jueves, 28 de febrero de 2019

Siah Armajani: Follow This Line

SUMIHARU WATANABE, FOTÓGRAFO JAPONÉS CAPTURÓ NUEVA YORK



LIBROS

La lente de un forastero de la década de 1960 en Nueva York

Es posible que el fotógrafo japonés Sumiharu Watanabe no haya sabido lo suficiente sobre los Estados Unidos para comprender los cambios que se están produciendo en la ciudad de Nueva York, pero su lente los capturó.
Sumiharu Watanabe trabajó en Nikon USA en Nueva York entre 1962 y 1964. Como recién llegado a la ciudad, vagó por Manhattan con su cámara. Nueva York , 1962–1964 , publicada en una edición limitada por el fotógrafo Fumio Tanai, presenta las fotografías de Watanabe de esa época, algunas publicadas anteriormente y otras inéditas, y ofrece una mirada fascinante de la ciudad de Nueva York a principios de los años sesenta. Las imágenes de Watanabe muestran muchos de los tropos típicos de Nueva York, como el metro, Washington Square Park, los músicos callejeros, pero su opinión de un forastero se siente fresca. Sin imágenes o clichés de sacarina, en su mayor parte, el joven fotógrafo capturó la ciudad con un sentido de realismo, teñido de afecto por su hogar temporal.
Algunas de las mejores fotografías del libro son aquellas en las que Watanabe hace acto de presencia. Es una presencia invisible, pero podemos decir que las personas que captura lo están mirando, actuando para él, divirtiéndose con él o sintiendo que está entrometiéndose en sus vidas. En una imagen, un grupo de chicas jóvenes cantan en el parque en lo que se siente como una tarde de otoño. La luz difusa de un cielo nublado indica una ciudad que se está preparando para el invierno. Las chicas posan y actúan para Watanabe; Tres de los cuatro lo miran, y nosotros. En otra fotografía, una pareja de raza mixta en la calle mira a Watanabe. La mujer parece preocupada, pero también curiosa. El hombre pone cara severa. ¿Qué pensaron estas personas del joven detrás de la cámara?
Para el caso, ¿qué pensaba él de ellos? Es fácil ver su afecto por la ciudad, pero algunas de sus imágenes muestran una frialdad y confusión hacia sus habitantes. No siempre está en diálogo con las personas de las que toma fotos. A veces simplemente los captura como especímenes de un lugar extraño. Por ejemplo, una mujer joven en una tarde de verano se da vuelta en un puesto de comida y ve a Watanabe capturando su imagen. El joven detrás del mostrador se da cuenta en el mismo momento y parece inseguro.
Sus imágenes muestran una ciudad cambiante, que Watanabe capturó involuntariamente con nuevos ojos. Hay parejas de raza mixta, protestas en las calles, hippies con pelo largo y beatniks. Es posible que Watanabe no haya sabido lo suficiente sobre los Estados Unidos para comprender los cambios que se están produciendo en la ciudad, pero su lente los capturó.
De los tres fotógrafos, Gary Winogrand, Diane Arbus y Lee Friedlander, presentes en la innovadora exposición de documentos Nuevos Documentos en el Museo de Arte Moderno de 1967 , que marcó el tono de la fotografía estadounidense en las próximas décadas, el curador John Szarkowski escribió: como el mundo real, a pesar de sus terrores, como la fuente de toda maravilla, fascinación y valor, no menos precioso por ser irracional ". Un trasplante de Japón, tal vez Watanabe vio la irracionalidad, el terror y la maravilla de la ciudad más crudamente. . Como lo demuestra este libro, claramente le gustó el mundo real, y sus imágenes reflejan el mismo terreno y el mismo sentido de indagación en la realidad que los reconocidos Documentos Nuevos.los fotógrafos En algunas de sus imágenes más fuertes, el uso de la sombra, la perspectiva y el encuadre evocan el movimiento de la fotografía en las calles. Estas obras exhiben el lirismo que pronto entró en la fotografía realista. Las imágenes de Watanabe son una especie de pronóstico para la dirección del medio y de Nueva York en los próximos años.
Sumiharu Watanabe: Nueva York, 1962–1964 es publicado por Fumio Tanai y está disponible en este sitio.
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miércoles, 27 de febrero de 2019

Many Faces of Madness (A film by Amar Kanwar)

AMAR KANWAR, ARTISTA INDIO EN EL THYSSEN

Videoinstalaciones del artista indio Amar Kanwar en el Thyssen

  
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21) presentan dos de las principales videoinstalaciones de Amar Kanwar, artista y cineasta indio cuya obra se caracteriza por recopilar testimonios de las poblaciones más vulnerables de su país. Los dos proyectos, El bosque soberano y Testimonios relámpago, encargados y producidos por TBA21, exploran nociones de justicia y la forma en que esta se aplica a las acciones individuales, a las leyes y a las políticas públicas, temas especialmente relevantes en el contexto actual de noticias falsas y narraciones inventadas.
Comisariada por Chus Martínez, la exposición se abre al público el 27 de febrero de 2019, coincidiendo con ARCO Madrid. Se trata de la segunda colaboración entre el museo y TBA21, fundación creada por Francesca Thyssen-Bornemisza, hija del barón Hans Heinrich Thyssen Bornemisza, para presentar piezas de su colección de arte contemporáneo en Madrid, en una serie de exposiciones que continuará durante los próximos años.
Esta colaboración refleja la voluntad de diálogo entre dos colecciones y dos lenguajes formales y artísticos distintos, pero parejos en su interés por entender que el arte y los artistas de todas las épocas ansían comprender la relación entre experiencia e imagen para dar forma al pensamiento y sentir de cada época.
La presentación de las obras de Amar Kanwar consolida un ciclo que invita al visitante a concentrarse en trabajos escogidos para familiarizarlo con modos de hacer y con preguntas fundamentales en nuestro tiempo, como por ejemplo la justicia, como una virtud que motiva la acción humana y que inspira la relación con los otros y con la naturaleza. Las dos instalaciones aluden directamente a cómo la ausencia de un sentido de justicia tiene efectos devastadores en las comunidades y en la naturaleza, creando un sentido de desamparo del que su obra se hace eco.
Amar Kanwar es un artista y cineasta indio residente en Nueva Delhi que aborda en sus documentales y videoinstalaciones temas relacionados con los derechos humanos, como el nacionalismo, la política, la justicia, el poder, la violencia y los abusos sexuales en su país. Sus películas son complejas narrativas que conectan historias personales con procesos sociales y políticos más amplios, vinculando leyendas y objetos rituales con símbolos y acontecimientos actuales. Ha presentado exposiciones individuales en Tate Modern (Londres), Stedelijk Museum (Ámsterdam) y Haus der Kunst (Múnich), entre otros lugares, y ha participado en Documenta (Kassel) en 2002, 2007, 2012 y 2017.
Imagen: Amar Kanwar. La escena del crimen (2011), fotograma. Colección Thyssen-Bornemisza Art Contemporary.
Del 27 de febrero al 19 de mayo de 2019

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