimiento ridículo de la vida que ellos han clasificado, subdividido y canalizado. Se empeñan en querer ver danzar las categorías apenas se ponen a marcar el compás. Sus lectores se carcajean y siguen adelante: ¿con qué fin?

Hay una literatura que no llega a la masa voraz. Obras de creadores nacidas de una auténtica necesidad del autor y sólo en función de sí mismo. Consciencia de un supremo egoísmo, en el que cualquier otra ley queda anulada.

Cada página debe abrirse con furia, ya sea por serios motivos, profundos y pesados, ya sea por el vórtice y el vértigo, lo nuevo y lo eterno, la aplastante espontaneidad verbal, el entusiasmo de los principios, o por los modos de la prensa. He ahí un mundo vacilante que huye, atado a los cascabeles de la gama infernal, y he ahí, por otro lado, los hombres nuevos, rudos, cabalgando a lomos de los sollozos.

He ahí un mundo mutilado y los medicuchos literarios preocupados por mejorarlo.

Yo os digo: no hay un comienzo y nosotros no temblamos, no somos unos sentimentales. Nosotros desgarramos como un furioso viento la ropa de las nubes y de las plegarias y preparamos el gran espectáculo del desastre, el incendio, la descomposición. Preparamos la supresión del dolor y sustituimos las lágrimas por sirenas tendidas de un continente a otro. Banderas de intensa alegría viudas de la tristeza del veneno. DADA es la enseñanza de la abstracción; la publicidad y los negocios también son elementos poéticos.

Yo destruyo los cajones del cerebro y los de la organización social: desmoralizar por doquier y arrojar la mano del cielo al infierno, los ojos del infierno al cielo, restablecer la rueda fecunda de un circo universal en las potencias reales y en la fantasía individual.

La filosofía, he ahí el problema: por qué lado hay que empezar a mirar la vida, Dios, la idea y cualquier otra cosa. Todo lo que se ve es falso. Yo no creo que el resultado negativo sea más importante que la elección entre el dulce y las cerezas como postre. El modo de mirar con rapidez la otra cara de una cosa para imponer directamente la propia opinión se llama dialéctica, o sea, el modo de regatear el espíritu de las patatas fritas bailando a su alrededor la danza del método.

Si yo grito:

IDEAL, IDEAL, IDEAL,
conocimiento, conocimiento, conocimiento
bumbúm, bumbúm, bumbúm,

registro con suficiente exactitud el progreso, la ley, la moral y todas las demás bellas cualidades de que tantas personas inteligentes han discutido en tantos libros para llegar, al fin, a confesar que cada uno, del mismo modo, no ha hecho más que bailar al compás de su propio y personal bumbúm y que, desde el punto de vista de tal bumbúm, tiene toda la razón: satisfacción de una curiosidad morbosa, timbre privado para necesidades inexplicables; baño; dificultades pecuniarias; estómago con repercusiones en la vida; autoridad de la varita mística formulada en el grupo de una orquesta fantasma de arcos mudos engrasados con filtros a base de amoníaco animal. Con los impertinentes azules de un ángel han enterrado la interioridad por cuatro monedas de unánime reconocimiento.

Si todos tienen razón, y si todas las píldoras son píldoras Pínk., tratemos de no tener razón. En general, se cree poder explicar racionalmente con el pensamiento lo que se escribe. Todo esto es relativo. El pensamiento es una bonita cosa para la filosofia, pero es relativo. El psicoanálisis es una enfermedad dañina, que adormece las tendencias antirreales del hombre y hace de la burguesía un sistema. No hay una Verdad definitiva. La dialéctica a una máquina divertida que nos ha llevado de un modo bastante trivial a las opiniones que hubiéramos tenido de otro modo. ¿Hay alguien que crea, mediante el refinamiento minucioso de la lógica, haber demostrado la verdad de sus opiniones? La lógica constreñida por los sentidos es una enfermedad orgánica. A este elemento los filósofos se complacen en añadir el poder de observacion. Pero justamente esta magnífica cualidad del espíritu es la prueba de su impotencia. Se observa, se mira desde uno o varios puntos de vista y se elige un determinado punto entre millones de ellos que igualmente existen. La experiencia también es un resultado del azar y de las facultades individuales.

La ciencia me repugna desde el momento en que se transforma en sistema especulativo y pierde su carácter de utilidad, que, aun siendo inútil, es, sin embargo, individual. Yo odio la crasa objetividad y la armonía, esta ciencia que halla que todo está en orden: continuad, muchachos, humanidad ... La ciencia nos dice que somos los servidores de la naturaleza: Todo está en orden, haced el amor y rompeos la cabeza; continuad, muchachos, hombres, amables burgueses, periodistas vírgenes… Yo estoy contra los sistemas: el único sistema todavía aceptable es el de no tener sistemas. Completarse, perfeccionarse en nuestra pequeñez hasta colmar el vaso de nuestro yo, valor para combatir en pro y en contra del pensamiento, misterio de pan, desencallamiento súbito de una hélice infernal hacia lirios baratos.

La espontaneidad dadaísta

Yo llamo amíquémeimportismo a una manera de vivir en la que cada cual conserva sus propias condiciones respetando, no obstante, salvo en caso de defensa, las otras individualidades, el paso-doble que se convierte en himno nacional, las tiendas de antigüallas, el T.S.H., el teléfono sin hilos que transmite las fugas de Bach, los anuncios luminosos, los carteles de prostíbulos, el órgano que difunde claveles para el buen Dios y todo esto, todo junto, y realmente sustituyendo a la fotografia y al catecismo unilateral.

La simplificidad activa.

La impotencia para discernir entre los grados de claridad: lamer la penumbra y flotar en la gran boca llena de miel y de excrementos. Medida con la escala de lo Eterno, toda acción es vana (si dejamos que el pensamiento corra una aventura cuyo resultado sería infinitamente grotesco; dato, también éste, importante para el conocimiento de la humana impotencia). Pero si la vida es una pésima farsa sin fin ni parto inicial, y como creemos salir de ella decentemente como crisantemos lavados, proclamamos el arte como única base de entendimiento. No importa que nosotros, caballeros del espiritu, le dediquemos desde siglos nuestros refunfuños.

El arte no aflige a nadie y a aquellos que sepan interesarse por el recibirán, con sus caricias, una buena ocasión de poblar el pais con su conservación. El arte es algo privado y el artista lo hace para si mismo; una obra omprensible es el producto de periodistas.

Y me gusta mezclar en este momento con tal monstruosidad los colores al óleo: un tubo de papel de plata, que, si se aprieta, vierte automáticamente odio, cobardía, y villanía. EL artista, el poeta aprecia el veneno de la masa condensada en un jefe de sección de esta industria. Es feliz si se le insulta: eso es como una prueba de su coherencia.

El autor, el artista elogiado por los periódicos, comprueba la comprensibilidad de su obra: miserable forro de un abrigo destinado a la utilidad publica: andrajos que cubren la brutalidad, meadas que colaboran al calor de un animal que incuba sus bajos instintos, fofa a insípida carne que se múltiplica con la ayuda de los microbios tipográficos. Hemos tratado con dureza nuestra inclinación a las lágrimas. Toda filtración de esa naturaleza no es mas que diarrea almibarada. Alentar un arte semejante significa diferirlo. Nos hacen falta obras fuertes, rectas, precisas y, más que nunca, incomprensibles. La lógica es una complicación. La lógica siempre es falsa. Ella guía los hilos de las nociones, las palabras en su forma exterior hacia las conclusiones de los centros ilusorios. Sus cadenas matan, minirápodo gigante que asfixia a la independencia. Ligado a la logica, el arte viviria en el incesto, tragándose su propia cola, su cuerpo, fornicando consigo mismo, y el genio se volveria una pesadilla alquitranada de protestantismo, un monumento, una marcha de intestinos grisáceos y pesados.

Pero la soltura, el entusiasmo y la misma alegria de la injusticia, esa pequeña verdad que nosotros practicamos con inocencia y que nos hace bellos (somos sutiles, nuestros dedos son maleables y resbalan como las ramas de esta planta insinuante y casi líquida) caracterizan nuestra alma, dicen los cínicos. Tambien ese es un punto de vista, pero no todas las flores, por fortuna, son sagradas, y lo que hay de divino en nosotros es el comienzo de la accion antihumana. Se trata, aquí, de una flor de papel para el ojal de los señores que frecuentan el baile de disfraces de la vida, cocina de la gracia, con blancas primas ágiles o gordas. Esta gente comercio con lo que hemos desechado. Contradicción y unidad de las estrellas polares en un solo chorro pueden ser verdad, supuesto que alguien insista en pronunciar esta banalidad, apéndice de una moralidad libidinosa y maloliente. La moral consume, como todos los azotes de la inteligencia. El control de la moral y de la lógica nos han impuesto la impasibilidad ante los agentes de policia, causa de nuestra esclavitud, pútridas ratas de las que esta repleto el vientre de la burguesía, y que han infectado los unicos corredores de nítido y transparente cristal que aun seguían abiertos a los artistas.

Todo hombre debe gritar. Hay una gran tarea destructiva, negativa por hacer. Barrer, asear. La plenitud del individuo se afirma a continuación de un estado de locura, de locura agresiva y completa de un mundo confiado a las manos de los bandidos que se desgarran y destruyen los siglos. Sin fin ni designio, sin organización: la locura indomable, la descomposición. Los fuertes sobreviviran gracias a su voz vigorosa, pues son vivos en la defensa. La agilidad de los miembros y de los sentimientos flamea en sus flancos prismáticos.

La moral ha determinado la caridad y la piedad, dos bolas de sebo que han crecido, como elefantes, planetas, y que, aun hoy, son consideradas válidas. Pero la bondad no tiene nada que ver con ellas. La bondad es lúcida, clara y decidida, despiadada con el compromiso y la política. La moralidad es como una infusión de chocolate en las venas de los hombres. Esto no fue impuesto por una fuerza sobrenatural, sino por los trusts de los mercaderes de ideas, por los acaparadores universitarios. Sentimentalidad: viendo un grupo de hombres que se pelean y se aburren, ellos inventaron el calendario y el medicamento de la sabiduría. Pegando etiquetas se desencadenó la batalla de los filósofos (mercantilismo, balanza, medidas meticulosas y mezquinas) y por segunda vez se comprendió que la piedad es un sentimiento, como la diarrea en relacion con el asco que arruina la salud, que inmunda tarea de carroñas para comprometer al sol.

Yo proclamo la oposicion de todas las facultades cósmicas a tal blenorragia de putrido sol salido de las fabricas del pensamiento filósofico, y proclamo la lucha encarnizada con todos los medios del

Asco dadaísta

Toda forma de asco suceptible de convertirse en negacion de la familia es Dada; la protesta a puñetazos de todo el ser entregado a una accion destructiva es Dada; el conocimiento de todos los medios hasta hoy rechazados por el pudor sexual, por el compromiso demasiado comodo y por la cortesía es Dada; la abolición de la lógica, la danza de los impotentes de la creacion es Dada; la abolición de toda jerarquía y de toda ecuación social de valores establecida entre los siervos que se hallan entre nosotros los siervos es Dada; todo objeto, todos los objetos, los sentimientos y las oscuridades, las apariciones y el choque preciso de las lineas paralelas son medios de lucha Dada; abolicion de la memoria: Dada; abolición del futuro: Dada; confianza indiscutible en todo dios producto inmediato de la espontaneidad: Dada; salto elegante y sin prejuicios de una armonia a otra esfera; trayectoria de una palabra lanzada como un disco, grito sonoro; respeto de todas las individualidades en la momentánea locura de cada uno de sus sentimientos, serios o temerosos, timidos o ardientes, vigorosos, decididos, entusiastas; despojar la propia iglesia de todo accesorio inútil y pesado; escupir como una cascada luminosa el pensamiento descortés o amoroso, o bien, complaciéndose en ello, mimarlo con la misma identidad, lo que es lo mismo, en un matorral puro de insectos para una noble sangre, dorado por los cuerpos de los arcángeles y por su alma. Libertad: DADA, DADA, DADA, aullido de colores encrespados, encuentro de todos los contrarios y de todas las contradicciones, de todo motivo grotesco, de toda incoherencia: LA VIDA.

Nota (S.R.):

Como dice el Antiguo Testamento / Eclesiastés: "No hay nada nuevo bajo el sol". Pero creo que se pueden hacer cosas nuevas sin traicionar a los que nos antecedieron. Sin traicionarlos en sus intenciones que son también las nuestras. Habrá quizás alguien que pueda hacer una lectura política de este manifiesto: bienvenido sea. Hay aquí más posición etico-política que en muchos intentos “serios” de ensayistas convencidos. Veamos mejor desde más cerca: Sin intensidades no habrá modificaciones. Y esas intensidades siempre deberán venir de las traumáticas conflagraciones, 1er guerra mundial o “Gran guerra” como se decía antes de que llegará la segunda. O podremos arribar a esos cambios por caminos más serenos, el arte o mejor una posición ético-artística-política ¿no hará mejor que cualquier destrucción?

Era la época de la Gran Guerra, una confrontación como nunca se había visto, que involucraba a toda Europa y se suponía, sería la última de las guerras. Mientras las trincheras eran esceriario de espantosas carnicerías, muchos jóvenes decepcionados juzgaban que los antiguos valores habían quedado vacíos de contenido. En Suiza, país neutral, encontraron refugio objetores de conciencia, desertores, emigrados políticos, artistas y hasta agentes secretos. Uno de esos refugiados fue el poeta alemán Hugo Ball quien desertó para instalarse en Zurich junto con su compañera, la bailarina y pianista Emmy Hennings. Allí transformaron una antigua taberna en un cabaret literario (el Cabaret Voltaire), que fue centro de reunión de quienes cuestionaban la guerra y la cultura que había conducido al enfrentamiento.

Escritores, pintores, músicos y actores se daban cita en el cabaret Voltaire donde podían leer sus textos, presentar espectáculos y colgar sus cuadros en las paredes. Un grupo de esos artistas entre quienes se contaban el poeta Tristán Tzara y el pintor Marcel Janko, ambos rumanos, el escultor alsaciano Jean Arp y su compañera Sophie Taeuber, dieron vida a un movimiento que luchaba por romper los moldes establecidos y construir un nuevo arte y una nueva moral, contra los viejos principios. La leyenda afirma que el movimiento fue llamado Dada porque un abrecartas, insertado en un diccionario francés-alemán, señaló casualmente la palabra "dada", forma infantil de nombrar al caballo. El dadaísmo fue creciendo y se extendió a otros países llevando su carga de rebelión, fue cuna de grandes obras y dio origen a nuevas corrientes artísticas contestatarias, antes de empezar a declinar hacia 1922.

***

Texto extraido de “Siete manifiestos Dada”, Tristan Tzara, págs. 11-26, Tusquets Editores, Barcelona, España, 1999.
Traducción: Huberto Halter.
Selección y nota final: S.R.
En la web: http://mason.gmu.edu/~rberroa/manifiestodadaista1.ht

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DADÁ:EL SUICIDIO COMO ARTE POR A.ALVAREZ

2012-02-26T12:10:00.000-08:00

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Dadá: el suicidio como arteA. Alvarez

Enfrentados con la crisis de la edad madura, con el cuestionamiento de la vida y la obra por la muerte, Tolstoi y Dostoievski se las arreglaron para llevar a cabo sendos autos de fe que les permitieron seguir escribiendo. Pero, con la excepción de T S. Eliot, fueron los últimos grandes escritores en dar lo que Kierkegaard llamara "el salto de la fe" a una religión ortodoxa. Tanto Lawrence como Yeats -de modos muy distintos- se inventaron pseudorreligiones, Pasternak se aferró al cristianismo como a un madero flotante para sobrevivir al terror estalinista. Por lo demás, cualesquiera que fueran los ritos o hábitos sociales de los artistas, el cristianismo dejó de ser la materia integral de su obra."Qué me importa que Dios exista", escribió Miguel de Unamuno, "si no puedo vivir para siempre". Pero si Dios no existe también cambia la forma de la muerte. Deja de ser una presencia humana y aun sobrehumana: macabra, semidivina o seductora. No es el esqueleto bailarín de la Edad Media, ni la adversaria poderosa y taimada contra la que luchaba John Donne ni la amante fatal de los románticos. Incluso deja de ser una extensión de la personalidad del moribundo: una puerta al otro mundo o el momento de revelación que, es de esperar, lo explicará todo. Sin Dios, la muerte pasa a ser simplemente el final: un final breve y chato. Para el corazón, se corrompe el cuerpo, la vida sigue en otra parte. Es el "cero del mañana" que llevó aTolstoi, antes de su conversión, a indignarse con "la absurda insignificancia de la vida". Camus también vislumbró el absurdo -la pasmosa intuición de que en la vida no hay más que la vida misma-, que es el fundamento de todo el arte moderno. Y en El mito de Sisifo, su libro sobre el problema del suicidio, elaboró una teoría al respecto.Pero para Camus la concepción del absurdo no era tanto un programa de trabajo como un forma de explicar un tipo de arte que venía prosperando desde la vuelta de siglo. W B. Yeats había percibido la nueva presencia ya en 1896, al asistir a la primera representación del Ubú Rey de Jarry:"Después de Stéphane Mallarmé, después de Paul Verlaine, después de Gustave Moreau, después de Puvis de Chavannes, después de mis propios poemas, después de nuestro color sutil y nuestro ritmo nervioso, después de las tenues tintas mixtas de Conder, ¿qué más es posible? Después de nosotros el Dios Salvaje". En un sentido, todo el arte del siglo XX se ha dedicado a servir a ese Dios terreno que, como el resto de los de su especie, medra con sacrificios de sangre. Al igual que con la guerra, ha hecho falta un enorme refinamiento teórico y técnico para producir un arte que es más extremo, más violento y, al fin de cuentas, más autodestructivo que todos los anteriores.El ejemplo más claro de este proceso es Dadá, cuyo reinado en París empezó con un suicidio, acabó con otro e incluyó varios más en su desarrollo. Se admite que en la literatura moderna el dadaísmo importa relativamente poco; todas las figuras serias asociadas con él fueron artistas visuales: Arp, Schwitters, Picabia, Duchamp. Pero dentro de sus vagas metas -demasiado dispersas y anárquicas para hablar de un programa-, Dadá fue una caricatura del legado del siglo XX, una imagen que amplifica y distorsiona la mayoría de las presiones a que estuvieron sometidos artistas más finos, complejos y también más retraídos.El fin de los dadaístas era la agitación destructiva contra todo: no simplemente contra el establishment y la burguesía que conformaba su público, sino también contra el arte, y hasta contra Dadá mismo:

Basta de pintores, basta de escritores, basta de músicos, basta de escultores, basta de religiones, basta de republicanos, basta de monárquicos, basta de imperialistas, basta de anarquistas, basta de socialistas, basta de bolcheviques, basta de políticos, basta de proletarios, basta de demócratas, basta de ejércitos, basta de policía, basta de naciones, basta de estas idioteces, basta, basta, NADA, NADA, NADA.
Por eso esperamos que la novedad, que será lo mismo que aquello que ya no queremos, nazca menos podrida, menos inmediatamente GROTESCA(Manifiesto de Louis Aragon).

Si algo precipitó los crudos excesos de Dadá y su rechazo de todos los valores fue la sensación de quiebra moral generalizada que siguió a la Primera Guerra Mundial. Pero esto apenas era la aceleración de un proceso de duda y desilusión que había empezado hacía ya mucho. Casi cinco décadas antes, Rimbaud -de diecisiete años pero avanzado ya en una carrera que sería paradigma del espíritu rebelde, desdeñoso y exploratorio del arte moderno- se había definido como "littératuricide". Ahora, tras cuatro años de carnicería vana que sólo habían cambiado algunas fronteras, el Dios Salvaje ya no era una indefinida amenaza en el horizonte; se empinaba, presencia ubicua, tapando cualquier vista. Parece que hasta Lenin lo percibía. En 1916, durante su exilio en Zürich, visitó algunas veces el Cabaret Voltaire donde nació Dadá: "¿no sé cuán radicales son ustedes?", le dijo a un dadaísta rumano, "ni cuánto lo soy yo. Sin duda no lo suficiente. Nunca se es lo bastante radical; es decir, uno debe ser siempre radical como la vida misma".El postulado básico de Dadá era que frente a una realidad radical el arte importaba menos que el escándalo. Richard Huelsenbeck, el estudiante de medicina y poeta alemán que fundó el movimiento con un compatriota también poeta, Hugo Ball, solía recitar sus poemas absurdos acompañándosefortissimo con un gong. Según Ball, "Huelsenbeck quería un ritmo [negro] reforzado: le habría gustado enterrar la literatura a fuerza de redobles . Sin duda el grupo hizo lo posible por conseguirlo, bombardeando al público con insultos, ruido y sinsentido, según el principio de que -en palabras de Antonin Artaud, un descendiente inmediato- "todo lo escrito es basura".Se cuenta que Ball y Huelsenbeck encontraron la palabra dadá en un diccionario francés-alemán mientras le buscaban un nombre artístico a un cantante de su Cabaret Voltaire. Dada es la palabra infantil francesa para todo lo que tenga que ver con caballos.Pero cuando el arte se vuelve contra sí mismo, destructivo y contraproducente, el suicidio viene a darse por sentado. Y doblemente, porque, al confundirse el arte con el gesto, la obra del artista es su vida, o al menos su conducta. Como Dadá surgió en respuesta al derrumbe de la cultura europea durante la Primera Guerra Mundial, afirmando furiosamente el sinsentido de los valores tradicionales mediante su propio absurdo, para el dadaísta puro el suicidio era inevitable, casi un deber, la obra de arte culminante. De nuevo estamos ante la lógica de Kirilov, pero sin desesperación, culpa ni pasión. Para los dadaístas el suicidio habría debido ser un simple chiste lógico, si hubieran creído en la lógica. Como no creían, preferían que el chiste fuera levemente psicopático.El modelo de todos ellos fue Jacques Vaché, que tuvo una influencia decisiva en André Breton, más tarde fundador del surrealismo. En muchos sentidos Vaché estaba lejos del ruido y los abusos de Dadá. En apariencia era una figura fin de siécle, un joven alto de pelo ebúrneo, elegante, exquisito, excéntrico: no acertaba a reconocer en la calle a sus mejores amigos, nunca respondía las cartas, jamás saludaba ni se despedía. "Vivía con una muchacha", contó Emile Bouvier, "a quien obligaba a permanecer inmóvil y callada en un rincón mientras él recibía a algún amigo, y cuya mano besaba apenas con una dignidad inefable cuando servía el té". Aunque había estudiado arte y era prodigiosamente culto, dedicaba la vida al ocio sistemático. Breton dijo que cuando en 1916 lo conoció -en un hospital militar de Nantes donde Vaché se recobraba de una herida en una pierna-, "se entretenía dibujando y pintando una serie de postales para las cuales inventaba extrañas leyendas. Su imaginación no se nutría casi de ninguna otra sustancia que las maneras de los hombres... Cada mañana pasaba una buena media hora arreglando una o dos fotos, algunos platos y un ramito de violetas sobre la mesita con encajes que tenía al alcance de la mano. Más tarde, ya sano, se divertía paseando por las calles de Nantes vestido de húsar, aviador o médico. Cuando un año más tarde Breton volvió a verlo en el estreno de Las tetas de Tiresias, de Apollinaire, estaba amenazando al público con un revólver cargado.Vaché era a la vez un dandi, un exquisito y un "immoral violent" que modeló su vida como una salvaje comedia ubuesca. Proclamaba que su principio rector era el umore, lo cual significaba que alcanzado cierto grado de iluminación la futilidad de la vida se volvía cómica. Ese particular estilo estaba erizado de peligros, ya que, como el padre Ubú, el humorista o umorista cultivaba una estupidez malévola y destructiva. Era una comedia desesperada que, cerrando el círculo, había llegado al sinsentido. "Me opongo a que me maten en la guerra", había escrito Vaché desde el frente. Moriré cuando yo quiera, y entonces moriré con alguien más. Morirse solo es aburrido; preferiría morir con alguno de mis mejores amigos". Fue exactamente lo que hizo. En 1919, con veintitrés años, tomó una sobredosis de opio y administró dos más a sendos amigos que habían ido a hacer una experiencia y no tenían intenciones suicidas. Fue el supremo gesto dadá, la broma psicopática absoluta: suicidio y asesinato doble.Para los jóvenes románticos del apogeo de la epidemia, suicidarse era lo mejor después de ser un gran artista. Para el dadaísta puro, en cambio, el arte personal eran la vida y la muerte propias. De allí la extraordinaria influencia de Vaché en sus seguidores, aunque no queda casi nada de él salvo recuerdos de conocidos y un volumen de cartas. Lo que él era importaba más que lo que producía. Como sus dandificados predecesores fin de siécle, trataba la vida como un objeto artístico. Pero, como auténtico dadaísta, también trataba el arte como si no valiera nada. En última análisis, las esculturas autodestructivas de Tinguely y el arte desechable de las zonas más salvajes del Pop descienden directamente del suicidio de Vaché.Lo mismo ocurre con Arthur Cravan, poeta, crítico de arte y especialista en injurias que murió un año antes que Vaché. Aunque su obra suma poco más que unas cuantas reseñas sangrientas, su leyenda le garantiza un lugar permanente en el panteón dadaísta. Según una combativa nota biográfica que en 1914 publicó en una revista suya, Maintenant, había sido "hombre de confianza, marinero en el Pacífico, arriero, cosechador de naranjas en California, encantador de serpientes, ladrón de hoteles, sobrino de Oscar Wilde, leñador, ex campeón de boxeo de Francia, nieto del canciller de la reina de Inglaterra, chofer en Berlín, etc". Sin duda mucho de esto era mentira, -algo, al fin y al cabo, propio del espíritu dadaísta- y lo mismo el alarde de haber perpetrado el robo perfecto en una joyería suiza. Pero sus hazañas certificadas fueron ya suficientemente extraordinarias. En el momento álgido de la Primera Guerra Mundial viajó por toda Europa con pasaporte falso y, para evitar que lo reclutaran, repitió el logro en Canadá, Estados Unidos y México. (Es curioso que la figura literaria más violenta que se conozca se haya tomado tal trabajo para no combatir en la guerra; tal vez el asesinato legalizado le ofendía el sentido de independencia artística). Retó al boxeador negro Jack Johnson, el peso pesado más formidable del mundo, y peleó con él, aunque midió sus posibilidades con suficiente realismo para llegar al cuadrilátero borracho como una cuba y ser noqueado en el primer asalto. En 1917, invitado a dar una conferencia en el Salón de Pintores Independientes de Nueva York, se presentó no menos borracho que en otros lugares, procedió a eructar e insultar a sus huéspedes de la Quinta Avenida y empezó a quitarse la ropa; se lo llevó la policía, esposado y a la rastra. "Maravillosa conferencia", dijo Marcel Duchamp, cuya contribución a la muestra había sido un orinal firmado. Cuando al fin Cravan desapareció en el golfo de México, navegando en un pequeño velero, su mujer -que lo había esperado en Buenos Aires- lo estuvo buscando por todas las cárceles de Centroamérica. Nunca lo encontró, pero está claro que sabía en dónde preguntar. Quedaba concluida otra obra de arte dadá: desaparecido, presunto suicida.Violencia, conmoción, humor psicopático y suicidio: estos son los ritmos de Dadá. "El suicidio es una vocación", dijo Jacques Rigaut, de cuyo autoasesinato en 1929 se dice que marcó el fin de la época dadaísta. Aunque hay pruebas de que el movimiento había expirado efectivamente cinco años antes, cuando Breton rompió con Tristan Tzara y fundó el surrealismo como empresa rival, Rigaut vivió un breve tiempo más como flor última y perfecta. Como Vaché, era una figura elegante de afectado y alto estilo; tan alto, de hecho, que llegó a preocuparle que un posible empleador lo considerase trop gigolo. El empleador era Jacques-Emile Blanche, un reposado pintor académico y crítico para quien Rigaut trabajó varios años de secretario. Después de que Rigaut muriera, Blanche escribió sobre el extraño contraste entre su estilización y las raídas compañías que frecuentaba: "Cada vez que traía a sus camaradas dadaístas a mi casa, yo tomaba conciencia, al comparar el rostro latino de Rigaut con la pinta americana de los otros, del hecho de que si había elegido una senda no era por instinto. ¿Adónde lo llevaría, a Dadá o al Ritz?"La respuesta resultó ser Dadá. Cierta vez un amigo llamó a Rigaut "maleta vacía", queriendo decir que nada le gravaba el equipaje vital. En el lugar de la fe, como había predicho Dostoievski, estaba la "vocación" del suicidio, y concordantemente Rigaut dispuso su vida con una meticulosidad nada dadaísta. Como escritor, destruía casi todas sus obras no bien las terminaba. Según Blanche, incluso la afectación de aceptar una vida del tipo más convencional y fútil era suicida: "La única forma que nos queda de mostrar que despreciamos la vida", escribió en una de las pocas piezas que lo sobrevivieron, "es aceptarla. La vida no merece el trabajo que da vivirla... El hombre que se ha librado de las preocupaciones y del aburrimiento quizá alcanza en el suicidio el gesto más desinteresado, ¡siempre y cuando no tenga curiosidad por la muerte!". El desinterés de Rigaut era tan profundo como metódico fue su suicidio. Drieu de La Rochelle, admirador y amigo suyo, los describió a ambos con adecuada elegancia:

He aquí cómo se vuelve posible este acto ridículo, no absurdo (palabra demasiado grande que podría haberlos asustado) sino romo, indiferente. "Una mañana al acostarme, en vez de apretar el interruptor de la luz, distraído, me equivoco y aprieto el gatillo."Esto exaltaba a Gonzague [Rigaut] y sus amigos. Por un breve lapso había vivido en estado de gracia, de gloria íntima. Había vencido al suicidio. Ya no sabía si estaba muerto o vivo, si había disparado un tiro o había hecho crepitar un leño en la noche.Cuatro años antes de la muerte de Rigaut la fugaz revista de arte La Révolution Surréaliste publicó un serie de ponencias en torno a la pregunta "¿Es el suicidio una solución?". La mayoría de las respuestas eran tan enfáticamente afirmativas como lo habrían sido en París noventa años antes, aunque el tono era mucho menos efusivo que el de los románticos: "Señor, permítame contestar a su pregunta copiando la nota que tengo en la pared de mi dormitorio: Pase sin llamar, pero se requiere que antes de salir cometa suicidio". Las implicaciones del simposio son claras: aceptar el suicidio, por muy en broma que fuese, significaba aceptar las nuevas artes, alinearse con la vanguardia. Pero aceptarlo no era lo mismo que llevarlo a cabo. De los colaboradores del simposio sólo René Crevel ("el surrealista más hermoso") aportaba un texto que iba hasta el fondo. Meses antes, el mismo año, había descrito la muerte perfecta en su libro Rodeos: "Una tetera en la cocina; con la ventana bien cerrada, abro la llave del gas; me olvido de encender la cerilla. La reputación a salvo y tiempo de decir el confiteor...". Once años más tarde se mató exactamente de esa forma. Pero Crevel fue una excepción: como él mismo había explicado en su respuesta al simposio, de niño lo había influido profundamente el suicidio de un ser querido. De modo que en su caso el acto era algo más que un artículo de fe artística. Por otra parte no era dadaísta sino surrealista y, aunque los surrealistas -como las artes modernas en general aceptaban el principio de ataque de Dadá, un ataque continuo a todas las piedades, convenciones y principios recibidos e incuestionados que cimentaban la sociedad, ya estaban buscando, en palabras de George Hugnet, "una forma menos improvisada, menos anárquica de sistematizar una lucha a la cual unirse". Dadá había seguido deliberadamente un camino sin salida; sus fines eran incompatibles con el arte en esencia, no por accidente. Difícilmente habría podido ser de otro modo, ya que no se basaba en una estética sino en un concepto perverso del humor que veía la vida como una broma de mal gusto contra el sujeto. Quizá la desesperación y el malestar subyacentes a una visión así fueran "radicales como la realidad misma", pero la actitud de Dadá impedía reconocerlo. Ni siquiera los miembros del grupo que estaban locos -y a juzgar por las memorias Vaché, Cravan y Rigaut presentaban síntomas de esquizofrenia- se permitieron, al parecer, sufrir su locura. De modo que convirtieron la angustia en chistes, chistes en última instancia suicidas, pero chistes de todos modos. Los otros, más astutos tanto para autoconservarse como para incidir en el público, se limitaron a imitar la locura según les convenía. Como el suicidio en otros momentos, era lo que estaba de moda."Dadá es intemporal", escribió Hugnet; "... Dadá no es un mal del siglo sino un mal del mundo". La vindicación parece demasiado vasta para un movimiento menor, y sin embargo es paradójicamente cierta. Puede que el logro de Dadá haya sido desdeñable en términos de obra producida, pero en términos de liberación artística fue desproporcionadamente grande. A su caótico modo, el movimiento ayudó a abrir nuevos campos para los que vendrían. Tratando el suicidio, la locura y la psicopatología del arte cotidiano como un indiferente pelotón de choque en desdeñoso ataque al público, también proporcionó una voz a aquellos cuya desesperación no era una alternativa divertida sino un destino. Por eso, el hecho de que la caricatura del movimiento modernista hecha por Dadá fuera grotesca no perjudicó su precisión esencial. Por el contrario, las diferencias eran de mero énfasis: si todos los modernistas asumieron desde el comienzo la destrucción de los valores tradicionales, no todos las proclamaron en voz tan alta como Dadá. Y no fue cuestión de cobardía ni de buen gusto, sino de supervivencia práctica. Quizá el arte del siglo XX haya empezado con nada, pero floreció porque creía en sí mismo, en la posibilidad de controlar lo que parece esencialmente incontrolable y en la coherencia de lo embrionario y en su capacidad de crear valores propios.Las artes sobreviven porque los artistas siguen creyendo en la posibilidad del arte ante las fauces de todo lo antiartístico. Dadá, por su lado, empezó oponiéndose a todo, el arte incluido, y por la lógica de la caricatura terminó oponiéndose a sí mismo. Como tantos de sus integrantes, el movimiento murió por propia mano.

Texto extraído de "El dios salvaje" (Un estudio del suicidio), A. Alvarez, editorial Norma, Bogotá, Colombia, 1999.Edición original: 1971Selección y destacados: S.R.www.con-versiones.com

PÉREZ-ORAMAS-EL ARTE LATINOAMERICANO ES UNA FICCIÓN DEL MERCADO

2012-02-25T13:17:00.000-08:00

Pérez-Oramas advierte: el arte latinoamericano es una ficción del mercado

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23 Febrero de 2012

Pérez-Oramas advierte: el arte latinoamericano es una ficción del mercado

Luis Pérez-Oramas. Imagen tomada de ElTiempo.com

El curator venezolano Luis Pérez-Oramas advierte, en entrevista con el diario colombiano El Tiempo, que el "arte latinoamericano es una ficción del mercado" y añade que "no me parece correcto suponer que se trata de un todo del arte latinoamericano y tampoco es justo con la realidad decir que es un fenómeno totalmente nuevo". Justifica que ahora se hable más de él porque "el mercado se hace cada vez más global y los coleccionistas se interesan por obras no solo de donde viven, sino de otros lugares". No es, sin embargo, la única entrevista interesante reunida esta semana por ARTEINFORMADO. Tenemos también las realizadas a los comisarios fundadores de la Aluna Art Foundation de Miami, o las interesantes observaciones de un coleccionista, Han Nefkens, que rehusa tener su propio espacio de exposición, lo que compensa trabajando con distintas instituciones. Y, en el ámbito de los artistas, declaraciones, siempre jugosas, de nombres como Elena Asins o Paula Rego. Todas ellas, las tiene a continuación:

** Adriana Herrera Téllez y Willy Castellanos, comisarios y fundadores de la Aluna Art Foundation: Sobre los artistas cubanos, su nueva fundación de arte, y Miami como "el beso de la muerte". Cuban Art News

** Alex Flaqué, director general de Flaqué Internacional, organizador del 36 Salón de Arte y Antigüedades de Barcelona - antiQuaris: "El arte navega sobre la crisis, somos un refugio". El Economista

** Han Nefkens, coleccionista: "Una colección es una pasión privada con un beneficio público". El Cultural

** Luis Pérez-Oramas, comisario, Estrellita Brodsky Curator of Latin American Art del MoMA: "Arte latinoamericano es una ficción del mercado". El Tiempo

** Rosina Gómez-Baeza, ex-directora de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial: "Hay un mundo agreste y otro comprometido, y me hubiera gustado otro final en la LABoral". La Nueva España

** Rosina Gómez-Baeza, ex-directora de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial: "Estuve 20 años al frente de Arco, pero mi corazoncito quería hacer algo en Asturias". La Nueva España

** Elena Asins, artista. El País

** José Luís Cuevas, artista: "Sigo siendo el pintor más famoso". Pulso Político

** Marieta Quesada, pintora. Atlántico

** Paula Rego, artista: "No consigo la obra que quiero". El País

www.arteinformado.com

MARC ANDRÉ ROBINSON,LOS ÁNGELES,1972

2012-02-25T11:46:00.001-08:00

Marc André Robinson at,tina kim-N.Y.C.(septiembre,2009)

PICASSO,Y MARTA MINUJIN-OBRAS

2012-02-25T10:36:00.000-08:00

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=6915

Picasso-"Construcción:Mandolina y calarinete"(1913),madera de pino lápiz y pintura(Museo Picasso,París

Marta Minujón-¡Revuélquese y viva¡ Gran Premio(1964)tela,goma espuma,madera y resortePicasi

MARC ANDRÉ ROBINSON

2012-02-25T08:51:00.000-08:00

Marc André ROBINSON

Marc André Robinson trabaja en escultura, dibujo, video e interactivos proyectos públicos que giran en torno a una psicología de la pertenencia histórica, cultural y familiar. Jugando con el diálogo entre arte y artefacto, que recoge los muebles desechados y los transforma en los conjuntos escultóricos con complejo y delicadamente equilibrado simbología. Dibujos de Robinson están a menudo marcadas por los patrones meticulosa y la repetición, mientras que sus proyectos públicos han implicado la creación de catalizadores para los miembros de la comunidad para expresar sus reflexiones históricas.

Nacido en Los Angeles, Robinson ganó un BFA de la Academia de Pensilvania de Bellas Artes y un MFA de la Universidad de Maryland Institute of Art. Participó en el Whitney Independent Study Program, y fue artista en residencia en el Studio Museum en Harlem, el Lower Manhattan Cultural Council y La Rocktower en Kingston, Jamaica. Robinson ha realizado numerosas exposiciones en los EE.UU. y en el extranjero en lugares como el New Museum of Contemporary Art, Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Baltimore y el Centro de Arte Contemporáneo de Glasgow. Su trabajo ha aparecido en Art Forum, Art News, Vogue París, New York Times y otras publicaciones internacionales. Robinson fue recientemente galardonado con una materia de arte beca para viajar a Sudáfrica en 2010 y cuenta con próximas exposiciones en Nueva York, Long Island, Baltimore y Filadelfia. Actualmente vive y trabaja en Brooklynhttp://www.nj.com/entertainment/arts/index.ssf/2007/12/premiere_exhibit_consists_prim.html.

LUIS ALBERTO SPINETTA,(BUENOS AIRES),1950-2012

2012-02-24T11:36:00.001-08:00

Bajan

Por Luis Alberto Spinetta

Tengo tiempo
para saber si lo que sueño
concluye en algo
No te apures ya más, loco
porque es entonces cuando las horas
bajan, el día es vidrio sin sol
bajan,la noche te oculta la voz
y además vos querés sol
despacio también podés hallar la luna

Viejo roble
del camino
Tus hojas siempre se agitan algo
Nena nena
que bien te ves
cuando en tus ojos no importa si las horas
bajan, el día se sienta a morir
bajan la noche se nubla sin fin
y además vos sos el sol

despacio también podés ser la luna

JORGE LUIS BORGES-LABERINTOS

2012-02-24T11:16:00.001-08:00

Soy el que pese a tan ilustres modos

De errar no ha descifrado el laberinto

Singular y plural, arduo y distinto

Del tiempo que es de uno y es de

Todos. Soy el que es nadie el que no fue una espada

En la guerra, soy eco, olvido, nada.

--JLB, Soy Laberinto

No habrá nunca una puerta. Estás adentro
y el alcázar abarca el universo
y no tiene ni anverso ni reverso
ni externo muro ni secreto centro.

No esperes que el rigor de tu camino
que tercamente se bifurca en otro,
que tercamente se bifurca en otro,
tendrá fin. Es de hierro tu destino

como tu juez. No aguardes la embestida
del toro que es un hombre y cuya extraña
forma plural da horror a la maraña

de interminable piedra entretejida.
No existe. Nada esperes. Ni siquiera
en el negro crepúsculo la fiera.

De "Elogio de la sombra"http://www.lamaquinadeltiempo.com/Rimbaud/indexrimb.htm

www.amediavoz.com

EL LABERINTO DE CRETA-MIGUEL RIVERA DORADO

2012-02-23T11:13:00.000-08:00

El laberinto de Creta

Miguel Rivera Dorado

El más famoso de todos los laberintos, el que merece ese nombre por antonomasia, es el que se localiza en la isla mediterránea de Creta. Para la inmensa mayoría de los estudiosos el laberinto de la leyenda existió realmente y no fue otro que el palacio de Cnosos, sitio arqueológico de la costa norte de Creta, en la cima de una colina cercana a Herakleion, ya habitado en tiempos neolíticos pero que fue terraplenado a principios del período Minoico Medio, hacia el año 2000 antes de Jesucristo, para la construcción de una gran estructura cuadrangular que llegó a tener casi 150 metros de lado, organizada en torno a un patio central de 25 por 53 metros aproximadamente. El conjunto estuvo en uso durante unos siete siglos y sufrió varias remodelaciones, pero la primitiva distribución salón del trono y aposentos principales al oeste del patio, con estancias para recepciones, santuarios y almacenes, y edificaciones domésticas al este, superpuestas en tres alturas, perduró sin grandes cambios hasta el período Minoico Tardío. Incluso parece que la tremenda erupción del volcán de la cercana isla de Santorín‑Thera, ese cataclismo que para algunos tiene que ver con el origen de la leyenda de la Atlántida, de mediados del segundo milenio, no hizo mella en el enorme edificio, aunque por entonces sus dueños eran seguramente los micénicos. Pavimentos enlosados, escaleras sostenidas por columnas, una complicada red de drenaje subterráneo, cuartos de baño, extensas pinturas murales, la cuidada albañilería y el lujo del mobiliario dan idea de la alta calidad de los ocupantes del lugar y de la extrema destreza de los artistas y arquitectos.

Reconstrucción del Palacio de Cnosos

Si labyrintho es una palabra pre‑griega que se origina aparentemente en el término «doble hacha», puede afirmarse que guarda relación conCnosos, puesto que ése es un símbolo grabado en varias de las piedras aún existentes en el palacio. Tal posibilidad, más los cultos taurinos y la hipótesis de una Atenas tributaria de Creta, hace remontar los episodios correspondientes del mito de Teseo, elaborados con seguridad en relación con la construcción isleña, a los tiempos de la última Edad del Bronce, quizá a los de Homero y Hesíodo (1).

El palacio, de traza parecida a los de Mallia y Faestos, en la misma Creta, era punto focal de la ciudad que se alzaba a su alrededor, con otras refinadas edificaciones residenciales y públicas, templos y necrópolis. En tal sentido, no ofrece muchas novedades con respecto a lo que es posible esperar de las estructuras palaciegas de numerosas ciudades‑estado de la Antigüedad que ocupaban privilegiadas situaciones en la trama urbana, centrales, prominentes, en la confluencia de calzadas, etc., y que reunían en su abigarrado interior las estancias reales y los espacios dedicados a la corte, a la administración, a la justicia, las habitaciones de los artesanos, los santuarios dinásticos, las bibliotecas y archivos, los almacenes y depósitos, pequeñas ciudades en sí, por tanto, aglomeraciones arquitectónicas que funcionalmente tienen parangón con algunos castillos medievales, con los palacios chirnúes de la costa norte del Perú, la Ciudad Prohibida de Pekín, el Fatehpur Sikri de los mogoles ‑que se puede considerar un desarrollo del Fuerte Rojo de Delhi o del de Agra mismo‑, y seguramente con los llamados «centros ceremoniales» de los mayas. ¿Qué hace entonces diferente a Cnosos? Sin duda el haberse convertido en protagonista de un mito, del mito del laberinto. Veamos pues las razones de que el celebérrimo palacio del hipotético rey Minos sea considerado el paradigma formal e ideológico de los laberintos de todos los tiempos.

Vestibulo de entrada

Puesto que cabe la posibilidad de que los patios interiores de los palacios minoicos albergasen los ritos taurinos, como los reproducidos en las pinturas murales, ya que en Mallia se encontraron huellas de postes a lo largo del perímetro de ese espacio libre, lo que sugiere la existencia de barreras, nada se puede objetar a la muy lógica suposición de que el número y complicación de las habitaciones de Cnosos, más la tauromaquia celebrada en su parte central, hubieran dado origen al mito del laberinto. Así, en la historia de Teseo, los jóvenes que constituían el tributo tal vez están haciendo referencia a los atletas, muchachos y muchachas, que realizaban las acrobacias con el toro en las fiestas señaladas. Para algunos historiadores la cuestión es baladí, la gran cantidad de cámaras y recintos, el número interminable de oscuros corredores, produjeron en los visitantes la sensación de extravío y favorecieron la creación de la leyenda. Si a eso añadimos el férreo carácter despótico de las monarquías cretenses, los cultos taurinos tan populares en la isla ‑en los que participaban los gobernantes como supremos oficiantes‑, y los gravámenes impuestos por aquella talasocracia a bastantes entidades políticas vecinas o alejadas, ya tenemos casi completa la escenografía de la trágica fábula de Teseo y Ariadna. Sin embargo, las cosas no resultan tan simples.

Cuenta la tradición que Heracles había llevado desde Creta a la llanura de Argos un feroz toro blanco que respiraba fuego. La bestia había matado en poco tiempo a centenares de hombres, entre ellos a Andrógeo, hijo del rey Minos. Aunque otras versiones aseguran que ese joven cretense pereció durante unos juegos convocados por Egeo, gobernante de Atenas, el caso es que el poderoso Minos exigió una reparación consistente en la entrega de siete muchachos y siete doncellas cada nueve años para ser ofrecidos en sacrificio al Minotauro, monstruo de cuerpo varonil y cabeza de morlaco que se alimentaba con carne humana y era fruto, según murmuraban en la isla, de la pasión zoofílica de la mismísima esposa del rey, Pasífae. Por tres veces los atenienses humillados enviaron sus adolescentes a la muerte, pero la cuarta, habida cuenta de que el descontento de la población. ponía en peligro la estabilidad monárquica, Egeo accedió a los requerimientos de su hijo Teseo ‑héroe que ya se había destacado en la lucha taurina al arrastrar por los cuernos al animal de Argos y Maratón hasta degollarle en la acrópolis ante el altar de Apolo‑, quien, sin someterse al habitual sorteo, solicitó de inmediato ser embarcado hacia Creta con el contingente ordinario de víctimas.

Dédalo, habilísimo arquitecto y artesano ‑que demostró su condescendencia realizando un metálico disfraz de vaca para Pasífae con destino a los amores que la turbaban‑ fue igualmente solícito al diseñar una extraordinaria construcción laberíntica en la que moraba el Minotauro y donde el monstruo debía permanecer encerrado para siempre. Al interior del laberinto eran arrojadas las víctimas, que deambulaban por los corredores sin encontrar la salida hasta toparse con la voraz fiera. Solamente Ariadna, hermanastra del Minotauro, poseía un ovillo de hilo mágico que Dédalohabía preparado con el fin de que, junto con sus precisas instrucciones, pudiera entrar y salir del tortuoso recinto. Rendida de amor la joven nada más contemplar la imponente figura de Teseo, no tardó en hacerle llegar el ovillo salvador que, atado convenientemente en el dintel de la entrada, le permitiría avanzar en la noche hasta el recóndito extremo donde descansaba el monstruo, y darle así muerte. Eso hizo el héroe, aunque se discute si fue con una espada, con su clava o con los puños.

El Minotauro (carbonilla; Picaso)

El regreso a Atenas, la ruptura de la promesa que había hecho a Ariadna y otras circunstancias del mito no nos conciernen ahora. Pero sí vale la pena indicar que algunas fuentes antiguas niegan por completo la existencia del Minotauro Asterión y opinan que el laberinto era una prisión en la que se guardaba a los jóvenes que serían sacrificados en el festival ante la tumba de Andrógeo. Filócoro asegura que Minos celebraba un concurso gimnástico en memoria de su hijo y entregaba los jóvenes como premio a los vencedores, y que siempre se alzaba con el triunfo un general del ejército llamado Tauro, hombre arrogante y cruel; incluso un autor concreto, Clidemo, citado también por Plutarco, deja entender con bastante claridad que el laberinto era el palacio de Cnosos, adonde se encaminó Teseo junto con Dédalo y otros fugitivos de Creta a fin de zanjar la querella que enfrentaba a los isleños con los atenienses; allí, en el palacio de Cnosos, Teseo dominó a los guardias y mató al rey Deucalión, heredero de Minos, en una habitación interior. Sea como fuere, lo que queda suficientemente demostrado en las citas y descripciones es que ese laberinto es una construcción o estancia compacta, de gran número de unidades menores especializadas, interrelacionadas sin solución de continuidad, definición principalmente formal que deseamos subrayar en este momento sobre las utilitarias porque creemos en la polivalencia funcional y en la unicidad significativa del icono.

El laberinto es sobre todo un «perdedero», un edificio o un ámbito para extraviarse, para no salir, en el que el objetivo que se persigue está situado en el lugar más recóndito e inaccesible. Cualquier subdivisión del área que ocupa remite simbólicamente a las restantes subdivisiones, porque la especialización de cada unidad ‑cuarto, galería, pasadizo, salón o patio‑ sólo se entiende en términos de la finalidad del conjunto: la desorientación, la abolición o alteración profunda de las referencias habituales de identificación, sucesión, distribución, ubicación y arreglo del tiempo y el espacio. Lo mismo que en el sueño. Y, al igual que los sueños requieren la ayuda deloniromante para ser juiciosamente interpretados, y convertidos de tal guisa en guía de conducta, también el laberinto requiere de un lazarillo que aporte la información o los instrumentos con que sortear las pruebas, es decir, en este caso, los medios de locomoción que hagan posible el desplazamiento progresivo por el recinto.
Ariadna es aquí la iniciadora de Teseo ‑hay quien cree que se trata de Ariagna, diosa de los muertos‑, le alecciona debidamente y le provee de un ovillo de hilo ‑otras fuentes afirman que entregó al héroe una corona luminosa para que viera en la oscuridad‑, que es una especie de cordón umbilical por el que queda unida al varón transmitiéndole a cada paso la sustancia vital del conocimiento y la seguridad.

La traición de Ariadna a la dinastía cretense puede ser interpretada desde numerosas perspectivas: como un rechazo del adulterio y del bestialismo de Pasífae, como producto del terror que le inspiraba su medio hermano, como consecuencia única del amor que despierta en ellaTeseo, como una ruptura con su grupo de filiación materno ‑o con Poseidón, que había enviado a Creta el toro del que se prendó la esposa de Minos‑, como un episodio más de las creencias y los rituales centrados en el toro, etc., pero a nosotros lo que verdaderamente se nos antoja revelador es que el personaje mediador entre Dédalo y Teseo sea una mujer, y precisamente la hija del rey. Considerando, por supuesto, al famoso arquitecto un demiurgos, y con el sentido platónico del término en la mente, se puede especular sobre el inminente cambio histórico propiciado en Creta por el sacrificio y la muerte del Minotauro, es decir, al retirar los dioses su favor (su legitimidad) a Minos y a la dinastía por él representada, y todo ello de la mano del opositor dúo femenino Pasífae‑Ariadna.

Labrys (hacha doble)

Minos, personificación del dios de la fecundidad, señor del rayo (la doble hacha) y de la lluvia, está simbolizado en el toro que tanto recuerda al Apis egipcio de Menfis, al Mer‑uer de On y al Min de Coptos. Y de este último dios, cuyo nombre se parece al del mítico gobernante de Creta, se dice en un himno que es el «toro de su madre», a la que «fecundó y consagró su corazón». Puesto que en la doctrina egipcia Min ha fecundado verdaderamente a Isis, y de esa unión ha nacido Horus que es coronado rey del Alto y del Bajo Egipto, la aplicación del modelo a Creta sugeriría que de la cópula de Pasífae con el toro blanco de Poseidón ‑también el toro de Min, que participaba en la procesión de su fiesta anual en la Tebas de Rarnsés III, era blanco‑ nace el que, por derecho natural y divino, heredará el trono, el nuevo Minos, el Minotauro, que habitará su gran palacio real, el laberinto, es decir, Cnosos. Todo ello hace que parezca sensato pensar en el origen egipcio no sólo de la idea y el diseño del edificio laberíntico ‑imitado por Dédalo del arquetipo de Amenemhat III en Hawara, según la tradición‑, sino de su profundo significado y las pertinentes asociaciones simbólicas, entre ellas, especialmente, la asignación al rey de la fuerza genésica cuyo fetiche es el toro, culto iconográfico tal vez procedente de Anatolia que encuentra en el sol la mejor ponderación, ya que magnifica el poder absoluto y sagrado del soberano hasta una escala sideral, cosmológica.

El de Cnosos no es, aparentemente, el único de los edificios o lugares llamados laberintos en el ámbito territorial de la antigua cultura griega. En la propia isla de Creta se menciona un conducto subterráneo en una colina situada al pie del monte Ida, y otro a unos 5 kilómetros al sur de las ruinas de Gortyna (para el poeta Ausonio, la patria natal del escultor Dédalo), y ciertamente no hay razón para pensar que es injusto aplicar el adjetivo «laberíntico» al diseño de la planta de otros palacios como Mallia y Faestos, fundados en la misma época que Cnosos y con fines político‑administrativos semejantes, o, según parece, a la gruta‑santuario de Zeus en el monte Juktas, donde el rey Minos celebraba cada nueve años una entrevista con su divino padre, que se suponía había sido enterrado allí (2). Otro lugar célebre es la isla de Lemnos, donde Plinio ubica una construcción de estas características, en la que destacaban ciento cincuenta columnas de preciosos mármoles; resulta curioso que las fuentes clásicas hayan anotado y transmitido los nombres de los arquitectos encargados de la obra, que para algunos eran samios, de donde cabe la posibilidad de que el laberinto no estuviera realmente en Lemnos sino en Samos (3).

Otro asunto de no poca importancia es el de las danzas y juegos greco‑latinos inspirados o relacionados directamente con la magna obra deDédalo. Plutarco escribe que poniendo Teseo rumbo a Delos al partir de Creta, se detuvo en esa isla y ejecutó con los jóvenes una danza que imitaba las revueltas y salidas del Laberinto, interpretándose con un ritmo formado por alternancias y rodeos. Bailó el héroe en tomo al altar Ceratón, que estaba construido con todo tipo de cuernos del lado izquierdo (4). Homero describe en el canto XVIII de La Ilíada el espléndido escudo que fabricó Hefesto para Aquiles, y entre las imágenes grabadas por el dios dice que había una danza semejante a la que concertara Dédalo en Cnosos en obsequio de Ariadna: adolescentes y hermosas vírgenes danzaban alegres tomados de la mano; con gran rapidez bailaban en corro y al girar se enlazaban de diversos modos, mientras dos ágiles acróbatas daban saltos en medio de la rueda. Aunque no se deduce del relato el carácter enrevesado de la danza, la referencia a Dédalo como su inventor resulta significativa, lo mismo que el hecho de que sean los intérpretes muchachos y muchachas. También conviene subrayar que la corona de Ariadna, la que entregó a Teseo para que iluminara el camino del laberinto, o aquella que recibió en Naxos como obsequio de Dionisos, fue realizada precisamente por Hefesto.

Plinio, por su parte, menciona un juego infantil «laberíntico» que los niños practicaban en el Campo Marzio, y que puede ser el Ludus Troiae oTroianus, alusión al juego fúnebre de los muchachos troyanos en honor de Anquises, antepasado fundador cuya tumba sitúa Homero en el mismísimo monte Ida. En ambos casos se trata de un rito ejecutado por varones de corta edad, como los que eran víctimas del Minotauro, que parece previo a una ofrenda o sacrificio. En efecto, las connotaciones taurinas, en el primer caso, y las directamente funerarias, en el segundo, así lo podrían corroborar. Trazar con los pies un camino laberíntico, como en la danza Geranos, o del Cráneo, de Delos, puede ser igualmente un ritual de exclusión, pues se cree que los bailarines producen con su movimiento una especie de enredada barrera, y que propagan un campo de fuerza mágico que repele a todo el que no debe entrar en el lugar guardado. Otra danza muy significativa, que aún se conserva en Ceram, una de las islas Molucas, conmemora la muerte de Hainuwele, la doncella divina; en esa ceremonia, hombres y mujeres unidos forman una espiral, el laberinto por el cual pasarán todos los muertos en su viaje al inframundo. Hainuwele se yergue en medio del laberinto, donde un profundo agujero ha sido excavado en la tierra; los danzantes varones van empujando poco a poco a las muchachas hasta hacerlas caer en el pozo, y los cánticos ahogan los gritos de las vírgenes. Luego ellos amontonan tierra y la apisonan con firmeza mientras siguen bailando (5).

Frazer menciona el sacrificio de niños que los cartagineses dedicaban a Moloc, colocando a las criaturas en las manos de bronce de una imagen con cabeza de ternero, desde las que se deslizaban dentro de un horno encendido, mientras los asistentes bailaban al son de flautas y panderos. Compara este rito con la leyenda minoica, y sugiere que tal vez los jóvenes tributados por Atenas eran sacrificados quemándolos vivos dentro de un toro de bronce o de una efigie de hombre con cabeza de toro, con objeto de renovar la fortaleza del rey y del sol, astro al que el propio rey encamaba. A tal conclusión puede conducir también la historia de Talos, un hombre de bronce que abrazaba contra su pecho a la gente y se arrojaba al fuego con ella para que muriese abrasada, terrible personaje que había sido entregado al parecer a Minos por Hefesto con objeto de que guardara la isla de Creta, lo que hacía dando tres vueltas a su perímetro cada día (6).

No hay duda de que las informaciones sobre danzas y juegos de niños y adolescentes, en fin, pueden ser un testimonio adicional sobre el vínculo que el mito cretense establece entre la realeza y el símbolismo laberíntico y solar. La renovación y mantenimiento del fuego del sol, equivalente a la prórroga del poder del rey, justifica seguramente los sacrificios infantiles. Lo funerario, por otro lado, evoca al sol poniente, la gran luminaria penetrando en el mundo inferior. Aunque probablemente otra explicación apropiada para la danza de Teseo es el apaciguamiento de las fuerzas cósmicas, perturbadas por la muerte del Minotauro, con el consecuente restablecimiento de la armonía entre el cielo y la tierra. Recordemos además que la danza china de Yu el Grande, que pone orden en los desequilibrios naturales, es en principio de tipo «laberíntico», y que la danza japonesa de Uzume se realiza ante una caverna para hacer salir a Amaterasu, la diosa solar (7).

La relación de Teseo con Apolo, conductor del carro del sol, luz que ilumina al mundo, es evidente, y en ella juega gran papel la isla de Delos, donde Apolo residió algún tiempo, donde se refugió su madre Latona y donde estaba emplazado uno de sus oráculos célebres. Nos inclinamos a sugerir, pues, que los héroes que penetran en el laberinto se identifican en gran medida con el mismo sol, lo que está bastante claro en el caso del mito maya de los gemelos Hunahpú e Ubalanqué, por ejemplo (8), como tendremos ocasión de tratar con detalle más adelante. Quede ahora constancia de la firme conexión que establece el mito de Teseo entre los conceptos laberinto, sol, danza, rey, y de la connotación que el Minotauro introduce en el carácter del recinto que habita, dado que su naturaleza anómala pone de manifiesto en grado superlativo el desorden ‑considerado por lo general como «inversión»‑ que se atribuye al mundo inferior.

Notas:

(1) Véase G. S. Kirk, La naturaleza de los mitos griegos, Editorial Argos Vergara, Barcelona 1984, pág. 128.

(2) Varias referencias al santuario y la cueva del Juktas, en J. D. S. Pendlebury, Arqueología de Creta, Fondo de Cultura Económica, México 1965.En esta obra se advierte que las cuevas cretenses, de galerías y cámaras más o menos laberínticas, fueron usadas por los moradores de la isla como lugares de culto y enterramiento desde los tiempos tempranos. Más información sobre la arqueología cretense, en R. Treuilet al., Las civilizaciones egeas del Neolítico v de la Edad del Bronce, Editorial Labor, Barcelona 1992. El palacio de Cnosos ha sido descrito con frecuencia en la literatura arqueológica, por ejemplo, en James W. Graham, The Palaces of Crete, Princeton Universíty Press, Prínceton 1969, obra que ofrece a la vez adecuadas comparaciones entre la mayoría de los conjuntos arquitectónicos cretenses de esta clase. Quizá la síntesis de más fácil lectura es la escrita por el profesor Leonard R. Palmer, A New Guide to the Palace of Knossos, Faber y Faber, Londres 1969; una breve historia de las investigaciones y excelentes planos del palacio en Sinclair Hood y William Taylor, The Bronze Age Palace at Knossos, The British School at Athens, Supplementary volumen Nº 13,Thames and Hudson, Londres 1981. Un estudio reciente, y más especializado en determinada clase de datos, es el de Jacques Raison, Le palais du second millénaire á Knossos, Études Crétoises, París 1993.

(3) Entre los escritores antiguos que han tratado de los laberintos el más notable es Plinio, porque en su Historia Natural (libro 36, capítulo 13) hace una clasificación geográfica con claras interpretaciones críticas que enriquecen la mera descripción. También se puede citar a Pomponio Mela, Herodoto, Diodoro, Apolodoro, Plutarco, Estrabón, por no hablar, desde una perspectiva diferente, del Dédalo de Sófocles o el Teseo de Eurípides, entre otras obras de la literatura clásica.

(4) Plutarco, Vidas paralelas, vol. I, Biblioteca Clásica Gredos, Madrid 1985, pág. 181. La descripción de ese famoso altar recuerda inevitablemente la decoración de algunos santuarios anatólicos, por ejemplo, en Catal Hüyük, con su abundancia de cuernos y de astas. Véase Jarnes Mellaart, The Neolithic of the Near East, Londres 1975.

(5) Janet Bord, Mazes and Labyrinths of the World, Latimer New Dimensions, Londres 1976, págs. 12‑13 y 59‑61. Otras danzas se citan en este libro, poi ejemplo la de Traunstein, en Baviera, llamada «de la espada» y relacionada con San Jorge y su lucha con el dragón. En algunas de ellas se usan cuerdas que sujetan ‑o a las que se atan‑ los participantes. ¿Cómo no recordar en casi todos los casos el arquetipo del mito griego?

(6) James G. Frazer, La rama dorada, Fondo de Cultura Económica, Madrid 1981, págs. 329‑330.

(7) J. Chevalier y A. Gheerbrant, Diccionario de los símbolos, Editorial Herder, Barcelona 1986, pág. 397. En numerosas culturas la relación entre danza, sacrificio e itinerario solar es incuestionable; la identificación del gobernante con el sol le obliga a desempeñar un papel protagonista en tales ceremonias. Posiblemente algo así nos indican las abundantes esculturas mayas en las que los reyes inician un paso de baile. Véase Virginia E. Miller, Pose and Gesture in Classic Maya Monumental Sculpture, Tesis Doctoral, University of Texas, Austin 1981, págs. 129‑156.

(8) El mito maya es el núcleo del texto llamado Popol Vuh. Véase Adrián Recinos, Popol Vuh. Las antiguas historias del Quiché, Fondo de Cultura Económica, México 1964, sobre todo las páginas 79‑80 respecto a los caminos del Xibalbá o inframundo, la 95 en relación con las danzas de los héroes y la 102 con la narración de la transfiguración de los muchachos en soles del día y de la noche. Una aproximación general a la valoración simbólica de este documento indígena, en Miguel Rivera, «Símbolos del Popol Vuh», Cuarta Mesa Redonda de la Sociedad Española de Estudios Mayas, Madrid 1995, págs. 249‑263.

Texto extraido de “Los laberintos de la antigüedad”, Miguel Rivera Dorado, págs. 33-45, editorial Alianza, Madrid, España, 1995.
Selección y destacados: S.R.http://www.con-versiones.com/index.htm

www.con-versiones.com

MARIANA TELLERIA,1979 (RUFINO,STA FE)ARGENTINA

2012-02-23T09:01:00.000-08:00

http://www.artealdiaonline.com/Argentina/Agenda/Exposiciones_Muestras/Mariana_Telleria

Mariana Telleria-Mortal Combat-Instalacióm Mamba-2011

OBRAS DEL MUSAC Y EL IVAM EN EL ESPACIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN MONTEVIDEO(URUGUAY)

2012-02-22T11:06:00.000-08:00

Obras del Musac y el Ivam en el EAC de Montevideo

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21 Febrero de 2012

Obras del Musac y el Ivam en el EAC de Montevideo

Jesper Just - No man is an island de la Colección Musac

Esta semana tienen un lugar destacado, entre lo acontecido dentro de la región latinoamericana, dos exposiciones con obras de las colecciones de dos instituciones públicas españolas como son elMUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM). Ambas muestras se enmarcan dentro de la inauguración de la sexta temporada delEAC - Espacio de Arte Contemporáneo en Montevideo. La selección de las tres obras que se pueden ver en "Colección MUSAC / Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León" de los artistas Antoni Abad, Jesper Just y Akram Zaatari, así como las de "Arquitecturas Próximas - IVAM / Instituto Valenciano de Arte Moderno" de Joan Cardells, Eduardo Chillida, Martín Chirino, John Davies, Adolph Gottlieb, Donald Judd, Miquel Navarro y Esther Pizarro ha corrido por cuenta de Fernando Sicco (Montevideo, Uruguay, 1961), artista y director del EAC. Estas exposiciones son sólo dos de los siete proyectos que completan la programación de esta temporada del EAC, que muestra una clara predominancia de artistas extranjeros.

Por otro lado, en el Centro Cultural Banco do Brasil(CCBB) se ha inaugurado "Percurso Afetivo", la primera exposición individual en los últimos 40 años en Río de Janeiro de Tarsila do Amaral (São Paulo, Brasil, 1886 - 1973), una de las más importantes y emblemáticas artistas brasileñas. Finalmente, destacar la exposición "The Invisible Architect", que le dedica The Bronx Museum of the Arts de Nueva York al desaparecido artista chileno Juan Downey (Santiago de Chile, 1940 - Nueva York - EE.UU., 1993). Valerie Smith es la comisaria del primer estudio completo que se lleva a cabo en los EE.UU. sobre la trayectoria de este pionero videoartista chileno. La exposición reúne más de un centenar de obras, entre dibujos, cuadernos de artista, pinturas, vídeo e instalaciones fotográficas que van desde los primeros trabajos experimentales con el arte y la tecnología a las instalaciones de vídeo innovadoras entre las décadas de 1970 y 1990. La información de éstas y otras exposiciones seleccionadas, entre las recogidas por ARTEINFORMADO, puede encontrarla a continuación:

Uruguay

** Exposición: "Arquitecturas Próximas - IVAM / Instituto Valenciano de Arte Moderno" * Espacio: EAC - Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo) * Artista/s: Joan Cardells, Eduado Chillida, Martín Chirino, John Davies, Adolph Gottlieb, Donald Judd, Miquel Navarro y Esther Pizarro * Fecha del Evento: 16/02/2012 - 29/04/2012 * Observaciones: Bajo curadoría de Ángel Kalenberg se presenta una parte del proyecto 'Arquitecturas Próximas', de José María y Ana Lozano, que articula su mirada arquitectónica con importantes obras volumétricas de la Colección del Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM, y que se expone en forma simultánea con el Museo Nacional de Artes Visuales y con la Facultad de Arquitectura de la UDELAR.

** Exposición: "Colección MUSAC / Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León" * Espacio: EAC - Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo) * Artista/s: Antoni Abad, Jesper Just y Akram Zaatari * Fecha del Evento: 16/02/2012 - 29/04/2012 * Observaciones: Según Fernando Sicco: "Toca al espectador navegar a su modo por esta trilogía, primera experiencia de lo que ójala sea una serie de intercambios entre dos instituciones dedicadas al arte contemporáneo en el mundo de hoy, en espacios distantes de la aldea global".

** Exposición: "Los Impolíticos" * Espacio: EAC - Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo) * Artista/s: Marcela Armas, Bruggermann, Angela Detanico&Rafael Lain, Darío Escobar, José Antonio Hernández-Diez, Jorge Macchi, Leo Marz, Cildo Meireles, Dulce Pinzon, Liliana Porter, Wilfredo Prieto, Paul Ramírez Jonas, Miguel Ángel Rios, Adriana Salazar y Pablo Serra. *Fecha del Evento: 16/02/2012 - 29/04/2012 * Observaciones: La comisaria Laura Bardier, en esta segunda edición del proyecto, ha reunido obras que cruzan temáticas que comprenden la comunicación tendenciosa y manipulada por los sistemas de control; el híper-urbanismo exacerbado; la degradación social y la constricción al consumismo exasperado. Condiciones que en suma generan un fuerte sentido de impotencia.

** Exposición: "Borderline" * Espacio: EAC - Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo) * Artista/s: Narda Alvarado, Luciano Burba, Eugenia Calvo, Soledad Dahbar, Maximiliano Peralta Rodríguez, Leticia Santa Cruz, Rosana Storti y Leandro Yadanza. *Fecha del Evento: 16/02/2012 - 29/04/2012 * Observaciones: Esta selección de la artista y comisaria Cintia Clara Romeropresenta la obra de artistas que encuentran en el desarrollo de acciones irracionales, inútiles y sin sentido aparente el medio para dar vía libre a una serie de intuiciones estéticas que descubren finalmente, dentro del campo del arte, algún grado de estructuración, removiendo estándares del lenguaje, habilitando sentido.

Brasil

** Exposición: "Tarsila do Amaral - Percurso Afetivo" * Espacio: Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) (Río de Janeiro) *Artista/s: Tarsila do Amaral (São Paulo, Brasil, 1886 - 1973) * Fecha del Evento: 14/02/2012 - 29/04/2012 * Observaciones:Antonio Carlos Abdalla es el comisario de la primera exposición individual en los últimos 40 años en Rio de Janeiro de Tarsila do Amaral, una artista que tiene su nombre registrado en la historia del arte brasileño como una artista de vanguardia con presencia destacada en el modernismo brasileño involucrándose de forma directa en los movimientos Pau-Brasil y Antropofágico.

** Exposición: "Le Chateau" * Espacio: Galería Luisa Strina (Sao Paulo) * Artista/s: Various Artists * Fecha del Evento: 17/02/2012 - 03/03/2012 * Observaciones: Esta exposición que ha comisariado Catherine Bompuis es el primer gran 'gesamskunstwerk' de Various Artists que incluye entre otras cosas una instalación y una serie de talleres.

** Exposición: "Zoom Latinoamericano. Colección de Arte FEMSA" * Espacio: CPFL Cultura (Campinas, Sao Paulo) * Fecha del Evento: 15/02/2012 - 08/04/2012 * Observaciones: La muestra incluye 41 obras que representan a 11 países de América Latina, tanto de artistas contemporáneos cuyos discursos se insertan en temas actuales a nivel global, como de autores cuya trayectoria ha sido reconocida a lo largo de los últimos cien años, tales como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Betsabeé Romero, Iberê Camargo, Mira Schendel, Leda Catunda, Fernando Botero, Roberto Matta, Jesús Rafael Soto, Carlos Mérida, Wifredo Lam y Joaquín Torres García. Además, en la selección se integra una obra invitada del brasileño Thomaz Perina, uno de los artistas más importantes de Campinas, la cual pertenece al Instituto Thomaz Perina.

México, Perú y Estados Unidos

** Exposición: "Ciudad Bragar, México. Una retrospectiva rigurosa de la trayectoria artística del maestro Philip F. Bragar" *Espacio: Centro Nacional de las Artes de México (CENART) (Ciudad de México) * Artista/s: Philip F. Bragar (Nueva York, EE.UU., 1925 - reside en México desde 1954) * Fecha del Evento: 17/02/2012 - 30/03/2012 * Observaciones: 83 obras entre pinturas, esculturas y dibujos conforman esta rigurosa retrospectiva de la trayectoria artística de Bragar que, bajo la curaduría deGuillermo Santamarina, se ha inaugurado en la Galería Principal del Centro Nacional de las Artes (Cenart). Bragar ha tenido una importante presencia en la escena del arte, participando en los distintos capítulos fundamentales de la historia del arte moderno de México. Sus trabajos se han mostrado en distintos museos y galerías, entre ellos el Museo de Arte Moderno, el Museo Universitario de Ciencias y Artes de la UNAM, así como a nivel nacional como internacional. Actualmente, es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

** Exposición: "Tactismo" * Espacio: Revolver Galería (Lima) * Artista/s: Adolfo Bimer (Santiago de Chile, Chile, 1985) * Fecha del Evento: 10/02/2012 - 09/03/2012 * Observaciones: Esta exposición, primera individual del artista en Perú, surge a partir de la experiencia del autor durante su paso por Lima, producto una invitación por parte de Revolver galería. Ésta consiste en una serie de 29 pinturas, una instalación y una serie de fotografías. Toda la obra ha sido realizada durante el mes que dura el proyecto de residencia. Bimer figura entre los artistas representados por la Galería Patricia Ready de Chile.

** Exposición: "II New Museum Trienal: 'The Ungovernables'" * Espacio: New Museum (Nueva York) * Fecha del Evento: 15/02/2012 - 22/04/2012 * Observaciones: Eungie Joo, comisaria de la II New Museum Trienal, ha reunido en esta ocasión a cincuenta artistas, entre los que están nueve latinoamericanos: Amalia Pica (Neuquén Capital, Argentina, 1978 - reside en Londres), Mariana Telleria (Rufino, Argentina, 1979 - vive y trabaja en Rosario), Adrián Villar Rojas (Rosario, Argentina, 1980), Jonathas de Andrade (Maceió, Brasil, 1982 - vive en Recife), Cinthia Marcelle (Belo Horizonte, Brasil, 1974), Nicolás Paris (Bogotá, Colombia, 1977), Gabriel Sierra (San Juan Nepomuceno, Colombia, 1975), José Antonio Vega Macotela (México D.F., 1980) y Rita Ponce de León (Lima, Peru, 1982 - reside en México D.F.).

** Exposición: "The Invisible Architect" * Espacio: The Bronx Museum of the Arts (Nueva York) * Artista/s: Juan Downey (Santiago de Chile, Chile, 1940 - Nueva York - EE.UU., 1993) * Fecha del Evento: 12/02/2012 - 20/05/2012 * Observaciones: Valerie Smithcomisaria el primer estudio completo en los EE.UU. de este pionero videoartista que reúne más de un centenar de obras, entre dibujos, cuadernos de artista, pinturas, vídeo e instalaciones fotográficas. La exposición está organizada en colaboración con el MIT List Visual Arts Center de Cambridge.www.arteinformado.com

PREMIO PARA VOLUSPA JARPA EN ARCOMADRID2012

2012-02-21T10:19:00.000-08:00

Premio Illy Sustain Art en ARCOmadrid 2012

20 febrero, 2012 | Por María Jesús Burgueño | Categoría: Actualidad, ARCO, Escultura, Ferias, IFEMA | Imprime esta noticia

La obra ‘Minimal Secret’ de Voluspa Jarpa, ganadora del V Premio Illy Sustain Art en ARCOmadrid 2012

La artista Voluspa Jarpa ha sido la ganadora de la quinta edición del Premio Illy Sustain Art. Esta artista chilena ha sido premiada por su trabajo Minimal Secret que se ha mostrado en la galería ISABEL ANINAT dentro de la sección SOLO PROJECTS: Focus Latinoamérica. El jurado ha premiado esta obra “por su temática histórico-política y su lenguaje crítico que recupera la memoria a través de documentos de países latinoamericanos que han sufrido una dictadura como Chile, sacándola a la luz de una manera artística”.

Voluspa explora sus raíces en Minimal Secret a través de los documentos desclasificados por la CIA y de una revisión del psicoanálisis, de la idea del trauma, trabajando formas que tienen que ver con una noción sobre la Historia que se ha ocultado o que no ha salido a la luz.

La autora chilena lleva varios años investigando y trabajando sobre estos temas. Ha participado en las bienales de Estambul o la de Mercosur, donde ha mostrado piezas antecedentes al proyecto que expone en la Feria. “Hace más de diez años que mi obra se centra en asuntos políticos de la historia nacional de Chile. ‘Minimal Secret’ se presenta en ARCO justamente en un momento en el que la sociedad española está muy sensibilizada con el asunto de los documentos desclasificados de la dictadura de Pinochet”, explica Jarpa.

Voluspa Jarpa es una pintora y artista visual nacida en 1971 en Chile. Licenciada en Artes por la Universidad de Chile en 1992, realizó un Master en Artes Visuales en el mismo centro en 1996. Desarrolla su trabajo centrando su práctica en asuntos políticos de la historia nacional de Chile, creando instalaciones, pintura y objetos escultóricos.

El jurado de la quinta edición del Premio illy SustainArt ha estado compuesto por Agustín Pérez-Rubio, director del MUSAC, León; Marcelo Mattos Araujo, director ejecutivo de la Pinacoteca de São Paulo y Carlo Bach, director artístico de illycaffè. Ellos escogieron a la autora chilena de entre las 23 galerías participantes en la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica.

El Premio creado por illycaffè en colaboración con ARCOmadrid reconoce los artistas jóvenes menores de 35 años de la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica, cuyas obras estén presentes en esta edición de la Feria de referencia en el mundo del arte contemporáneo.www.revistadearte.com

EXPOSICIONES DE CHAGALL Y DUCHAMP

2012-02-21T10:03:00.000-08:00

Sendas exposiciones dedicadas a Chagall y Duchamp repasan sus trayectorias

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20 Febrero de 2012

Sendas exposiciones dedicadas a Chagall y Duchamp repasan sus trayectorias

Duchamp

Entre los argumentos centrales de esta semana tenemos la primera retrospectiva que se organiza en España del artista ruso Marc Chagall (Vitebsk, Rusia, 1887 - Sant Paul de Vence, Francia, 1985), en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Casa de las Alhajas de la Fundación Caja Madrid. Esta exposición, comisariada por Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, reúne más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo mundo, reunidas en ambas sedes, para repasar toda la trayectoria de uno de los artistas más destacados del siglo XX. Además de Chagall, podemos encontrar en la sala de exposiciones de la Casa del Cordón de Burgos una interesante muestra que recorre el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (Blainville, 1887-Neully, 1968), para muchos el creador más influyente del siglo XX, sin cuyo magisterio es imposible comprender el devenir del arte actual. La exposición "Duchamp", basada en piezas de la Colección Zignone que visitan España por vez primera, comprende un total de 89 obras independientes, lo que permite ofrecer una visión muy completa de la compleja y variada actividad desarrollada por Duchamp. Otros de los nombres propios de esta semana son el artista sudafricano William Kentridge (Johannesburgo, Suráfrica, 1955) y el alemán Hans Haacke (Colonia, 1936). Al primero le encontramos en el CAC - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga con "¿No se unirá usted al baile?", la primera exposición de tapices en España bajo comisariado de Fernando Francés, y al segundo, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) con "Castillos en el aire", donde presenta un nuevo proyecto realizado a lo largo de 2011. Además, esta exposición, comisariada por Manuel Borja-Villel, recoge una amplia selección de obras que abordan las principales preocupaciones que jalonan su trayectoria, desde el mercado y los efectos de la globalización, hasta las relaciones entre arte y poder o su famosa serie sobre el creador del Museum Ludwig de Colonia.

Por último, con motivo del quinto aniversario de la apertura de la Fundació Suñol de Barcelona se ha inaugurado "Escultura/Objeto", la primera de las actividades conmemorativas que se realizarán a lo largo de 2012. Esta exposición está integrada por 34 piezas pertenecientes a la Colección Josep Suñol -algunas de ellas inéditas-, realizadas por 29 artistas nacionales e internacionales que van desde las primeras vanguardias hasta las propuestas más atrevidas de los noventa. Además, esta fundación por la que han pasado 45.000 personas a lo largo de su lustro de vida inaugura mañaña de forma simultánea, junto a la Fundació Foto Colectania, "La morada del hombre. Fotografías de la Colección Martin Z. Margulies", una muestra comisariada por Régis Durand, que antes se pudo ver en la coruñesa Fundación Pedro Barrié de la Maza, bajo patrocinio del Banco Pastor, que reúne grandes nombres de la fotografía como EdRuscha, Walker Evans, Dorothea Lange, Berenice Abbott o Andreas Gursky, entre otros, para debatir en torno a la cuestión de cómo el hombre habita el mundo con más de 165 obras de 50 artistas. La información de éstas y otras exposiciones seleccionadas, entre las recogidas por ARTEINFORMADO, puede encontrarla a continuación:

Madrid

** Exposición: "Marc Chagall" * Espacios: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid - Casa de las Alhajas *Artista/s: Marc Chagall (Vitebsk, Rusia, 1887 - Sant Paul de Vence, Francia, 1985) * Fecha del Evento: 14/02/2012 - 20/05/2012*Observaciones: El MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern de Londres,... y así hasta un total de veinte museos de todo el mundo, junto a un gran número de colecciones particulares, son quienes han cedido para la ocasión piezas fundamentales de sus fondos. Mención especial merecen el Centre Pompidou de París, desde donde han viajado nueve obras, y la propia familia del artista, que ha contribuido al proyecto con un generosísimo préstamo.

** Exposición: "Castillos en el aire" * Espacio: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) * Artista/s: Hans Haacke(Colonia, Alemania, 1936) * Fecha del Evento: * Observaciones: A lo largo de 2011, Haacke ha estado trabajando en un nuevo proyecto que verá la luz en esta exposición, comisariada por Manuel Borja-Villel, acompañado por una amplia selección de obras que abordan las principales preocupaciones que jalonan su trayectoria, desde el mercado y los efectos de la globalización, hasta las relaciones entre arte y poder o su famosa serie sobre el creador del Museum Ludwig de Colonia, Der Pralinen Meister 1981. Haacke está considerado pionero y uno de los principales representantes de la llamada crítica institucional surgida a finales de los años sesenta.

** Exposición: "Afterimage/Imagen remanente" * Espacio: La Casa Encendida * Artista/s: Narelle Jubelin (Sidney, Australia, 1960) * Fecha del Evento: 15/02/2012 - 08/04/2012 * Observaciones: Este proyecto es un sutil retrato del Centro, de su arquitectura y ubicación, así como de la relación de los usuarios con el espacio. Durante más de dos años, la artista ha tejido una trama que relaciona esos elementos con sus referencias personales. Esta trama es la que sostiene la exposición presentada como una experiencia participativa y comunitaria.

** Exposición: "José María Yturralde. Geometrías del infinito" * Espacio: Javier López * Artista/s: José María Yturralde (Cuenca, 1942 - reside en Valencia) * Fecha del Evento: 14/02/2012 - 02/05/2012 * Observaciones: Presenta las últimas obras de uno de los principales representantes de la pintura abstracta de nuestro país en diálogo con obras de sus últimas series.

** Exposición: "The Wrong Project" * Espacio: Espacio Fragil * Artista/s: Diana Larrea (Madrid, 1972) y Tamara Arroyo (Madrid, 1972) * Fecha del Evento: 14/02/2012 - n. d.* Observaciones: Estas dos artistas no habían realizado antes una colaboración conjunta. Por separado, desarrollaron hace años sendos proyectos para Frágil como fue en 2007 "Gabinete Oriental" en el caso de Larrea. Ahora, el espacio las ha vuelto a invitar, esta vez para que trabajaran juntas y el resultado es este proyecto. Arroyo está representada por la galería José Robles de Madrid y Larrea por Espacio Líquido de Gijón.

** Exposición: "Danzas y ritos" * Espacio: Blanca Berlín Galería * Artista/s: Isabel Muñoz (Barcelona, 1951) * Fecha del Evento: 15/02/2012 - 31/03/2012 * Observaciones: En su segunda exposición en esta galería, Muñoz sorprende con la primicia de su último trabajo, inédito y muy personal, en el que presenta vívidas imágenes llenas de movimiento, naturaleza y color de hombres, mujeres y niños, pertenecientes a diferentes tribus de Papua Nueva Guinea.

** Exposición: "Subverted" * Espacio: Ivorypress Art + Books * Artista/s: Edward Burtynsky (Ontario, Canadá, 1955), David Maisel (Nueva York, EEUU, 1961), Nuno Ramos (São Paulo, Brasil, 1960) y Carlo Valsecchi (Brescia, Italia, 1965). * Fecha del Evento: 14/02/2012 - 14/04/2012 * Observaciones: Las imágenes que componen Subverted giran en torno a la relación entre el ser humano y la naturaleza, un binomio cuyas dinámicas se han transformado con fuerza en las últimas décadas.

** Exposición: "Laboratorio" * Espacio: Elba Benitez * Artista/s: Carlos Bunga (Oporto, Portugal, 1976 - vive y trabaja en Nueva York) * Fecha del Evento: 17/02/2012 - 31/03/2012 * Observaciones: Nueva individual de este artista en este esta galería. Actualmente, presenta el proyecto individual "Mausoléu", organizado por la Pinacoteca do Estado de São Paulo y cuyo curador es Ivo Mesquita, curador jefe de la Pinacoteca do Estado.

** Exposición: "X" * Espacio: Travesia Cuatro * Artista/s: Yuri Masnyj (Washington D.C. - EE.UU., 1976 - vive y trabaja en Nueva York) * Fecha del Evento: 17/02/2012 - 31/03/2012 * Observaciones: Segunda muestra individual de esta artista.

** Exposición: "La vida no vale nada" * Espacio: Travesia Cuatro * Artista/s: Gonzalo Lebrija (Guadalajara, México, 1972) *Fecha del Evento: 17/02/2012 - 31/03/2012 * Observaciones: Segunda muestra individual de este artista.

** Exposición: "La menor idea" * Espacio: Cayón * Artista/s: Marco Maggi (Montevideo, Uruguay, 1957 - vive y trabaja en Nueva York) * Fecha del Evento: 16/02/2012 - n. d. * Observaciones: Primera individual de este artista en la galería.

Barcelona, Burgos, Málaga, Tenerife y Valencia

** Exposición: "Escultura/Objeto" * Espacio: Fundació Suñol (Barcelona) * Fecha del Evento: 14/02/2012 - 01/09/2012 *Observaciones: La exposición descubre 34 piezas de los fondos de la Colección Josep Suñol -algunas de ellas nunca mostradas al público- de 29 artistas nacionales e internacionales, que van desde las primeras vanguardias hasta las propuestas más atrevidas de los noventa.

** Exposición: "Duchamp" * Espacio: Casa del Cordón - Caja de Burgos (Burgos) * Artista/s: Marcel Duchamp (Blainville, Francia, 1887-Neully, Francia, 1968) * Fecha del Evento: 16/02/2012 - 29/04/2012 * Observaciones: Muestra de 89 piezas que recorren la trayectoria del que es considerado unánimemente el artista más influyente de la segunda mitad del siglo XX. La exposición, basada en piezas de la Colección Zignone que visitan España por vez primera, se completa con fotografías y un ciclo paralelo de cine de vanguardia. Estos testimonios constituyen, en muchos casos, un documento único de algunas de las acciones artísticas en las que Duchamp intervino. Además, y como colofón, una singular muestra de dieciséis fotografías deUgo Mulas (Italia, 1928) permiten cerrar al completo el ciclo vital del artista.

** Exposición: "¿No se unirá usted al baile?" * Espacio: CAC - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga * Espacio: William Kentridge (Johannesburgo, Suráfrica, 1955) * Fecha del Evento: 14/02/2012 - 13/05/2012 * Observaciones: Mosaicos, esculturas, bocetos, collages, vídeo y sus inconfundibles dibujos son otros trabajos que podrán verse en la primera exposición en España de este artista sudafricano, comisariada por Fernando Francés.

** Exposición: "Juego de máscaras. La identidad como ficción" * Espacio: TEA Tenerife Espacio de las Artes (Tenerife) * Fecha del Evento: 14/02/2012 - n. d.* Observaciones: Una exposición que toma como excusa y como punto de partida la celebración del Carnaval, concebido en este caso como un acto subversivo que ofrece una reflexión sobre la construcción y la creación de identidades y sobre la ambigüedad de las mismas. Yolanda Peralta es la comisaria de esta exposición que reúne más de medio centenar de piezas -entre pinturas, vídeos, instalaciones y fotografías- firmadas por artistas internacionales, nacionales y locales entre los que se encuentran Ana Laura Alaez, Manu Arregui, Yasumasa Morimura, Valerie Belin, Patricia y Marie-France Martin, Christian Stromholm, Pedro Meyer, Joel-Peter Witkin, Julia Galán Serrano, Pierre Moliner y Meritxel Santos. En este sentido, cabe destacar que la instalación que presenta Oliver Behrmann, dedicada al glam-rock, ha sido creada por encargo de TEA.

** Exposición: "Fotografía de Vanguardia en Cuba" * Espacio: Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) (Valencia) * Fecha del Evento: 14/02/2012 - 06/05/2012 * Observaciones: La exposición, organizada en colaboración con Fototeca de Cuba y el Consejo Nacional de Artes Plásticas de Cuba, muestra una selección de 107 fotografías realizadas entre las décadas de los años veinte y cincuenta del pasado siglo XX por un grupo de 11 fotógrafos cubanos. Un periodo poco estudiado, dadas las características especiales que tomó la fotografía al documentar los acontecimientos de la lucha contra la dictadura de Batista y los primeros años de la nueva etapa, la denominada 'fotografía épica', realizada sobre todo en los años sesenta del pasado siglo.

LUCIO FONTANA-ESPACIALISMO

2012-02-21T08:34:00.000-08:00

Jorge Pedro Núñez-Spazialehttp://www.artespain.com/02-12-2008/escultura/biografia-de-lucio-fontana

INVERTIR EN ARTE-GRUPO ZERO

2012-02-20T11:04:00.001-08:00

Lucio Fontana-Concepto espacial-1959-1960-Bronce
http://www.invertirenarte.es/index.php/es/mercado-de-arte/1-mercado-de-arte/497-50-de-obras-del-grupo-zero-a-pujas

LA OBRA DE LUCIO FONTANA POR SANTIAGO AMÓN-EMISIÓN DEL PROGRAMA ESPACIOXX-TVE

2012-02-20T09:48:00.000-08:00

http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7809&Itemid=8

JEAN DUBUFFET,EL HAVRE,FRANCIA(1901,PARÍS 1985)

2012-02-20T09:20:00.000-08:00

2012-02-20T08:52:00.002-08:00

2012-02-19T08:32:00.005-08:00

Rueda de bicicleta: Sorprende su estructura duchampiana

JORGE PEDRO NÚÑEZ-KaBE CONTEMPORARY,MIAMI

2012-02-18T08:48:00.000-08:00

Nota publicada online

jueves 24 de noviembre, 2011

Volver al home

Jorge Pedro Núñez

KaBE Contemporary, Miami

por Amalia Caputo

En el tejido visual que se crea en Concetto spaziale, la muestra individual de Jorge Pedro Núñez (Caracas, 1976), el artista reflexiona acerca de la experiencia del arte a partir del arte mismo. La muestra − homónima de la serie de obras que produjera el artista ítalo-argentino Lucio Fontana − evidencia una clara preocupación tanto formal como conceptual que continúa el marco de la reflexión que Núñez viene trabajando acerca de la autoría, la obra en sí y su lugar en la historia. La instalación principal, que da título a la muestra, contrapone tres ejemplares de la re-creación de las esferas agujereadas de Fontana, con una de las silla invertidas de Bruce Nauman, el metro lineal en acero inoxidable de Walter de María y la pieza To Lift de Richard Serra.

La obra reciente de Núñez se aleja de las esculturas e instalaciones anteriores en las que igualmente replicaba obras de artistas, pero las mismas estaban hechas a partir de materiales reciclados (Discos de vinilo y sus carátulas, revistas viejas, neones, maderas etc.), para asentar la reflexión más bien en torno a la obra en sí y a su significación, así como a la relación que se establece entre las piezas y el espectador, en las que el conjunto resultante forma un gran tejido de tensiones espaciales e históricas. Resulta además muy interesante el ejercicio (como artista) de re-crear la obra de otro. Trabajarla, interpretarla y, por último dialogar con ella y confrontarla con la obra de otros artistas (como curador). Núñez no intenta entablar una diálogo jerárquico ni comparativo entre las piezas; en cambio, las reúne creando relaciones que tienen que ver con problemas del arte mismo, concretamente históricos, conceptuales y espaciales generados en el pasado reciente. De este modo, su foco de interés principal son las eventuales relaciones que entre la abstracción geométrica, el minimalismo y el arte conceptual podrían generarse. El atributo de re-posicionar transversalmente la historia del arte con el presente, y desde varios puntos autorales, crea en Concetto Spaziale un intrincado tejido de redes que sustrae a la pieza individual del fetiche que supone la obra original, y que pone a tambalear las estructuras de poder en las complejas relaciones de la obra con el mercado y los territorios del arte.
La obra de Núñez ha estado vinculada a la idea de construir nuevos contenidos con lo que ya existe, de revisar la historicidad del arte, sin embargo, en Concetto Spaziale además, reflexiona íntimamente acerca del espacio de/en la obra, de las tensiones posibles con las obras de otros artistas que han contemplado y trabajado el problema del espacio y sobre todo del vacío, hilados junto a un posible comentario acerca de la saturación y de las limitaciones del arte. Núñez no sólo re-crea las piezas de otros artistas, sino que cura el espacio, acotando el diálogo entre piezas específicas, práctica que lo coloca como intermediario, y que de alguna manera borra la frontera entre el artista, el curador y la historia del arte.

Las obras que sirven de referentes obtienen así la libertad de dialogar con otros espacio de reflexión y posicionarse en nuevos contextos y horizontes, promoviendo en el espectador el hacerse un cuestionamiento acerca de la autoría, de los problemas espaciales y rizomáticos de la concepción y la experiencia del arte contemporáneo.es.artealdia.com

JORGE PEDRO NÚÑEZ(CARACAS),1976

2012-02-18T08:37:00.000-08:00

Jorge Pedro Núñez muestra las costuras del arte moderno

El venezolano expone en Periférico Caracas "Inevitable y obvio"

Núñez cuestiona la división que ha hecho la Historia del Arte sobre las tendencias creativas OSWER DÍAZ

DUBRASKA FALCÓN | EL UNIVERSAL

lunes 27 de junio de 2011 12:00 AM

Jorge Pedro Núñez (Caracas, 1976) recicla la memoria. Sus obras no solamente son trabajadas con material de reciclaje, sino que además juega con las imágenes del arte moderno que son reconocibles por cualquiera. Retoma el colorismo de Alejandro Otero con una pieza hecha en cartón o invierte los relojes de Salvador Dalí utilizando disco de vinil. Se trata de una relectura del arte.

"Son formas ya reconocibles que vemos y nos hace pensar en esas obras de arte que hemos conocido. Son simples discos torcidos o pedazos de cartón, recortes de revistas; que están entre el límite de lo que es demasiado sencillo y lo que es elaborado. La construcción de cada pieza es un trabajo más mental. Dentro de una misma relectura del arte moderno, para mí son clichés sobre el estereotipo del arte", dice Jorge Núñez.

Con las piezas que presenta dentro de la exposición, Inevitable y obvio, en Periférico Caracas/Arte Contemporáneo, en Los Chorros, Núñez busca cuestionar. Hace una revisión crítica de algunos episodios de la tradición constructiva, cinética, neoconcreta y minimalista.

"Busco cuestionar el arte porque la historia lo ha clasificado. La historia se hace de una manera muy ramificada. Antes los catálogos, los diccionarios de arte, la crítica se leía por medio de las tendencias. Tiene una capacidad de opinar diferente a la que tenemos en la actualidad. Por medio de tendencias este tipo de críticas del arte en el momento contemporáneo se ve y se hace de una manera diferente", confiesa.

Cuando Jorge Pedro Núñez realiza sus piezas cuestiona la memoria del arte desde dos puntos de vista. Primero, presenta la obra dentro de un contexto contemporáneo; y segundo la muestra con otro material. "Estas piezas podrían verse como una caricatura, como reproducciones baratas. Yo trabajo de una manera diferente, utilizó materiales que de pronto van a desaparecer o a cambiar; materiales que no sirven, que nos contaminan. No los puros y pulcros que están en el arte moderno", asegura.

Entre las referencias que hace en su obra se encuentra una de Carlos Cruz-Diez. Núñez toma de la cromosaturación que se presentó del maestro en Periférico Caracas. Se trata de la estructura que sostenía los 150 bombillos de luces de la obra. Él la coloca en al ras del suelo. "Es un poco el trabajo de responder al museo al revés".

También presenta una réplica exacta de las astas de metal inoxidable de El Abra Solar de Alejandro Otero; enmarcado en los hecho de vandalismo del 2005 que desmantelaron el patrimonio. "En mi trabajo se ven siempre las costuras y la parte de atrás. Cuando digo que trabajo sobre las Historia del Arte es porque en mi trabajo hay muchas preguntas sobre lo que puede ser el valor y la legitimidad del arte". www.eluniversal.com

RÍO DE JANEIRO Y SAO PAULO PRINCIPALES CENTROS LATINOAMERICANOS DE ESTA SEMANA

2012-02-18T08:16:00.001-08:00

Río de Janeiro y São Paulo principales centro culturales latinoamericamos de esta semana

http://www.dynasty-expo.com/d/en/artists/artists.php?art=67

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17 Febrero de 2012

Río de Janeiro y São Paulo principales centro culturales latinoamericamos de esta semana

Abre alas 8

En nuestro análisis semanal de la actualidad expositiva de la región Latinoamericana sobresale por encima del resto de países de esa área Brasil. En concreto, son las ciudades de Río de Janeiro y São Paulo las que mayor actividad han registrado. Así podemos ver cómo en el Museu de Arte Moderna (MAM) de Rio de Janeiro se acaba de inaugurar la mayor exposición en Brasil de la artista estadounidense Nan Goldin (Washington, EE.UU., 1953), donde se puede ver una serie de fotografías impresas y presentaciones de diapositivas, de los años 1970 a los 2000. También en esa ciudad se puede visitar, desde el pasado 11 de febrero, la 8ª Edición de "Abre alas 8", un proyecto que nació hace ocho años de la mano de los directores de la galería Gentil Carioca, Marcio Botner, Laura Lima y Ernesto Neto, y en el que han participado más de cien nuevos artistas. Para hacer la selección de los más de 300 porfolios recibidos este año, los curadores invitados han sido Daniela Labra, Marcelo Campos, y el artista Alexandre Vogler. En esta edición como se hizo el año pasado, se ha vuelvo a establecer una conexión con el Centro de Artes Helio Oiticica (CAHO) con el fin de ampliar el espacio expositivo y crear una especie de "puente" entre el Gentil Carioca y el CAHO.

En cuanto a la ciudad de São Paulo destacar la exposición colectiva "Convite à Viagem - Rumos Artes Visuais 2011/2013", comisariada por Agnaldo Farias, con 100 trabajos de 45 artistas brasileños, que se muestran en las tres salas de exposiciones del Instituto Itaú Cultural, y que inaugura su temporada 2012. Finalmente, y fuera ya de Brasil, en el MAZ - Museo de Arte de Zapopan en México el artista Jose Dávila (Guadalajara, México, 1974) presenta la exposición "Elogio de la sombra", la primera exposición individual de Dávila en un museo mexicano que reúne una serie de esculturas, algunas de ellas en gran formato, surgidas a partir de un cuaderno de apuntes que el artista ha realizado en los últimos meses. La información de éstas y otras exposiciones seleccionadas, entre las recogidas por ARTEINFORMADO, puede encontrarla a continuación:

Brasil

** Exposición: "Nan Goldin - Heartbeat" * Espacio: Museu de Arte Moderna (MAM) ( Rio de Janeiro) * Artista/s: Nan Goldin(Washington, EE.UU., 1953) * Fecha del Evento: 08/02/2012 - 08/04/2012 * Observaciones: La mayor exposición de la artista estadounidense que se ha presentado en Brasil, con una serie de fotografías impresas y presentaciones de diapositivas, de los años 1970 a los 2000. Está co-comisariada por la crítica de arte y comisaria independiente carioca Ligia Canongia y el historiador del arte suízo-brasileño Adon Peres.

** Exposición: "Proyecto Foyer: Tropical" * Espacio: Museu de Arte Moderna (MAM) (Rio de Janeiro) * Artista/s: Pedro Varela(Niterói, Brasil, 1981) * Fecha del Evento: 11/02/2012 - 15/04/2012 * Observaciones: Según el comisario de la exposición,Felipe Scovino, "desde 2011, Pedro Varela ha estado explorando una nueva etapa en su producción, que es en definitiva lo que se presenta en esta exposición. Son pinturas de acrílico, cuyo lema viene del concepto de la naturaleza muerta.

** Exposición: "Abre alas 8" * Espacios: Centro de Artes Helio Oiticica (Río de Janeiro) y A Gentil Carioca (Río de Janeiro) *Fecha del Evento: 11/02/2012 - 14/03/2012 * Observaciones: Exposición colectiva de artistas brasileños e internacionales.

** Exposición: "Entre Trópicos - 46º05': Cuba / Brasil" * Espacio: Caixa Cultural Rio de Janeiro (Rio de Janeiro) * Artista/s: Abel Barroso y Regina Silveira, son sólo dos de los artistas presentes * Fecha del Evento: 23/01/2012 - 25/03/2012 *Observaciones: La muestra, co-comisariada por Ibis Hernández Abascal y Marisa Flórido, reúne trabajos de 11 artistas brasileiros y 11 cubanos de diferentes generaciones.

** Exposición: "Convite à Viagem - Rumos Artes Visuais 2011/2013" * Espacio: Instituto Itaú Cultural (São Paulo) * Fecha del Evento: 09/02/2012 - 22/04/2012 * Observaciones: Exposición comisariada por Agnaldo Farias, con 100 trabajos de 45 artistas brasileños, que se muestran en las tres salas de exposiciones del Instituto.

** Exposición: "Estado do Sítio" * Espacio: Choque Cultural Gallery (São Paulo) * Artista/s: Colectivo BIJARI * Fecha del Evento: 11/02/2012 - n. d. * Observaciones: Primera exposición de este colectivo dentro de una galería en la que se pueden ver 12 trabajos entre objetos, esculturas, instalaciones y vídeo mappings.

** Exposición: "Luis Tomasello" * Espacio: Galeria Raquel Arnaud (São Paulo) * Artista/s: Luis Tomasello (La Plata, Buenos Aires, Argentina, 1915) * Fecha del Evento: 11/02/2012 - 10/03/2012 * Observaciones: Primera individual de este veterano artista en este espacio en la que se podrán ver acrílicos sobre madera.

** Exposición: "Voar" * Espacio: Nara Roesler (São Paulo) * Artista/s: Brígida Baltar (Río de Janeiro, 1959) * Fecha del Evento: 07/02/2012 - 07/03/2012 * Observaciones: En esta exposición que abre la temporada 2012 de esta galería, se podrán ver trabajos inéditos como el vídeo 'Voar' junto a grandes instalaciones que ocupan todo el espacio. Estas obras son fruto del proceso de investigación que comenzó a desarrollar Brígida Baltar para acometer su exposición individual en Oi Futuro, en Río de Janeiro, en Julio de 2011. Es la primera individual de Baltar en São Paulo desde 2007, cuando expueso, en Nara Roesler, 'Pó de Casa.

** Exposición: "Não tem que me contar seja o que for" * Espacio: Galeria Raquel Arnaud (São Paulo) * Artista/s: Jorge Molder(Lisboa, 1947) * Fecha del Evento: 11/02/2012 - 10/03/2012 * Observaciones: Este fotógrafo regresa a esta galería con una nueva individual tras más de un década desde la última. Molder se encuentra entre los artistas representados por la galería madrileña Oliva Arauna.

** Exposición: "Raspadinha" * Espacio: Galeria Transversal (São Paulo) * Artista/s: Guga Szabzon (São Paulo, Brasil, 1987) *Fecha del Evento: 11/02/2012 - 18/02/2012 * Observaciones: Primera individual en esta galería en la que presenta alrededor de 200 trabajos, en tamaño A3, fijados directamente sobre las paredes de la galería.

México

** Exposición: "Elogio de la sombra" * Espacio: MAZ - Museo de Arte de Zapopan (Jalisco, México) * Artista/s: Jose Dávila(Guadalajara, México, 1974) * Fecha del Evento: 10/02/2012 - n. d.* Observaciones: Es la primera exposición individual de Dávila en un museo mexicano y ofrece al espectador una serie de esculturas, algunas de ellas en gran formato, surgidas a partir de un cuaderno de apuntes que el artista -con estudios en Arquitectura- ha realizado en los últimos meses. Vive y trabaja en Guadalajara, donde co-dirige junto con Gonzalo Lebrija y Fernando Palomar, la Oficina de Proyectos de Arte (OPA). En España le representa la galería madrileña Travesía Cuatro, en México OMR y en la Colombia en La Central donde figura entre sus artistas junto Gonzalo Lebrija (Guadalajara, México, 1972), que, a su vez, también es artista de Travesia Cuatro.

** Exposición: "A Touch of Evil / Un toque de maldad" * Espacio: MAZ - Museo de Arte de Zapopan (Jalisco, México) * Artista/s: Marcel Dzama (Winnipeg, Canadá, 1974) * Fecha del Evento: 10/02/2012 - n. d.*Observaciones: Dzama ha sido el ganador del IX Premio ARCO Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas con su diorama 'Rebellion lay in her way' expuesto en el stand de la galería madrileña Helga de Alvear. Este artista que no figura entre sus representados tuvo en 2010 en esa galería una exposición individual.

** Exposición: "Llanto por la marcha de la humanidad" * Espacio: Sala de Arte Público Siqueiros - SAPS (Ciudad de México) *Artista/s: Christian Jankowski (Göttingen, Alemania, 1968) * Fecha del Evento: 08/02/2012 - 08/04/2012 * Observaciones: Con el trabajo de Jankowski, "Llorando por la marcha de la humanidad", se presenta un análisis innovador y complejo de la relación entre arte y política, un discurso al que el SAPS se ha dedicado en los últimos tres años.

** Exposición: "Cidade Dormitorio" * Espacio: Sala de Arte Público Siqueiros - SAPS (Ciudad de México) * Artista/s: Guga Ferraz(Río de Janeiro, 1973) * Fecha del Evento: 08/02/2012 - 08/04/2012 * Observaciones: Proyecto de colaboración resultante del Programa de Arte Público entre la SAPS y la galería brasileña A Gentil Carioca. Guga Ferraz transforma el espacio público en un escenario real con los problemas sociales y urbanos que afectan a ambos contextos (Ciudad de México y Río de Janeiro).

** Exposición: "Pobre artista rico. El valor estético en transacción" * Espacio: Casa del Lago Juan José Arreola - Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) (Ciudad de México) * Artista/s: Eduardo Abaroa, Artemio, Erick Beltrán, Karmelo Bermejo, Christian Jankowski, Gabriel de la Mora, Jorge Satorre, Melanie Smith, Sofía Táboas. * Fecha del Evento: 09/02/2012 - 24/06/2012 * Observaciones: Esta exposición investiga la formación de los valores simbólicos e inscribe un modelo para activar transacciones de trueque desde la economía estética. Este sistema de intercambio propone designar a cada artista la misma cantidad económica para la producción de sus piezas, mismas que se ofertarán en las galerías de Casa del Lago, a cambio de una mercancía o un don no artístico.

** Exposición: "Duplicitous Storytellers" * Espacio: Casa del Lago Juan José Arreola - Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) (Ciudad de México) * Artista/s: Roisin Byrne, Simon Fujiwara, Mario García Torres, Verónica Gerber Bicecci, John Menick, Stephen Prina, Walid Raad, Tyler Rowland y Pablo Sigg. * Fecha del Evento: 09/02/2012 - 08/04/2012 *Observaciones: Exposición que plantea como punto de inicio la reescritura como estrategia conceptual.

** Exposición: "EntreMuros" * Espacio: Centro Cultural Universitario Tlatelolco (Ciudad de México, México) * Artista/s: Bernardo Aja (Santander, 1973) * Fecha del Evento: Fecha del evento: 09/02/2012 - abril * Observaciones: Aja propone un recorrido visual a través de 28 fotografías en blanco y negro que refleja la herencia ideológica y material de una burguesía característica del siglo XIX.

** Exposición: "El incesante ciclo entre idea y acción" * Espacio: Museo de Arte Carrillo Gil - MACG (Ciudad de México) * Fecha del Evento: 08/02/2012 - 13/05/2012 * Observaciones: Esta exposición, fruto de la 2ª Edición Programa Bancomer - MACG Arte Actual, incluye a los10 artistas que han trabajado durante dos años bajo la curadoria de Carmen Cebreros y la coordinación de Andrea Paasch: Óscar Cueto, Gilberto Esparza, Diana María González, Fritzia Irízar, José Jiménez Ortiz, Begoña Morales, Naomi Rincón Gallardo, Idaid Rodríguez, Jaime Ruiz Otis e Isaac Torres. Instalación, vídeo, dibujo y escultura.

Colombia, Argentina y Cuba

** Exposición: "Excavando realidad. Rosemberg Sandoval 1981-2012" * Espacio: Galeria Casas Riegner (Bogotá) * Artista/s:Rosemberg Sandoval (Cartago, Colombia, 1959 - vive y trabaja en Cali) * Fecha del Evento: * Observaciones: Tercera individual en esta galería que recoge una serie de obras actuales e históricas, que se presentan como un pequeño recorrido por los 30 años de la vida plástica de éste artista transgresor especialista en performance.

** Exposición: "Identidad femenina en la colección del IVAM" * Espacio: Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) * Fecha del Evento: 06/02/2012 - 04/03/2012 * Observaciones: La exposición, co-comisariada por Consuelo Ciscar Casabán y Barbara Rose, reúne 51 obras de 42 mujeres artistas del siglo XX-XXI, nacionales e internacionales, que forman parte de la colección del IVAM y cuya obra es el resultado de una vindicación de su identidad.

** Exposición: "Jorge Pedro Nuñez" * Espacio: Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo (Buenos Aires) * Artista/s: Jorge Pedro Nuñez (Caracas, Venezuela, 1976) * Fecha del Evento: 09/02/2012 - n. d. * Observaciones: Primera exposición individual en este espacio. Nuñez está también representado por la Galería Crèvecoeur de Paris, donde actualmente participa en unaexposición colectiva junto a los artistas Alex Reynolds (Bilbao, 1978 - vive en Barcelona) y Gabriel Sierra (San Juan Nepomuceno, Colombia, 1975).

** Exposición: "Sacrificio en la Encrucijada" * Espacio: Gran Teatro de La Habana * Artista/s: Kcho - Alexis Leyva Machado(Cuba, 1970) * Fecha del Evento: 12/02/2012 - n. d. * Observaciones: Dibujos, esculturas e instalaciones.