15-MINUTOS DE "INTERRUPCIÓN" EN LA BIENAL DE ESTAMBUL
Plan de Bienal de Estambul Artistas 15-Minute "Interrupción" 01 DE SEPTIEMBRE 2015 Bienal de Estambul de Carolyn Christov-Bakargiev abre esta semana, y un grupo de artistas tienen la intención de infundir la abertura con un reconocimiento de la reciente agitación política que aflige a la minoría kurda de Turquía. Una carta enviada esta mañana a todos los participantes bienales "proponer [s] que todos suspendemos presentación de nuestros trabajos durante 15 minutos durante la inauguración de la Bienal" en reconocimiento a la ruptura violenta en las conversaciones de paz entre el Partido de los Trabajadores del Kurdistán (PKK) y el gobierno de Turquía en las últimas semanas. Firmado por participante bienal basado en Mardin Pelin Tan y su Colectivo ArtikIsler, junto con el editor de artista y e-flux Anton Vidokle, la misiva pretende infundir un sentido de urgencia en lo que ya es un programa bienal políticamente sensible. "Con Anton, pens
Cómo podrían dialogar estas imágenes?,Sin duda representan lo discontinuo,no están hechas para comprender,exigen quizá cerrar los ojos para ver.
ResponderEliminarEstamos ante un "delante"y en el primer caso ante un "adentro".Frente a la visibilidad del vientre se nos invita a "reintegrarnos".Un lugar abierto como la entrada de un templo,pero para mantenernos a distancia.Kafka en el penúltimo capítulo de "El proceso"nos dejo una célebre parábola.
"Ante la puerta se yergue un guardian,que no permite la entrada,alguien quiere hacerlo y es interceptado por éste y le dice "Si eso te atrae tanto trata de entrar a pesar de mi prohibición".El guardián le alcanza un taburete,para que permanezca sentado.Y, allí permanece hasta su muerte.Sólo pedía entrar en la Ley.Es un delante dentro inaccesible.Una escultura minimalista,un soporte geométrica.De igual manera la entrada se presenta como una boca de Gorgona,mirada petrificante.La comparación será posible en la medida que introduce lo discontinuo.
Este fue mi comentario el 12 de abril de 2012, feche en la que intenté un diélogo entre Niki de Saint Phalle y la escultura Royi de Giula Kosice. El articulo se titula Mujer Arte y Sociedad.
No hay más que un plano, en el sentido de que el arte no comporta más plano que el de la composición estética: el plano técnico en efecto está necesariamente recubierto o absorbido por el plano de composición estética. Con esta condición la materia se hace expresiva: el compuesto de sensaciones se realiza en los materiales, o los materiales penetran en el compuesto, pero siempre de manera que se sitúan en un plano de composición propiamente estética. Hay muchos problemas técnicos en el arte, y la ciencia puede intervenir en su solución; pero sólo se plantean en función de los problemas de composición estética que conciernen a los compuestos de sensaciones y al plano al que se remiten necesariamente con sus materiales. Toda sensación es un pregunta, aun cuando sólo el silencio responda. El problema en el arte consiste siempre en encontrar qué monumento hay que erigir en un plano determinado, o qué plano hay que despejar por debajo de un monumento determinado, o ambas cosas a la vez: de este modo en Klee el «monumento en el límite del país fértil» y el «monumento en país fértil». ¿No hay acaso tantos planos diferentes como universos, como autores o hasta incluso como obras? De hecho, losuniversos, tanto de un arte a otro como en el mismo arte, pueden derivar e los unos de los otros, o bien entrar en relaciones de captura y formar constelaciones de universos, independientemente de toda derivación, pero también dispersarse en nebulosas o sistemas estelares diferentes, bajo unas distancias cualitativas que ya no son de espacio y tiempo.
ResponderEliminarSobre estas líneas de fuga los universos se concatenan o se separan, de tal modo que el plano puede ser único al mismo tiempo que losuniversos pueden ser múltiples irreductibles.
En este blog, el 3 de octubre de 2011- Percepto, Afecto, Concepto- Gilles Deleuze- Féliz Guattari
En este blog, se encuentra El canto al Trabajo de Rogelio Irurtia; no lo puedo hallar. Es una de mis esculturas favoritas junto a Royi de Giula Kosice.
Rogelio Yrurtia
ResponderEliminar(Buenos Aires, 1879 - 1950) Escultor argentino, representante de la tradición academicista en su país. Aprendió su arte de grandes maestros como Lucio Correa Morales, Julien y Jules Félix Coutan. Posteriormente, y gracias a una beca, estudió en París, donde residiría durante veinte años y produjo buena parte de su obra.
Al regresar a su país recibió el encargo de hacer un monumento al coronel Dorrego. En 1911 obtuvo el Gran Premio de Honor en la Exposición de Arte de Barcelona gracias a su escultura en yeso Serenidad. Entre 1921 y 1923 fue profesor de la Academia Nacional de Bellas Artes, y académico desde 1939.
Canto al trabajo (1927), de Rogelio Yrurtia
Muy influido por el naturalismo, Rogelio Yrurtia no se avino a los procesos de experimentación plástica que estaban surgiendo en la época. Sus obras, ejemplares en cuanto a la economía extrema de recursos utilizados, parten de una concepción clásica de la figura humana. Sin embargo, el tratamiento dinámico de las estructuras y cierta inestabilidad del equilibrio compositivo provocan esa contradicción entre lo clásico y lo romántico que ha dado un carácter singular a la mayoría de sus composiciones.
Entre sus obras destacan Canto al trabajo, El poeta ante el dolor humano y el monumento a Bernardino Rivadavia, ministro de Gobierno y Relaciones exteriores durante el gobierno de Martín Rodríguez. Sus obras se pueden contemplar en importantes enclaves de Buenos Aires.www.biografiasyvidas.com
1 de mayo de 2015, se encuentra la escultura
No hay dudas que estos artistas y sus obras que desfilan por el vídeo, constituyen la vanguardia artística argentina. Magníficamente representada. Van mostrando la simplificación de la forma, volumen y colores.
ResponderEliminarMe expresaría en términos de Educación Estética, educación de la sensibilidad. Para que haya arte se precisa una mirada y un pensamiento que se identifiquen, por lo mismo deberían formar parte de los contenidos de los programas de estudio desde la escuela primaria. La incorporación de materiales precarios, bultos, deshechos, huesos, ponen en cuestión el reino de la razón, como único desarrollo a seguir.
Suceden pasos importantes en la evolución de la escultura por parte de los artistas argentinos; se ataca el supuesto de la solidez de la fijeza, la fragmentación de los volúmenes, el trabajo por planos en la obra de Curatella Manes, el juego de aristas rectas y netas en contrapunto con otras de perfiles curvilíneos. Los considero de gran valor.