JUDITH Y HOLOFERNES / MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
Museo del Arte
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Posted: 30 Nov 2012 01:04 AM PST
  
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Según los textos originales de la época, cien años después de que Caravaggio pintara esta tremenda escena, continuaba provocando reacciones de horror y sorpresa entre los visitantes del palacio Zambeccari de Bolonia, donde se encontraba antes de pasar a la Galería Nacional de Arte Antiguo. Acostumbrados hoy día a un lenguaje expresivo diferente, la obra tal vez ha desviado su efecto inicial del horror a la curiosidad. Pero debemos pensar que la captación de una degollación no era tan difícil de contemplar en directo en el siglo XVII, y mucho menos para nuestro artista, frecuentemente involucrado en actividades turbias de los bajos fondos romanos. Caravaggio recurre, como es habitual en su pintura, a un casi forzado realismo, que desnuda el alma de los personajes de la acción ante el espectador. Es imposible no estremecerse ante la firme decisión de la bella Judit, inconmovible ante el terror de Holofernes, el opresor de su pueblo. Con serenidad de estatua, tira de la cabeza del rey para ayudarse en la ejecución, con cuidado de mantenerse apartada de la sangre que mana a chorros como una fuente. La criada, entre espantada e hipnotizada por la acción, espera con un paño recibir el trofeo que habrán de llevar a los ancianos de la ciudad para demostrar la muerte del tirano. La violencia de la acción repercute en las expresiones de los personajes, que ofrecen diferentes versiones de lo que está pasando. El dramatismo se extiende en oleadas de color, desde el rojo agresivo de la sangre que se corresponde con el rojo del cortinaje, hasta el brillo de la espada y el tremendo fogonazo de luz que ilumina el pecho de la heroína del Antiguo Testamento. La manera que Caravaggio empleó para componer tan truculento episodio fue utilizada posteriormente por otros pintores del naturalismo tenebrista.
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Posted: 30 Nov 2012 12:57 AM PST
 
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Se trata de una ilustración del texto de Buenaventura que habla de san Francisco en el monte de la Verna acompañado del hermano León y con algunos pastores. La postura del santo en éxtasis blandamente tendido entre los brazos del ángel y la ausencia de los estigmas indican la voluntad por parte del pintor de dar preferencia al aspecto espiritual del episodio. El santo y el ángel son iluminados en primer plano por una luz mórbida que acaricia los tonos terrosos del color y hace aún más brillantes las veladuras blancas en que se envuelve el ángel.
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Con estas imágenes, tan bien logradas de la pintura de Caravaggio, uno tiene la impresión de estar en el Museo frente a ellas. Son magníficas y no puedo dejar de pensar en la implicación personal del artista en ellas,como haciendo una catársis de su vida, de su historia, ya que su nombre se señalaba con frecuencia en los informes de la policía romana a comienzos del siglo XVII, el de Caravaggio como alguien insolente, irritable y más bien detestado, manejando el insulto, la querella, y la espada, es finalmente condenado al exilio por asesinato.
ResponderEliminarNicolas Poussin lo acusa diciendo: ¿no "vino él al mundo para destruir la pintura"? Imaginar cuadros sagrados y profanos con gente del pueblo, acentuar la presencia física, jugárselo todo por el color y no por el dibujo, estrechar el encuadre, forzar los contrastes luminosos: Caravaggio emprendió una verdadera revolución, que alcanzará a la Europa entera.