LA RABIA FEMENINA EN EL ARTE / ARIELA GOTTLEN EN ARTSY.COM
t º
Una breve historia de la rabia femenina en el arte
Caravaggio, Judith Beheading Holofernes , ca. 1598–99. Foto vía Wikimedia Commons.
A raíz de las audiencias de Kavanaugh, he desarrollado una nueva rutina de autocuidado: me puse una máscara de sábana, le puse música suave y miré cuadros de mujeres asesinas. No creo que esté sola en esto;
y
Las representaciones de Judith decapitando a Holofernes, a Orpheus siendo despedazado por Maenads, y Timoclea arrojando a su violador por un pozo han estado apareciendo en mis feeds de Instagram y Twitter durante semanas. Se han convertido en memes; recontextualizados y subtitulados, dan voz a la ira de las mujeres ante las injusticias del presente.
y
Las representaciones de Judith decapitando a Holofernes, a Orpheus siendo despedazado por Maenads, y Timoclea arrojando a su violador por un pozo han estado apareciendo en mis feeds de Instagram y Twitter durante semanas. Se han convertido en memes; recontextualizados y subtitulados, dan voz a la ira de las mujeres ante las injusticias del presente.
En su libro Good and Mad: El poder revolucionario de la ira de las mujeres , Rebecca Traister desafía a sus lectores a buscar en Google el nombre de cualquier mujer poderosa en la política, particularmente aquellas que desafían el poder y la autoridad de los hombres blancos, para encontrar un escondite de imágenes de esa mujer gritando furiosamente. "La mejor manera de desacreditar a estas mujeres, para hacerlas parecer poco atractivas, es capturar una imagen de ellas gritando", escribe. "El hecho de que una mujer abra su boca con volumen y fuerza asegurada, a menudo en queja, está codificado en nuestras mentes como feo". No es sorprendente que las mujeres enojadas, cuando aparecen en la historia del arte occidental, a menudo toman la forma de Diosas o monstruos: arpías y brujas, Medusa y la Esfinge.
El libro de Traister sostiene que la rabia femenina a menudo ha sido el catalizador del cambio político y social. Y sin embargo, sabemos que cuando las mujeres expresan su enojo, corren el riesgo de ser vistas como histéricas, demasiado emocionales y poco serias, incluso si las razones de su furia son completamente legítimas. Si bien no estoy sugiriendo que echemos un pozo a los hombres, diría que cuando la justicia parece difícil de alcanzar, las imágenes de mujeres enojadas pueden ser catárticas, incluso inspiradoras. Lo que sigue son siete obras de la historia del arte que muestran la belleza y el poder de la rabia femenina.
Elisabetta Sirani, Timoclea matando a su violador (1659)
Elisabetta Sirani, Timoclea matando a su violador , 1659. Foto a través de Wikimedia Commons.
Artista barroco italiano
defendió tanto a las mujeres pintoras como a las mujeres durante su corta vida (ella murió algo misteriosamente a los 27 años). Abrió una escuela de pintura donde entrenó a muchas mujeres, incluidas sus hermanas menores, y en su propio trabajo, a menudo elegía temas que destacaban la fortaleza femenina.
defendió tanto a las mujeres pintoras como a las mujeres durante su corta vida (ella murió algo misteriosamente a los 27 años). Abrió una escuela de pintura donde entrenó a muchas mujeres, incluidas sus hermanas menores, y en su propio trabajo, a menudo elegía temas que destacaban la fortaleza femenina.
Timoclea Killing Her Rapist describe un cuento popular descrito en la biografía de Alejandro Magno de Plutarco. Durante la invasión de Tebas por Alejandro, un capitán de su ejército viola al titular Timoclea. Tras el asalto, el capitán le pregunta dónde está escondido su dinero. Timoclea lo lleva bien a su jardín; mientras él lo mira, ella lo empuja, tirando piedras pesadas por el pozo hasta que él muere.
La pintura da vuelta la historia sobre su cabeza, invirtiendo la jerarquía de manera bastante literal: el violador se muestra boca abajo e indefenso, con los pies agitándose en el aire, mientras ella se encuentra resueltamente sobre él. Sirani, como muchos pintores barrocos, tenía talento para el drama, pero vale la pena señalar que la mayoría de las descripciones de esta historia muestran las consecuencias del evento violento: Timoclea se presentó ante Alexander para aceptar su juicio, generalmente flanqueado por sus hijos.Sirani eligió audazmente mostrar la justicia de Timoclea, en lugar de la misericordia de Alexander.
Artemisia Gentileschi, Judith Beheading Holofernes (ca. 1620)
Artemisia Gentileschi, Judith Beheading Holofernes , c. 1620. Cortesía de los Uffizi.
's Judith decapita Holofernes ofrece otra escena dramática de una mujer común dominar un hombre de alto rango. La pintura de Gentileschi es musculosa: la Judith bíblica y su criada bajan sobre su víctima, el invadido general asirio Holofernes, mientras Judith corta su cuello con una espada. Salpicaduras de sangre en arcos largos y escalonados, rociando el pecho y el cuello de Judith. La expresión torturada de Holofernes y copiosas cantidades de sangre también están presentes en
La versión anterior de este tema (ca. 1599), de la que se dice que Gentileschi se ha inspirado. Sin embargo, en su versión, Judith se ve bastante apartada, su rostro arrugado con disgusto en lugar de establecer con determinación.
La versión anterior de este tema (ca. 1599), de la que se dice que Gentileschi se ha inspirado. Sin embargo, en su versión, Judith se ve bastante apartada, su rostro arrugado con disgusto en lugar de establecer con determinación.
Es discutible que las propias experiencias de Gentileschi con la violencia sexual moldearon su enfoque para representar esta historia brutal. A los 18 años, fue violada por su maestro de pintura, el artista Agostino Tassi. Inusualmente para el siglo XVII, Gentileschi testificó ante el tribunal contra su atacante. Tassi fue puesto en libertad tras su condena debido a una intercesión del Papa, mientras que Gentileschi tuvo que soportar la vergüenza pública del juicio, en el que se vio obligada a declarar mientras era torturada con tornillos. La Judith de Gentileschi puede haber sido un retrato de la justicia que ella misma le fue negada.
Jean-Léon Gérôme, La verdad que sale de su pozo para avergonzar a la humanidad (1896)
Jean Léon Gérôme, La verdad que sale de su pozo para avergonzar a la humanidad , 1896. Vía Wikimedia Commons.
Pintor academico frances
La versión alegórica de la Verdad (específicamente, el aforismo del filósofo Demócrito: “De la verdad no sabemos nada, porque la verdad está en un pozo”) difiere de las interpretaciones contemporáneas en varios aspectos. Una hermosa mujer desnuda emerge de un pozo, con un grito de ira en la cara y un látigo en la mano, en lugar del espejo habitual. Aunque está desnuda (una referencia contundente a "la verdad desnuda"), parece estar lista para cobrar directamente al espectador en un grito de batalla.
La versión alegórica de la Verdad (específicamente, el aforismo del filósofo Demócrito: “De la verdad no sabemos nada, porque la verdad está en un pozo”) difiere de las interpretaciones contemporáneas en varios aspectos. Una hermosa mujer desnuda emerge de un pozo, con un grito de ira en la cara y un látigo en la mano, en lugar del espejo habitual. Aunque está desnuda (una referencia contundente a "la verdad desnuda"), parece estar lista para cobrar directamente al espectador en un grito de batalla.
Aparentemente, Gérôme pensó que la pieza era un comentario sobre el impacto positivo de la fotografía en la pintura, una metáfora bastante limitada. ("Nos abrió los ojos y nos obligó a ver lo que anteriormente no habíamos visto", escribió.) Sin embargo, hoy en día, la pintura se ha convertido en un meme popular , debido a su representación inusualmente vívida de la ira femenina y su rareza general. . La desnudez de la verdad se lee aquí como poder y pureza moral en lugar de disponibilidad sexual; su furia la hace peligrosa.
Valie Export, Action Pants: Genital Panic (1969)
Un replanteamiento más explícito del cuerpo femenino como un arma en lugar de un objeto sexual se presenta en forma de Pantalones de acción: pánico genital . En 1968, el autodenominado artista de performance austriaco
Entró en un cine de arte en Múnich con pantalones sin entrepierna, con el pelo embromado en una melena salvaje. Al caminar por el teatro y confrontar a la audiencia con sus genitales expuestos, intentó desafiar a los espectadores para que interactúen con una mujer real, en lugar de mirar pasivamente las imágenes objetivadas de las mujeres en pantalla.
Entró en un cine de arte en Múnich con pantalones sin entrepierna, con el pelo embromado en una melena salvaje. Al caminar por el teatro y confrontar a la audiencia con sus genitales expuestos, intentó desafiar a los espectadores para que interactúen con una mujer real, en lugar de mirar pasivamente las imágenes objetivadas de las mujeres en pantalla.
Al año siguiente, para conmemorar su actuación, Export posó para una fotografía. Ella se ve con las rodillas abiertas y la entrepierna expuesta, sosteniendo una pistola y mirando hacia la cámara con el toque de un guerrillero. Aquí, Exportar hace una comparación clara entre un arma de guerra y el hecho ineludible de la sexualidad femenina.
Betye Saar, Liberación de la tía Jemima: cóctel(1973)
Betye Saar, Liberación de la tía Jemima: cóctel , 1973. Cortesía de Roberts Projects.
Betye Saar, Liberación de la tía Jemima: cóctel , 1973. Cortesía de Roberts Projects.
El coctel
Las ofertas de este trabajo de 1973 son un dispositivo incendiario hecho en casa: un cóctel Molotov hecho con una jarra de vino. Su etiqueta muestra una figura mamí sonriente en un lado y un puño de poder negro en el otro. Saar refuta a la figura de mami como un agente de resistencia armada contra el racismo, una mujer que se ha liberado a sí misma.
Las ofertas de este trabajo de 1973 son un dispositivo incendiario hecho en casa: un cóctel Molotov hecho con una jarra de vino. Su etiqueta muestra una figura mamí sonriente en un lado y un puño de poder negro en el otro. Saar refuta a la figura de mami como un agente de resistencia armada contra el racismo, una mujer que se ha liberado a sí misma.
En los años posteriores a la muerte de Martin Luther King Jr., Saar comenzó a utilizar el arte para expresar su indignación ante la discriminación generalizada contra las comunidades negras. En 1972, motivada por una convocatoria abierta para que artistas negros mostraran su trabajo en Rainbow Sign en Berkeley, California, exhibió su primera pieza de tía Jemima: una figurita de mami sosteniendo una granada en una mano y una pistola en la otra. “Siento que La liberación de la tía Jemima es mi obra de arte icónica. No tenía idea de que se volvería tan importante para muchos ", explicó Saar en una entrevista con Artsy en 2017 . "La razón por la que la creé fue para combatir el fanatismo y el racismo, y hoy en día ella sigue siendo mi guerrera contra los males de nuestra sociedad".
Suzanne Lacy y Leslie Labowitz-Starus, En luto y en rabia (1977)
Actuación de Suzanne Lacy y Leslie Labowitz-Starus, In Mourning and Rage , 1977.
Una obra de arte híbrida y una protesta política, In Mourning and In Ragefue creada por
y Leslie Labowitz-Starus en respuesta a una epidemia de violaciones y asesinatos no resueltos en el sur de California que la policía atribuyó al estrangulador de Hillside. Artistas, defensores, políticos y las familias de las víctimas se reunieron en el ayuntamiento de Los Ángeles para realizar un ritual de duelo y rabia ante la prensa.
y Leslie Labowitz-Starus en respuesta a una epidemia de violaciones y asesinatos no resueltos en el sur de California que la policía atribuyó al estrangulador de Hillside. Artistas, defensores, políticos y las familias de las víctimas se reunieron en el ayuntamiento de Los Ángeles para realizar un ritual de duelo y rabia ante la prensa.
En un evento coreografiado que desafió el enfoque sensacionalista e inadecuado de los medios para denunciar estos crímenes, 10 mujeres vestidas como dolientes del siglo XIX, viajan a los escalones del ayuntamiento en un coche fúnebre. Con sus rostros oscurecidos por velos negros, cada artista se adelantó para describir una forma de violencia contra las mujeres, vinculando explícitamente los horrores del caso del estrangulador al abuso y acoso cotidiano. "Estoy aquí por las 388 mujeres que han sido violadas en Los Ángeles entre el 18 de octubre y el 29 de noviembre", anunció un artista. "En memoria de nuestras hermanas, nos defendemos", respondió el grupo al unísono.
Con raíces tanto en los teatros políticos de los sesenta como en la concienciación feminista de los setenta, el desempeño se refleja en las protestas públicas de hoy. En 2017, activistas vestidos como personajes de The Handmaid's Tale , se reunieron en Texas Capitol Rotunda para protestar por un proyecto de ley que limita los derechos de aborto. Sus capas rojas a juego evocaban los dramáticos trajes rojos y negros de In Mourning ; su ira era familiar, también.
Pipilotti Rist, Ever is Over All (1997)
Una mujer en zapatos rojos brillantes los sashays por la calle en
Es por Siempre está sobre todos . Ella rompe alegremente las ventanas de cada auto estacionado que pasa. En lugar de detenerla, una mujer policía hace una pausa y saluda el vándalo. La película del artista suizo es un alegre júbilo a la destrucción de la autoridad y la liberación de las normas del "buen comportamiento" femenino.
Es por Siempre está sobre todos . Ella rompe alegremente las ventanas de cada auto estacionado que pasa. En lugar de detenerla, una mujer policía hace una pausa y saluda el vándalo. La película del artista suizo es un alegre júbilo a la destrucción de la autoridad y la liberación de las normas del "buen comportamiento" femenino.
Una variación más precisa del tema (a menudo en comparación con la de Rist) es el video musical de “Hold Up” del álbum visual Lemonade de Beyoncé 2016 . "Traté de ser suave, más bonita", admite Bey al principio de la canción, antes de que deje de intentar complacer y comienza a destrozar alegremente los autos estacionados con un bate de béisbol. El video ofrece la misma euforia que la de Rist, la noción de que la ira en sí misma podría liberarnos de todo, desde esposas engañosas hasta racismo y sexismo sistémicos. Cuando los murciélagos de Beyoncé abren una boca de incendios, los niños se divierten en su rocío, y cuando ella rompe el parabrisas de un automóvil, una explosión estalla, silueteando en fuego como un ángel vengador. Pero lo más sorprendente es su falta de disculpa. Ella sonríe y hace muecas, aplasta y apuntala, después de todo, la rabia se convierte en ella. artsy.com
La lectura de este articulo interesante y enriquecedor, me evocó la lectura del relato de Nelly Richard, escritora y crítica de arte chilena acerca de la guerra de la verdad que se libró en las calles de Chile, cuando detiene a Pinochet en Londres el 16 de febrero de 1998, hacen hoy,
ResponderEliminarexactamente veinte años.
Las calles de Santiago pasaron pasaron a ser el escenario visual de un enfrentamiento de gestualidades que chocaron vilentamente entre sí.
Las mujeres de clase alta llevando la vulgaridad de sus gritos detestables de correr el maquillaje de sus máscaras obscenas.
Precían fanáticas mal habladas y deslenguadas.
Invocan fervorosamente a Dios y a la Providencia para que la desdeichada suma de fallas y azares de su humillante captura internacional quedara grandilocuentemente magnificada por la figura suprema de la predestinación que lo iría a convertir en un mártir.
Las imágenes recuerdo de las fotografías en blanco y negro de los detenidos desaparecidos exhibida por los familiares de las víctimas libró su punzante guerra de la verdad contra las simulaciones fotogénicas del héroe Pinochet que levantaban sus defensoras en plena calle como una nueva agresión simbólica a las víctimas. La guerra entre los grupos de mujeres, se dio sin treguam en una lengua de imágenes fotográficas.
La "familia chilena" se convertía así en un cruel simulacro de unidad y cohesión entre miembros enemistados entre sí por la intransigencia de un juicio sobre el pasado que los mantenía irreconciliables.
NELLY RICHARD, LA INSUBORDINACIÓN DE LOS SIGNOS-
domingo, 17 de diciembre de 2017
ResponderEliminar¿Qué mueve a Pipilotti Rist?. EN ESTE BLOG.
Suzanne Lacy y Leslie Labowitz-Starus, En luto y en rabia (1977)-ESTAM EN ESTE BLOG.
ResponderEliminarLilith - Antígona - Medea
ResponderEliminar¿Tres versiones de la feminidad?
Por Stella Maris Rodríguez
Me propongo trabajar y continuar investigando la temática de la Feminidad, poniendo en serie: “Mujeres, pasiones y locuras”.Esta serie se fue gestando a partir de un seminario dictado el año pasado sobre “Sexualidad femenina”, conjuntamente con la Lic. Jacqueline Danniaux. El mismo me fue llevando por diferentes textos, autores, discursos, generándome la iniciativa de continuar investigando a partir de otros discursos.
Fue así como me encontré con Lilith, primera esposa de Adán, de quién la religión católica no habla, pero aparece en los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. Lo reprimido retorna en estas producciones del Arte, dándose a ver, lo que supuestamente debería quedar velado. Según relata la historia Lilith y Adán nunca estuvieron bien juntos, ya que, ella no estaba de acuerdo con la posición a la que la obligaba Adán a tomar en las relaciones sexuales. Lilith se cansó de que Dios no escuchara sus demandas y un día se fue del Edén para no regresar jamás. En el Génesis existen dos versiones con respecto a las compañeras de Adán. Una que dice que Adán luego de entrar en un sueño profundo, Dios extracción de una de sus costillas creó a una mujer y dijo: “Ésta se llamará varona, porque del varón ha sido tomada. Por eso dejará el hombre a su padre y a su madre, y se adherirá a su mujer, y vendrán a ser una sola carne”.La llamó Eva: “la madre de todos los vivientes” (Génesis). La otra versión dice que Dios creó al hombre y a la mujer a su imagen el sexto día, pero que ésta no era Eva, sino que sería Lilita. En el libro de Robert Graves sobre los mitos hebreos da una detallada lista de diferentes mitos acerca de la creación del hombre y la mujer. Parece ser que Lilita fue creada con inmundicia y sedimento en lugar de polvo puro. Sabemos que Lilita abandona a Adán, éste se queja y Dios manda en seguida a los ángeles a rescatar a Lilita, pero ella no quiere ser rescatada de ninguna forma. Ella se encontraba en el Mar Rojo, donde abundan demonios lascivos dando a luz cientos de hijos lilim por día. Los ángeles la amenazaron con ahogarla y matarla sino volvía a lo cual ella respondió: “ Cómo puedo morir cuando Dios me ha encargado que me haga cargo de todos los niños recién nacidos, de los niños hasta el octavo día de vida, el de la circuncisión, y de las niñas hasta el vigésimo día?,los ángeles acceden pero Dios la castiga con la muerte de sus hijos demonios a diario.
La etimología griega de la palabra Lilit deriva de layil, noche, aparece como monstruo nocturno, peludo, al igual que en el folklore árabe. Lilit vive en la ruinas del desierto con búfalos, avestruces, serpientes, cuervos, búhos.
Me resultó muy interesante pensar que desde los orígenes nos encontramos con la “otra mujer”y que esta aparición tiene que ver con cierta necesidad lógica para repartir el goce. No hay calce perfecto, para el ser humano siempre hay un margen de error, entre la satisfacción anhelada y la encontrada siempre hay una hiancia. El desencuentro entre el hombre y la mujer están de entrada en la historia de la humanidad.
Tomaré básicamente a Lilith, Antígona y Medea para intentar contornear a las mujeres, al modo del alfarero, alrededor del vacío.
Entonces Lilith representa desde los orígenes “La Otra”, mujer, que queda por fuera, al menos en la religión cristiana. Este quedar afuera ser me ocurre pensarla como ésta exterioridad interna, al sistema, para que él mismo pueda funcionar.
Es ella la representante de los “demonios femeninos”, a los súcubos, destinada a matar niños. Se piensa también que la serpiente es la representante de Lilit, quién logra así vengarse, provocando la expulsión de Adán y Eva del Edén.
A lo largo del origen de los tiempos las mujeres hemos sido nombradas como: demoníacas, brujas, salvajes, animales, histéricas, locas. Significantes que impactan en la construcción de la subjetividad femenina, dejando marcas, huellas que van delimitando un cuerpo erógeno.
Sabemos de los tres destinos de la feminidad para Freud (Inhibición de la sexualidad/Complejo de masculinidad/Maternidad). Los impasses del maestro Freud le permitieron a Lacan seguir avanzando retomando estos puntos ciegos. Diferenciándose de Freud, dice que para él la madre tapa a la mujer. Lacan también propone tres salidas para la feminidad:
ResponderEliminarLa mascarada: tratamiento de la falta del lado del parecer ser
La maternidad: vía la ecuación simbólica, tratam. de la falta del lado del tener
La relación con el partenaire: hacerse desear.
¿Por qué valernos de Antígona y de Medea? Porque algo nos enseñan las tragedias de la dimensión trágica del deseo.
¿Por qué las mujeres son más proclives a protagonizar tragedias? ¿Será porque el pathos tiende a ser manifestado por más por las mujeres que por los hombres? La figura de Antígona es solidaria de la posición histérica, mientras que Medea es solidaria de la posición femenina.
Nuestra bella Antígona es el fiel retrato de todos los sacrificios que es capaz una mujer en pos de un Ideal, por Amor a otro. Su deseo y su goce van por otro lado, escamotea el cuerpo porque el cuerpo es goce (lenguaje como restado e inyección de goce). Antígona se “Entierra viva” la peor de las torturas humanas. El extravío que le provoca ser hija y hermana de Edipo. El acto de Antígona es un acto en relación a su Hermano, no lo hubiera hecho por su marido ni aún por sus hijos, porque podría tener otros, pero un Hermano ya no, ahora que Edipo y Yocasta están en el Hades. Punto insustituible de un duelo, para ella éste hermano no tiene sustitución alguna.
Cuantas Antígonas recibimos diariamente en nuestros consultorios, cuantas son víctimas reales de la trata de personas, la prostitución, etc.
Nos abocaremos a las primeras muertas en vida, quejándose todo el tiempo por lo que no pudieron hacer, por las sacrificios que han tenido que hacer diariamente por sus hijos, por su marido, por su jefe, por sus padres, por sus hermanos, etc. Excusas, sólo excusas que dicen de su posición sacrificial y servicial, obediencia de vida absoluta ante el amo castrado, que jamás gobierna. Bla bla bla…de insatisfacciones permanentes, buscando a alguna que juegue de Sra. K, clave de la feminidad, la que tiene todas las respuestas, consolidando a La Mujer sin barrar, haciéndola existir, es por eso que Dora nunca se separa de la Sra. K, no por ser homosexual sino porque representa a La Mujer.
La lógica de la histeria es la lógica atributiva (ser/tener) ubicándose allí donde ella supone que el otro desea porque le falta, cubriendo la falta del otro.
¿Qué le pasa a ella con su deseo? Qué es ser una mujer? ¿Es ser una buena esposa/madre/profesional? Allí entra toda la lista de cosas que muchas veces son exigencias que nada tienen que ver con la feminidad, sino más bien con el cumplimiento de mandatos superyoicos. Sabemos que no hay una respuesta única, lo leeremos a posteriori en la singularidad de cada caso
Lacan hace referencia a que las verdaderas mujeres tienen algo de “extravío”. Es allí donde nos encontramos con Medea, quién se despoja de “todo”por amor a un hombre: Jasón. El acto de Medea es en estricta relación a un hombre, por mata a sus hijos y a su amante. No para hacer una apología del acto de Medea, pero es interesante pensar como Lacan la trae para ejemplificar determinados conceptos teóricos con respecto a la feminidad. El acto de Medea no está enmarcado en una lógica fálica sino en una lógica del No-Todo, pasaje a otra lógica que es solidaria de la Posición femenina. En Medea prevalece su deseo femenino más que su deseo maternal y es en ese momento donde se despoja de todo”tener”
imagoagenda.com
Lacan hace referencia a que las verdaderas mujeres tienen algo de “extravío”. Es allí donde nos encontramos con Medea, quién se despoja de “todo”por amor a un hombre: Jasón. El acto de Medea es en estricta relación a un hombre, por mata a sus hijos y a su amante. No para hacer una apología del acto de Medea, pero es interesante pensar como Lacan la trae para ejemplificar determinados conceptos teóricos con respecto a la feminidad. El acto de Medea no está enmarcado en una lógica fálica sino en una lógica del No-Todo, pasaje a otra lógica que es solidaria de la Posición femenina. En Medea prevalece su deseo femenino más que su deseo maternal y es en ese momento donde se despoja de todo”tener”.
ResponderEliminarLa posición de Antígona es distinta, ella se aferra al “tener”, si bien es cierto que tanto Lilita, Antífona como Medea traspasan ciertos límites accediendo de ésta manera una zona desconocida, Antígona no va más allá de las leyes inferiores (nacimientos-casamientos-funerales), más bien es Creonte, quién sufre luego de la hamarita (error de juicio). En los casos de Medea y Lilith, quiebran esa zona, dando cuenta de ese Goce Otro, suplementario
Recapitulando podemos decir que ser mujer no es ser solamente madre, ni histérica, la feminidad va más allá de la maternidad y de la histeria. En realidad histeria y maternidad van de la mano. Quizás por eso Lacan nos advirtió que hay un tratamiento preliminar a todo tratamiento posible de niños, que tiene que ver con el tratamiento de la feminidad. La fascinación del psicoanálisis por la madre durante muchos años produjo un efecto de enceguecimiento, donde quedaron veladas ciertas cuestiones en relación a la sexualidad femenina. La madre tapa a la mujer, podemos escribirla como una ecuación.
Allá por el año 1969 se realiza el congreso sobre “Infancia Alienada”. Durante dos días los psicoanalistas más destacados de la época intercambian ideas sobre el trabajo con niños. A Lacan le llama en sobremanera la atención que nadie en dos días haya pronunciado palabra “Goce”, olvidando que el niño viene a ocupar el lugar de condensador de goce. Lacan responde diciendo que ocuparse de niños nada tiene que ver con la Educación sino con lo “Sexual”.
Entonces cómo pensar lo que anuda una madre a su hijo? El hijo vía ecuación simbólica será el falo añorado, tapando la castración materna, pero esto solo pude ser un momento importantísimo, pero es necesario dejar caer al falito. Más allá o más acá de la ecuación simbólica Niño=Falo podemos comenzar a pensar la locura materna. Cuando un hombre no anuda a su mujer el desencadenamiento de la locura materna puede estar a la vuelta de la esquina. Las consecuencias del amor materno sobre el niño pueden producir estragos si no hay un hombre que acote a su mujer y un padre que vele por su niño, capaz de interceptar la boca de la cocodrilo con una buena estaca que impida que su madre se lo devore, que el código del ADN porte el Nombre del padre. El amor materno es voraz. Pero si esa madre tiene ojos no solamente para su niño sino también para su hombre, el niño podrá ser él y sujeto advendrá. Operó la metáfora paterna no solamente para el niño sino también para la madre. Sabemos que no siempre esto ocurre lamentablemente.
imagoagenda.com / Se puede leer el articulo completo y la bibliografía en el sitio indicado.La rabia o ira femenina de la mujer en el arte, me indican que es imprescindible la lectura de Medea de Euripides y de Antigona de Sofocles.