sábado, 29 de septiembre de 2018
jueves, 27 de septiembre de 2018
RAÚL ZURITA-VERSOS EXCAVADOS EN EL DESIERTO DE ATACAMA
NUEVO JUEGO DE BOLAS DE GRAN TAMAÑO POR LEANDRO ERLICH
Mundo del arte
Este artista argentino creó un nuevo juego de bolas de gran tamaño y lo está presentando fuera de los Juegos Olímpicos de la Juventud
El juego presenta cinco pelotas de deporte enormes, que el público debe trabajar en conjunto para rodar a un nuevo destino.
Art Basel Cities Buenos Aires no es el único espectáculo de la ciudad. El artista argentino Leandro Erlich ha creado una instalación interactiva a gran escala para los Juegos Olímpicos de la Juventud, que se inaugurará en Buenos Aires la próxima semana.
El artista conceptual, conocido en los últimos años por su instalación de piscina de ilusión óptica en Japón , ha creado Ball Game, un proyecto diseñado para convertir a los espectadores en participantes durante el Foro Olímpico y los Juegos Olímpicos de la Juventud, organizados por Argentina este año.
"Los Juegos Olímpicos son un ejercicio de unidad ya que las personas de todo el mundo se unen en un espíritu universal de respeto, amistad y excelencia", explica Erlich a artnet News. "Me interesaba la pelota como un objeto con el que todos pueden identificarse y que tiene el poder de darnos un propósito y motivación comunes".
Encargado por el Comité Olímpico Internacional, la instalación temporal consistirá en cinco pelotas enormes -un balón de fútbol, baloncesto, pelota de tenis, voleibol y pelota de golf- que el público debe trabajar en conjunto para dar vueltas. Exhibidos por primera vez desde el 5 de octubre fuera del centro de convenciones de la ciudad durante el Foro Olímpico en Acción, las bolas gigantes se lanzarán al espacio público el 7 de octubre. Los espectadores serán invitados a colaborar en una acción performativa para moverlos al Parque Tres de Febrero en el Planetario Galileo Galilei, donde permanecerán hasta el 18 de octubre.
Representación del juego de pelota en acción. Cortesía de Leandro Erlich Studio.
"Aquí hay una invitación lúdica para que los espectadores se muevan más allá de lo cotidiano y se vuelvan a un reino imaginario", dice Erlich, "y experimentar ese sentido de propósito común mientras intentan rodar los objetos monumentales en una sola dirección, tal como esperamos para avanzar como una sociedad o como una comunidad global ".
La comisión es parte del Olympic Art Project, un nuevo programa a largo plazo de comisiones de artistas para reinterpretar los vínculos entre el deporte y la cultura y fomentar una nueva conversación sobre los valores olímpicos.
"Nos intrigó el concepto del Sr. Erlich de un trabajo que ofrece una plataforma para la interacción", explica Francis Gabet, director de la Fundación Olímpica de Cultura y Patrimonio en un comunicado. "Su instalación refleja el ideal olímpico de la humanidad en movimiento en la celebración de los logros deportivos, y también a medida que el Movimiento Olímpico se une para abordar importantes cuestiones relevantes para el futuro del deporte y la sociedad durante el Foro Olímpico en Acción".
Imagen cortesía de Studio Leandro Erlich.
"En Buenos Aires, el deporte y el arte se viven apasionadamente y son una parte esencial de nuestra identidad", dice Enrique Avogadro, ministro de Cultura de Buenos Aires en un comunicado. "Esta es la oportunidad para todos nosotros de inspirarnos en los valores olímpicos y compartir esta celebración con el mundo".
También es una diversión bienvenida en un país acosado por graves problemas económicos. A principios de este mes, Argentina anunció que fusionaría varias organizaciones gubernamentales, incluidos el Ministerio de Cultura y el Ministerio de Educación. Como parte de las medidas de austeridad, el país también comenzó a cobrar la entrada a los museos nacionales por primera vez.
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miércoles, 26 de septiembre de 2018
martes, 25 de septiembre de 2018
MAX HOLLEIN SOBRE CÓMO EL MET REDEFINIRÁ TODO EL CAMINO
Gente
Max Hollein sobre cómo el Met redefinirá todo el camino Pensamos sobre el arte contemporáneo
El director recién instalado de Met habló con Andrew Goldstein sobre sus planes para el nuevo arte, la nueva tecnología y los nuevos fondos en el museo.
El viernes pasado, cuando el Museo Metropolitano de Arte anunció que planeaba abandonar el llamado Met Breuer tres años antes, entregando el edificio brutalista sobre el Frick en 2020, estaba claro que finalmente se estaba tomando una decisión en torno a uno de los dilemas más irritantes que enfrenta el Met: ¿Cómo puede la venerable institución enciclopédica, con obras que se remontan a las creaciones humanas más antiguas registradas, abrazar significativamente el arte contemporáneo sin emitir la vibra de un pariente canoso tratando desesperadamente de actuar de manera genial?
La respuesta a esa pregunta viene en la forma del nuevo director del museo de 49 años, Max Hollein, cuya visión del abrazo del Met de lo reciente y el ahora va mucho más allá de los titulares de los artistas de la noche, o incluso las exposiciones híbridas más sensibles que se han puesto a prueba en el Met Breuer desde que comenzó el experimento en 2016. "Holística" es una palabra para su camino hacia el futuro para el museo, y es una que Hollein usa con frecuencia.
Para la segunda mitad de una entrevista en dos partes para darle la bienvenida al nuevo director a su papel, el editor en jefe de artnet News habló con el veterano del museo intelectualmente ágil sobre dónde ve el arte contemporáneo encajar en la Quinta Avenida, el papel expandido de la tecnología juego, y por qué el Met debe ser "moralmente sublime" cuando se trata de asegurar su financiación.
Una caricatura de New Yorker . Foto de Andrew Goldstein, fiel suscriptor.
The New Yorker recientemente publicó una caricatura muy graciosa que encapsula perfectamente el momento museológico actual, donde un docente al frente de un grupo de escolares a través de una institución enciclopédica tipo Met dice: "Ahora nos estamos yendo de la sala de cosas que robamos de otras culturas y "El arte contemporáneo se ha convertido en un fenómeno de cultura de masas muy popular y un imán sobrealimentado para la riqueza global. ¿Qué tan importante es para un museo enciclopédico como el Met tener un compromiso de primera clase con el arte contemporáneo, y cómo se puede incorporar más allá de la forma en que actualmente se está aprovechando en el entorno de laboratorio del Met Breuer?
En primer lugar, creo que hay un ligero error: el arte contemporáneo siempre fue parte del Met. Comenzó a recopilar el arte de su época en la década de 1880 y siguió adelante, por lo que no es una pregunta nueva. En segundo lugar, es importante comprender que el arte contemporáneo en el Met ya reside en muchos lugares diferentes. Si se aleja de la perspectiva eurocéntrica y deja de definir el arte contemporáneo como arte europeo y europeo del siglo XX, se sorprendería de cuántos objetos en otras galerías, como las galerías africanas, por ejemplo, son del siglo XX.
Lo que estoy diciendo es que si un visitante asiático atraviesa el ala asiática, puede ver arte contemporáneo: usted y yo, porque compartimos ciertos antecedentes culturales, podríamos no ver eso. Entonces, para mí, es importante fomentar una comprensión más amplia de lo contemporáneo, no para atender al mercado ni nada por el estilo, sino para abarcar mejor el arte contemporáneo en nuestras colecciones sin que nos demos cuenta. Puede crear un diálogo que conecte el arte contemporáneo con el pasado de una manera que no puede hacer en otras instituciones.
El Met Breuer se usa perfectamente para eso, como laboratorio, como tú lo pones. Algunas cosas han tenido éxito allí, como Jack Whitten ["Odyssey: Jack Whitten Sculpture, 1963-2017", hasta el 2 de diciembre], algunas han tenido menos éxito. Pero la prioridad es que el arte moderno y contemporáneo es parte de la narrativa general en el edificio principal. No vería ningún beneficio a largo plazo para crear un satélite en otro lugar de la ciudad.
El Met. Foto cortesía del Met.
Como hijo de un arquitecto y esposo de un arquitecto convertido en diseñador de moda, obviamente tienes una mayor sensibilidad hacia la arquitectura. Ha habido un plan para crear un enorme ala de $ 600 millones diseñada por David Chipperfield para arte moderno y contemporáneo en la Quinta Avenida. ¿Cómo encaja esto en tu visión? ¿Y ve esto como una cuestión de ampliar la huella física del museo, o más una cuestión de refinamiento y recontextualización?
La respuesta, como probablemente espera, es ambas cosas. Conozco a David Chipperfield, y de hecho revisaré los planes con él durante las próximas semanas, y luego tendré una respuesta al respecto. Estoy completamente para crear oportunidades mejoradas.
Habiendo dicho eso, para repetirme, también puedes sacar puntos de vista contemporáneos de otras colecciones. No estoy tan interesado en poner una pieza contemporánea justo en el medio de la galería griega y romana y decir: "Bueno, aquí hay un diálogo". De eso no estoy hablando. Creo que es una cuestión de arte contemporáneo, pero también de perspectivas contemporáneas, y de encontrar lo contemporáneo en algunos lugares del museo donde quizás no lo esperes.
Una vez hice un espectáculo con el historiador de arte Raphael Rosenberg que se llamaba "Abstracción", y mostraba el trabajo de Victor Hugo, Gustave Moreau y el difunto JMW Turner. Entonces te mostró abstracción antes de que alguien siquiera hablara de abstracción.
Cuando muchas personas piensan en el arte contemporáneo, piensan en artistas como Damien Hirst , cuyo tiburón se encuentra en el Met, y otros héroes del mercado del arte. Usted tiene una forma más sensible de hablar de eso, donde se trata más del pensamiento contemporáneo. Su predecesor, Thomas Campbell, tuvo dificultades en el pasado cuando el personal estaba preocupado por la reasignación del presupuesto hacia un compromiso llamativo con el arte contemporáneo, y fuera de los departamentos más históricos. ¿Has podido contactar al personal sobre tus ideas? ¿Y cómo piensa involucrarlos en su programa?
De hecho, di mi primera presentación la semana pasada a lo que llamamos el "Foro", que es el grupo completo de curadores, conservadores y científicos, y mañana haré otro para presentar una versión más descarnada de lo que Estábamos hablando y cómo se relaciona con iniciativas que ya están en camino. Estoy demasiado inmerso en la contemporaneidad, así que quiero dejar claro que tener una escultura contemporánea emergente en el medio de un departamento no es lo que va a suceder. Estoy mucho más interesado en fomentar un espíritu de colaboración, y verán que será una formulación mucho más entrelazada e interesante.
Una vista de la recreación de Minecraft de la famosa pirámide de la exhibición "Teotihuacan: Ciudad de Agua, Ciudad de Fuego" en de Young. Imagen cortesía de de Young.
Junto con la creciente popularidad del arte contemporáneo, los avances en la tecnología digital son uno de los desarrollos más importantes que remodelan el paisaje para los museos de hoy en día, convirtiéndolos en instituciones tanto virtuales como físicas. Vienes de San Francisco, el crisol de la revolución digital estadounidense, donde hiciste incursiones en la comunidad tecnológica y fueron conocidos por golpes tan celebrados como incluir un mapa de Minecraft de una antigua pirámide mesoamericana en la exposición 2017 "Teotihuacan: Ciudad de Agua, Ciudad de Fuego. " ¿Cuáles son las oportunidades que usted ve para el Met en la esfera digital?
El Met ha sido un líder en proyectos digitales más o menos desde el primer día. Entonces, lo que voy a decir se basa en un programa muy sustancial y sólido. Es importante reconocer que el museo no es solo un espacio físico; un museo trata sobre la difusión del conocimiento, la educación y la comprensión de la cultura a un público más amplio del que físicamente podría visitarnos. Entonces, las plataformas digitales nos brindan herramientas para escalar nuestras iniciativas educativas, contar historias y llegar a las audiencias.
Puede hacer esto de dos maneras. Una es que puede mejorar claramente su visita; por ejemplo, una cosa que implementamos en San Francisco se llamaba Historias Digitales, que eran cursos en línea multimedia de 30 minutos que le proporcionaban una comprensión más profunda del contexto de una exposición. Cuando compraste un boleto en línea, te enviamos el curso en línea de forma gratuita, básicamente diciendo que podrías tener una experiencia más rica si la veías antes de venir a ver el espectáculo. Entonces, lo digital puede mejorar la calidad de una visita, que es algo que el Met ya ha estado haciendo con su Timeline of Art History , y también nos ayuda a llegar a una gran audiencia.
Para ampliar aún más esa será una de nuestras misiones principales. Si defines el Met como un museo que representa el mundo entero a través de nuestras colecciones, entonces también debería ser un museo ideal para todo el mundo. Lo haremos en múltiples frentes, incluida la asociación con plataformas existentes en lugar de construir todo por nuestra cuenta: esto es algo en lo que ya trabajé en San Francisco.
Luego, por otro lado, digital también es una herramienta que nos ayuda a mejorar su visita en términos de emisión de boletos en línea y si usted está interesado en estas recomendaciones, que van más hacia las ideas de sistema de administración de relaciones con clientes. Pero creo que es la narración y la narrativa lo que es realmente interesante.
Cuando surge la idea de ser una institución educativa, plantea un tema interesante, casi filosófico, en un momento en que los expertos y las instituciones han sido atacados por la autoridad que representan, mientras que al mismo tiempo los estudios de Culture Track revelan que las audiencias han comenzado a mostrar preferencia por las experiencias divertidas de arte social que entretienen y deleitan, en lugar de las tradicionales que exigen, desafían y educan. El Met, por supuesto, es el propio apogeo de la institución de arte educativa experta. ¿Crees que el Met necesita cambiar su relación con el espectador de alguna manera para adaptarse a los gustos cambiantes?
No lo creo, y también creo que podría ser un malentendido de mi uso de la palabra "educación" lo que desencadenó su pregunta. Usted puede ser una institución muy dinámica que atraiga a sus visitantes o usuarios y aún le enseñe cosas nuevas a la gente, porque puede ser divertido detectar el significado de un objeto en particular y cómo se conecta con la vida.
La sensación de ser parte de algo comienza con el conocimiento. Por ejemplo, las personas acuden a una exposición más o menos desprevenida, mientras que si vas a un partido de béisbol, el público está muy preparado, conoce las estadísticas de bateo de los jugadores, etcétera, por lo que sienten que es atractivo. Anteriormente discutí sobre dejar en claro que los objetos se exhiben por su mérito histórico estético o artístico, pero que también tienen un marco social, político, económico e histórico muy complejo. Hacer que esto sea más transparente y atractivo puede ser algo que realmente resuene no solo con las bases existentes, sino también con las nuevas audiencias a las que hizo referencia en los estudios de Culture Track.
El Museo Metropolitano de Arte. Foto cortesía del Met.
En un nivel de tecnología menos avanzada, para volver a su éxito con "Teotihuacan", también tradujo todos los materiales de prensa de ese programa al español. ¿Cuánta prioridad tendrá para usted llegar a nuevas audiencias en el Met, y qué nuevas audiencias cree que permanecen sin explotar para el museo?
Traducimos los materiales para el programa al español para involucrar a la comunidad mexicana en San Francisco, pero de hecho usé esto como un punto de partida para decir: "De acuerdo, a partir de ahora, vamos a trabajar más con la comunidad mexicana en San Francisco. "Eso significaba que los materiales para una próxima presentación de Monet deberían traducirse al español también. No solo quiero llegar a las comunidades cuando lo que hacen toca su propia cultura; se trata realmente de tomar a las comunidades en serio como un todo, de la misma manera que yo, como austriaco, no solo quiero serlo. llamado cuando hay un Gustav Klimtespectáculo. Es realmente un enfoque multifacético y holístico, algunos de los cuales ya estamos persiguiendo en el Met, en el sentido de que estamos ofreciendo giras en diferentes idiomas. Pero podemos hacer mucho más, y aquí, una vez más, la difusión digital ofrece una gran cantidad de posibilidades.
Habla de audiencias atractivas: ¿cuál diría que es la propuesta de valor clave que el Met debe transmitir a su audiencia para que los visite en lugar de ir a un juego de los Yankees?
Quiero que el Met tenga una voz fuerte en la discusión cultural. Eso no significa entrar en un debate político, sino dejar en claro que una institución cultural no es solo un lugar donde se pueden ver los mayores logros artísticos de la humanidad, sino también donde se puede entablar un diálogo cultural fascinante y complejo sobre usted mismo. y tu lugar en el mundo. Eso es algo que tenemos que defender, y algo que necesitamos comunicar claramente. Mientras más podamos proyectar esa voz, y no de una manera autoritaria, sino más bien atractiva e invitante, será más emocionante, si no más, llegar al Met a un partido de béisbol.
Un elemento admirable que se destaca en su historial es que puede pensar en el lado curatorial y el lado comercial como dos caras de la misma moneda. Ahora que está en el Met, Dan Weiss se encargará principalmente de los asuntos comerciales del museo mientras dirige la operación curatorial. ¿Es esa una forma adecuada de describirlo? ¿Cómo describirías la forma en que tus roles trabajan juntos?
Creo que eso lo describe. Por otro lado, los dos miramos la institución de manera integral y también vemos esta estructura de liderazgo como una asociación. Tuvimos varias conversaciones durante el proceso de búsqueda en las que ambos dijimos que es una gran ventaja que tengamos experiencia que nos permita ver la institución de una manera abarcadora. He sido el director de una institución desde que tenía 31 años, y siempre he buscado realizar sus sueños programáticos más emocionantes y, a veces más salvajes, al tiempo que mantengo una posición financieramente responsable. Y Dan, por su parte, también lo ha hecho. El Met es claramente la institución más compleja en el mundo de los museos, por lo que es genial poder dividir ciertas responsabilidades, especialmente para mí, porque significa que realmente puedo centrarme en el lado programático, que es lo que el Met necesita para seguir avanzando. Estamos en clara alineación en eso.
El Templo de Dendur en el Ala Sackler del Museo Metropolitano de Arte. Foto cortesía del Met.
¿Cuál es la exhortación más común que has escuchado de tus reuniones con la junta directiva hasta ahora? ¿Algo que surge una y otra vez?
La junta me impresionó enormemente por el tiempo que dedicaron a la búsqueda. Sería difícil para mí resumir las conversaciones en un solo elemento, pero es evidente que la junta cree que el Met es el portador de carteles de los museos enciclopédicos, que viene con una enorme obligación de estar ahí para una audiencia que va mucho más allá. York. El consejo considera que el Met no necesita cambiar, pero necesita continuar evolucionando y remodelando sus ofertas de acuerdo con su idea de lo que debería representar un museo enciclopédico en el siglo XXI. Eso es realmente lo que impulsa a esta institución: continuar fomentando el conocimiento profundo, la erudición y la excelencia en la recolección, pero también presentar una narrativa multifacética pero altamente formada sobre el desarrollo cultural y la intersección de culturas, y hacerlo en la voz del mundo.
Usted es reconocido como un recaudador de fondos inspirado, que es un conjunto de habilidades que será útil en el Met, que está saliendo de una crisis financiera oscura y está trabajando para reequilibrar su presupuesto para 2020.
La recaudación de fondos es parte del trabajo de cualquier director, y he participado en la recaudación de fondos desde el primer día de mi carrera en el museo, y más importante aún, cuando dirigía el Museo Städel. El Städel es en realidad la fundación cultural privada más antigua e importante de Alemania. Tiene 200 años, y es una especie de modelo para el modelo de museo estadounidense. Así que he estado involucrado en la recaudación de fondos para proyectos de capital, para necesidades operativas, a lo largo de los años. Considero que la recaudación de fondos es una gran oportunidad para comunicar tus prioridades, establecer una agenda y atraer a la gente. No puedo pensar en un mejor lugar para continuar haciendo eso que en el Met, donde tienes un grupo de seguidores tan dedicado tanto en el consejo como en el museo.
Los manifestantes realizan Purificación del espacio - Cambio de marca ritual de la Plaza David H. Koch en el día de su dedicación Foto: Cortesía de Erik McGregor
Su combinación de habilidades sugiere que hay muchas oportunidades para recaudar fondos para el museo. Al mismo tiempo, esto también conlleva cierto grado de peligro, ya que, como hemos visto, las fuentes de ingresos de las instituciones culturales han sido objeto de intenso escrutinio últimamente, desde los Sacklers hasta los hermanos Koch. ¿Es esto algo que cree que el museo debe tomar en serio cuando busca equilibrar su presupuesto e identificar nuevas fuentes de financiamiento, la demanda de ciertos sectores de que cumpla con los altos estándares morales?
Creo que está claro que si eres uno de los principales museos del mundo, si tienes una voz muy fuerte en la discusión cultural, eso significa que debes tener una actitud moralmente sublime no solo sobre cómo se establece la institución. , cómo funciona, cómo presta sus servicios a la comunidad, pero también que su recaudación de fondos y financiación se basa en un conjunto claro de valores que proyectamos. Y no he visto al Met no hacer eso desde que lo miré, pero claramente va a ser un principio rector para avanzar en el futuro.
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TOBÍAS Y EL ÁNGEL / ANDREA DEL VERROCCHIO- NATIONAL GALLERY, LONDRES
Tobias y el ángel (Verrocchio)
| Tobias y el ángel | |
|---|---|
 | |
| Artista | Andrea del Verrocchio |
| Año | 1470-1480 |
| Tipo | Témpera de huevo en álamo |
| Ubicación | Galería Nacional , Londres |
Tobias y el ángel es un altar de la pintura , terminado alrededor de 1470 a 1475, [1] atribuido al taller del italiano del renacimiento pintorAndrea del Verrocchio . [2] Se encuentra en laNational Gallery , Londres . Esta pintura es similar a una pintura anterior que representa Tobías y el ángel, de Antonio del Pollaiolo . [3]
Según el historiador de arte de Oxford, Martin Kemp , Leonardo da Vinci , que era miembro del estudio de Verrocchio, puede haber pintado parte de este trabajo, muy probablemente el pez. [4]David Alan Brown, de la National Gallery en Washington, también le atribuye la pintura del perrito esponjoso. Si es así, este sería quizás el primer ejemplo existente de una pintura con aportes de Leonardo. [5]
- Posiblemente atribuido al joven Leonardo da Vinci:
Referencias [ editar ]
- ^ "Taller de Andrea del Verrocchio | Tobias y el ángel | NG781 | The National Gallery, London" . La Galería Nacional . La Galería Nacional . Obtenido el 31 de mayo de 2015 .
- ^ Wilson, Michael (1977). La National Gallery, Londres . Londres: Orbis Publishing Limited. pag. 42. ISBN 0-85613-314-0 .
- ^ Brown, David Allan (1998). Leonardo da Vinci: Orígenes de un Genius-David Alan Brown- Google Books . New Haven y Londres: Yale University Press. pp. 47-50. ISBN 0-300-07246-5 .
- ^ Kemp, Martin (2011). Leonardo: Edición revisada-Martin Kemp-Google Books . Oxford: Oxford University Press. pag. 251. ISBN 978-0-19-958335-5 . Obtenido el 31 de mayo de 2015 .
- ^ Brown, David Allan (1998). Leonardo da Vinci: Orígenes de un Genius-David Alan Brown- Google Books . New Haven y Londres: Yale University Press. pp. 47-56. ISBN 0-300-07246-5 .
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