MICHAEL SNOW- WAVELENGT EN EL MoMA / CINE EXPERIMENTAL

El cineasta y artista multimedia canadiense Michael Snow habló sobre la autorreflexión y el proceso con el músico Alan Licht después de la apertura de  Photo-Centric  en el Museo de Arte de Filadelfia. La exposición se centra en las obras fotográficas de Snow desde 1962.

Alan Licht Sólo para dar a la gente una idea de cómo se compara tu fotografía con otras fotografías expuestas, hay una cita que encontré en la declaración de un artista que hiciste para un espectáculo en Galerie Claire Burrus, en 1992, en la que dijiste "como arte, el me parece que falta la mejor fotografía en comparación con la mejor pintura, pero he intentado equilibrar la falta añadiendo la cámara como herramienta a las que se podrían usar para hacer pintura y escultura ".

Michael Snow , dije eso; eso es algo …

AL ¿Cumple con su declaración?

MS Sí. ( risas )

AL ¿Puedes hablar un poco sobre tu enfoque de la fotografía? No proviene del "momento decisivo" u otras formas de lo que se considera fotografía de "bellas artes".

MS Bueno, mi enfoque es un enfoque de estudio. Hay "momentos decisivos" aquí y allá, pero básicamente estoy tratando de trabajar con todas las diferentes posibilidades involucradas en la creación y exhibición de la fotografía: la puesta en escena de la misma, cómo se hacen las impresiones, la escala, el tamaño -Que es, supongo, no inusual. Empecé en 1962. Mi trabajo es casi simultáneo con el de Ed Ruscha, no somos lo mismo ni nada, pero ambos llegamos a la fotografía desde otro punto de vista.

Michael Snow,  Autorización , 1969, cinco grabados instantáneos plateados (Polaroid 55), cinta adhesiva, espejo en marco de metal, 21 1/2 x 17 1/2 pulgadas.

AL Muchas de las piezas del programa tratan temas que están presentes en tu otro trabajo, la idea de proceso, por ejemplo, pero utilizas la cámara de una manera muy diferente. Authorization  (1969) o  Digest  (1970) son registros que ellos mismos crearon, pero no muestra el proceso en tiempo real de la manera en que lo hace en algunas de sus películas y grabaciones.

MS Sí, y eso es algo pictórico, porque pintar es una acumulación de trazos, y la  Autorización  es decididamente eso, en el sentido de que se realizó un trazo, y luego se realizó un trazo que incluía ese primer trazo, y así sucesivamente. Entonces es una cosa acumulativa pero hecha con fotografía.

AL Con algunos de estos, parece como si los pasos a lo largo del camino pudieran verse como un resultado final en sí mismos.

MS : Creo que eso se aplica a  8 x 10  (1969-99), por ejemplo, porque hay ochenta fotografías, todas del mismo tema, que se ven simultáneamente.

AL Atlantic  (1967),  Of a Ladder  (1971/1999),  Glares  (1973) y  Field  (1973-74) muestran su tema en segmentos. La escalera en  De una escalera  es algo que podría fotografiarse en su totalidad. En  Crouch, Leap, Land (1970) también hay un elemento temporal: ha sido fragmentado, pero en una película podrías haber presentado toda la secuencia en tiempo real.

MS Sí, supongo que  Crouch, Leap, Land  es la película más relacionada, en cierto modo, porque se trata de tres etapas de una acción, mientras que  Of a Ladder  es una escalada óptica de una escalera, que incluye la pared. Es fílmico porque va de cuadro a cuadro.

Michael Snow, Glares, 1973, ochenta y una fotografías en blanco y negro, montadas en Masonite pintadas con acrílico, lámpara, marco, 58 3/8 x 39 3/8 pulgadas.

AL Glares  es una cuadrícula que vuelves a ensamblar tomando fotografías de las secciones individuales.

MSH Es "en sí mismo", como dijiste, pero es en sí mismo de una manera que presenta la inevitable distorsión que siempre deja la fotografía, pero ahora se convierte en una característica del trabajo. Y hay un cambio de luz: cuando hice eso, el plano de la imagen era paralelo a la superficie que estaba fotografiando. La luz que se usa para mostrar  Glares  se usó para hacer la fotografía, por lo que está un poco sobreexpuesta en la parte superior y un poco subexpuesta en la parte inferior.

AL Lighting es bastante significativo en gran parte de su trabajo fotográfico, pero quizás menos en las películas.

MS In  Wavelength , cada pocos fotogramas hay un cambio de stock o un cambio en la forma en que se ilumina una escena. De todas mis películas, esa es probablemente la principal en la que la iluminación juega un papel. Pero algunas de las obras de la galería, como [el video]  Solar Breath (Cariátides del Norte)  (2002), usan luz natural y siguen cambiando.

AL Las películas  Side Seat Paintings Slides Sound Film  (1970) y  One Second en Montreal  (1969) presentan imágenes fijas. ¿Eran de alguna manera una consecuencia de las cosas que estabas haciendo en la fotografía en ese momento?

MS Filmé  Wavelength  en '66, lo terminé en '67, y en el programa hay una pieza llamada  Atlantic que tiene fotografías de ondas. Tomé esas fotografías el mismo día que tomé la fotografía que usé en  Wavelength , por lo que hay un tramo allí. Pero  One Second en Montreal  trata de controlar las duraciones que tiene una imagen fija en la pantalla, lo cual es una cosa muy obvia que puedes hacer con la película. One Second en Montreal se  relaciona con  Recombinant (1992), ochenta diapositivas de 35 mm proyectadas contra una superficie hecha para las imágenes a proyectar, y la duración es controlada allí también. Son todos el mismo período de tiempo, pero las ochenta variaciones se relacionan o no se relacionan con la superficie que hice para la proyección. Y mencionaste  Digest . Ahí tienes un cuadro tras otro, por así decirlo, pero el espectador puede mirarlos por el tiempo que quieran.

AL iris-IRIS  (1979) tiene la foto en la pared, que me recordó la longitud de  onda .

MS: Ese es el glaciar del Mont Blanc. Es una imagen muy pequeña de algo muy grande. ( risas )

AL, que es como esa foto muy pequeña del océano en la pared en  Wavelength .

MS Eso es verdad.

AL ¿Qué pasa con los elementos escultóricos de algunas de las obras del espectáculo?

MS Cuando usa la cámara para hacer arte, puede hacer que el sujeto vaya a fotografiar. Bastantes cosas en la exposición son cosas que hice para fotografiarlas, imprimirlas y presentarlas de esa manera. En algunos casos, se enfatiza su aspecto físico. Las ochenta fotografías en  8 x 10  no están enmarcadas ni enmarañadas; lo que ves es la extensión de la foto. Entonces, aunque no es grueso, hay un sentido físico de la individualidad de cada foto. Cuando algo se enmarca, hay una lectura diferente involucrada. Sala de espera (1978) es una fotografía de una representación muy tosca de una habitación, como la sala de espera de un médico, pero hay algo que podría leerse como una pantalla de cine en la pared. Y luego, frente a eso, no en la fotografía sino como modelo físico, hay un proyector de película muy pequeño que apunta a la pantalla de la fotografía. Así que hay una especie de narrativa insinuada allí: la película no se mostrará porque todo está en calma. ( Risas ) Es una escultura y una fotografía de objetos. El énfasis allí es que todo está construido, no hay nada encontrado. Supongo que hay un énfasis en eso también en mi trabajo con la fotografía, aunque en  Still Living (9x4 Acts, Scene 1) (1982) hay muchas cosas que se encuentran en la imagen. Básicamente, ese fue el proyecto en hacer Still Living: es la tradición de la naturaleza muerta, el ensamblaje de esos objetos, se extiende al uso de la fotografía.

Michael Snow,  Handed to Eyes , 1983, pintura al óleo sobre impresión cromogénica, 48 1/2 x 40 pulgadas.

AL En la foto  Handed to Eyes  (1983), combinaste pintura-

MS -y escultura. Hice los pequeños objetos apretando arcilla en mis manos. Entonces están hechos a mano y luego pintados a mano. Eran blanquecinas, fotografiadas sobre un fondo de color, y luego pinté cada una de ellas en la fotografía. Usé colores transparentes, y lo hice con mis dedos, por lo que aún puedes ver la fotografía a través del color. La pieza combina pintura, escultura y fotografía.

AL ¿Hay algún medio que no hayas intentado usar? ( risas )

MS , supongo que no. Uno de los puntos de la   serie Walking Woman (1961-67) fue hacer el mismo esquema de la misma figura en cada medio en el que podía pensar. Justo en las pinturas, utilicé pintura al óleo, esmalte, acuarela, esmalte en aerosol ... todo. El punto fue en parte para ver cuál sería la diferencia entre esta misma imagen en este o aquel medio.

Snow's  Photo-Centric se  encuentra en el  Museo de Arte de Filadelfia hasta el 27 de abril.

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