lunes, 28 de febrero de 2011

BEN VAUTIER-LA LENGUA NOSTRA


A vuestra voluntad,
para el arte contemporáneo.Acrílico sobre tela
Cortesía Galería de Arte Fioretti-Bérgamo

TENGO DERECHO A SER MALVADO

EL PODER AMA MIRARSE EN SU ESPEJO

BEN VAUTIER-NÁPOLES 1935


Ben Vautier,exponente destacado del movimiento neodadaísta Fluxus teorizado por George Maciunas.Está convencido del predominio de la firma respecto a la obra de arte y,en el despertar de este proceso,realiza una serie de pinturas textuales que reflexionan sobre la naturaleza del arte y del artista.La mayoría son afirmaciones escritas en blanco sobre un fondo negro.A través de estos aforismos,el artista se relaciona con una multiplicidad de temáticas diversas que van desde el poder (Todo es ego),el amor (lo hago por tu bien-no es necesario tener confianza en las palabras),a la muerte(El arte ha muerto viva el arte.Estas sentencias remiten a indagaciones sobre el arte y sobre el ego,convirtiendose en la obra misma.

BEN VAUTIER-(1935)-MUESTRA EN LYON -2010

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viernes, 25 de febrero de 2011

JACOBI(1944) EN EL REINA SOFÍA-ESPAÑA

Una de las obras de Jacoby que pueden verse en el Reina Sofía


Artista visual, sociólogo, compositor de letras de rock, editor, ensayista... no hay etiqueta que se le resista a Roberto Jacoby (Buenos Aires, 1944). Protagonista del conceptualismo en Latinoamérica y figura de referencia para la comunidad artística internacional, Jacoby comenzó su trayectoria creativa en el apogeo del movimiento contracultural del Instituto Di Tella, el mítico centro de investigación que marcó el pulso de las vanguardias argentinas desde mediados de la década del 60 hasta 1970. Durante esos años, indagó en el poder de los medios de comunicación para construir acontecimientos, lo que devino en su famoso «anti-happening», una obra que puso en circulación en los principales periódicos de Buenos Aires el relato de una «performance» que jamás ocurrió.



Cuarenta años después, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía brinda un homenaje a este creador controversial en «Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe», una retrospectiva que repasa una obra impulsada por la denuncia social y política durante los años de la dictadura militar en Argentina. En 1969, en medio del hervidero de un levantamiento popular, Jacoby creó su emblemático «anti-afiche» que, apelando a la hoy clásica imagen del Che Guevara fotografiado por Korda, criticaba la banalización mediática del revolucionario. Con la frase «Un guerrillero no muere para que se lo cuelgue en la pared», esa pieza se convertiría en la seña de identidad de toda una generación seducida por la ilusión del marxismo.



La retrospectiva, comisariada por Ana Longoni, se compone de seis proyectos repartidos en tres espacios e incluye la instalación-performance «Vivir aquí» que el arista presentó en Buenos Aires en 1965. En ella, Jacoby traslada a la galería su vivienda-taller -mobilitario, obras de amigos artistas- para exponer públicamente el momento privado de la creación de obra. En la sala contigua se presenta la instalación «1968 el culo te abrocho», compuesta de 28 impresiones digitales de documentos históricos (páginas de periódicos, afiches) con textos serigrafiados que reproducen desde canciones y poemas hasta citas de Karl Marx.



Denuncia «à lo Jacoby»

Durante la apertura de la exposición, en la que estuvo presente Manuel Borja-Villel, director del museo, Jacoby hizo honor a su fama de «niño terrible». «Aprovecho la presencia de toda la prensa para elevar mi protesta contra Manolo Borja... que me ha llamado artista y luego no me ha permitido pelearme con el museo, no me ha dejado tener ningún conflicto, y nunca me ha dicho que no», dijo. «No estoy acostumbrado a ésto, por lo general las cosas que hacía terminaban en algún conflicto importante. Pero en esta ocasión todos han contribuido a hacer quedar mal mi imagen de rebelde», agregó, mientras el público reía.



Sin embargo, las creaciones de Jacoby no han perdido un ápice efectividad para encender polémicas y debates acalorados. El año pasado, durante la Bienal de San Pablo, los organizadores de la muestra censuraron parcialmente su instalación «El alma nunca piensa sin imagen». La obra, que recreaba una tribuna electoral, con piezas de campaña y las fotos de la candidata —y ahora presidenta de Brasil— Dilma Rousseff y del aspirante opositor José Serra, fue cubierta por recomendación de la justicia de ese país que la consideró una forma de propaganda política prohibida en víspera de las elecciones. Jacoby dice que no ya no es más un artista. «Ahora solo produzco en respuesta a una demanda social». Tan vital y revulsivo como hace cuatro décadas, algo nos dice que pronto oirá nuevamente el grito de demanda que despierta al creador.



La exposición «Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe» estará abierta desde el 25 de febrero al 3 de mayo de 2011 en Espacio Uno, Sala Bóveda y Sala Protocolo del Edificio Sabatini.






miércoles, 23 de febrero de 2011

WAGNER-PARSIFAL(SYBERBERG 1981)

Hans-Jürgen Syberberg o el furor teutónico






"Redujiste a cenizas Berlín y Viena... Nos arrebataste las puestas de sol de Caspar David Friedrich... Todo lo demás lo ocupaste y contaminaste. Todo: el honor, la fidelidad, la vida rústica, la pasión por el trabajo, el cine, la dignidad, la patria... ¡Te felicito!" Syberberg dirigiéndose a una marioneta de Hitler en su film Hitler, un film de Alemania





Hans-jurgúen Syberberg
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Syberberg (1935) representante del Nuevo cine alemán,planteaba la discontinuidad entre la relación de la imagen y la banda sonoro.Su obsesión es restar autoridad a la imagen para que ésta "comente al sonido" y no que ocurra lo contrario.Sonido recargado por textos,recitados,ruidos y música de Wagner,Mahler y Mozart entre otros.Así Syberberg llega a decir que la tentativa de división en dos es para distribuir una multiplicidad que no es representable en una sola forma.Toda la filosofía de Foucault es una pragmática de lo múltiple.
http://www.martha-fonosema.blogspot.com/

martes, 22 de febrero de 2011

MARÍA ELENA WALSH- LOS CASTILLOS-ALMA TADEMA-ASK ME NO MORE

www.googleartproject.com
Los castillos se quedaron solos,


sin princesas ni caballeros.

Solos a la orilla de un río,

vestidos de musgo y silencio.



A las altas ventanas suben

los pájaros muertos de miedo.

Espían salones vacíos,

abandonados terciopelos.



Ciegas sueñan las armaduras

el más inútil de los sueños.

Reposan de largas batallas,

se miran en libros de cuentos.



Los dragones y las alimañas

no los defendieron del tiempo.

Los castillos están solos,

tristes de sombras y misterio.



María Elena Walsh

lunes, 21 de febrero de 2011

LAWRENCE ALMA TADEMA

Poema Freudiano
Una noche después
soñé que eras mi padre
reclinabas tu cabeza en mi pecho
y eras también mi hermano
Cómo en un ábaco
pasabas las cuentas de mi gargantilla.
Eva Macías,(México,1944)

LAWRENCE ALMA TADEMA

Artista inglés nacido en Holanda (1836-1912).Se convirtió en uno de los pintores más famosos del período victoriano.En 1899 se le concedió el título de Sir.Tras una visita a las excavaciones de Pompeya,se interesó por la civilixación griega y romana plasmando en sus obras el modo de vida de éstas,para ello se inspiró en un clasicismo de formas que rehusa el drama.

TATE GALLERY

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La Tate Britain,conocida anteriormente como Tate Gallery,es una de las instituciones artísticas más prestigiosas de Gran Bretaña.Está situada cerca del Parlamento de Londres,en la orilla del río Támesis,y alberga una magnífica colección de pintura británica desde la dinastía de Tudor hasta nuestros días.La pintura renacentista y barroca fue muy escasa en Inglaterra.La tradición pictórica no contó allí con el impulso creativo que se había desarrollado en países cono Italia y Flandes.Se desarrolló allí el gusto por el retrato miniaturista.Se destaca la figura de Nicholas Hilliard.La pintura barroca de Van Dyck influyó en el arte del retrato inglés.A finales del siglo XVIII comenzó a establecerse una estrecha relación entre la pintura y literatura,hay que destacar por su gran individualidad a William Blake,cuyas obras representan las primeras manifestaciones románticas.Incursionaron en la pintura del paisaje,con pintores como John Constable y Joseph Mallord William Turner.En el uso de la acuarela se destacó David Cox.Fue importante además la pintura histórica.Otros artistas se centraron en la cuestión intimista.Tomas Webster fue un importante continuador.

miércoles, 16 de febrero de 2011

ART PROJECT-STREET VIEW OF THE NATIONAL GALLERY

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En la National Gallery de Londres,podemos apreciar la obra de Holbein,y de admirar obras de   Uccello,Fra Angélico,Boticcelli,Piero de la Francesca.Rafael y Leonardo junto con las de artistas flamencos como Van der Weyden o Van Eyck y a ellas se suman pinturas de Caravaggio,Rubens,Rembrandt,el Greco y Velázquez por citar algunos nombres,entonces la experiencia se convierte en algo extraordinario.
FUENTE-Dra Lourdes Cirlot
Catedrática de Historia del Arte
de la Universidad de Barcelona

HANS HOLBEIN (EL JOVEN) "LOS EMBAJADORES"NATIONAL GALLERY-LONDRES

Esta obra del artista holandés Hans Holbein (1497-1543) es uno de los retratos de cuerpo entero y tamaño natural más tempranos del primer Renacimiento en Holanda.Se trata de dos diplomáticos cultos,el que aparece en la zona izquierda es Jean de Dinteville,noble francés enviado a Londres en calidad de embajador,mientras que el retrato a nuestra derecha es George de Selve,un notable estudioso del mundo clásico.Ambos aparecen representados con diversos elementos que nos proporcionan información acerca de sus personas.La alfombra turca que cubre el mueble es una muestra del gusto del artista por los detalles.La cortina verde que hay detrás actúa como marco en el que se desarrolla la escena.El suelo de mosaico recuerda el pavimento medieval de la Abadía de Westminster. En el segundo estante hay un globo que deja ver el lugar donde Jean de Dinteville poseía un castillo,Polisy.Asimismo la vaina de su daga nos muestra los años que tiene,veintinueve.Georges de Selves tiene su codo apoyado sobre un libro,en el que tambien figura su edad veinticinco años.Hay un extraño cuerpo al pie de los personajes.El visitante avanza para ver las cosas más de cerca.Desconcertado el visitante se retira por la puerta de la derecha,da vuelta la cabeza para arrojar una última mirada sobre el cuadro,y aquí aparece la figura oculta.En lugar del esplendor humano,ve el cráneo.Los personajes y todo su aparato científico se desvanecen y en su lugar aparece el signo del Fin.Los procedimientos de la ilusión óptica,la perspectiva y el trompe-l oeil,demuestran las especulaciones de los filósofos de la época y de los estudios de la perspectiva,de Durero,Alberti y otros.Todas las combinaciones anamorfóticas que hacen surgir y desaparecer las figuras por medio de dilataciones ópticas son una demostración geométrica de su falsedad.La perspectiva geometral es asunto de demarcación del espacio,no de la visión.Lacan realiza un estudio de este cuadro en su Seminario 11,y en la pag.103 nos dice "Lo que es luz me mira y,gracias a esa luz en el fondo de mi ojo algo se pinta..es impresión,chorro,la mirada siempre es un juego de luz y de opacidad,sólo soy algo en el  cuadro por ser un sujeto deseante y cuando soy mancha."
Cristo Sufriente
Hans Holbein

sábado, 12 de febrero de 2011

ART PROJECT-STREET VIEW OF UFFIZI GALLERY

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En sus salas pueden apreciarse obras del Quattrocento como el "Díptico de Montefeltro"de Pierro de la Francesca."La Primavera" de Sandro Botticeli o "La batalla de San Romano"de Uccello,del Cinquecento,el Tondo Dondi de Miguel Angel o la "Venus de Urbino"de Tiziano.Además el Baco de Caravaggio.Es la colección de arte más completa de Italia y una de las más importantes del mundo.

miércoles, 9 de febrero de 2011

martes, 8 de febrero de 2011

googleartproject-Reflexiones sobre "El regreso del hijo pródigo"de Rembrandt


La vuelta del hijo pródigo



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                            "La vuelta del hijo pródigo"
                                                    262 x 265 cm. Óleo sobre tela 
Muchos lo considera un testamento espiritual del artista.Rembrandt cayó enfermo y al mismo tiempo fue abandonado por sus seres queridos:familia y amigos En esta tela Rembrandt convoca al espectador a la escena de un abrazo de un anciano y un mendigo andrajoso.La escena se completa con la presencia unos testigos cuyo semblante es de asombro,y por el aspecto parecen ser conocidos del anciano.Se distinguen los agujeros de las ropas harapientas y las arrugas del pie desnudo.La luz es una de las grandes protagonistas de la obra,pues incide de forma directa sobre el vagabundo y el anciano.

REMBRANDT EN GOOGLEARTPROJECT

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Rembrandt (Harmenszoon van Rijn) 1606-1669
Pintor y grabador holandés.Nació en el seno una familia de clase media holandesa y,tras cursar estudios en Leiden,comenzó a trabajar en 1621 en el taller de Jacob van Swanenburgh.Entre 1624 y 1625 prosiguió su aprendizaje en Amsterdan,en el taller del pintor Pieter Lastman,de quien recibió la influencia de Caravaggio y Eisheimer.

domingo, 6 de febrero de 2011

MARCEL DUCHAMP

"En 1913,tuve la feliz idea de atar
una rueda de bicicleta a un taburete
de cocina y verla rodar...En Nueva York en 1915,en una ferretería
compré una pala para la nieve en la que escribí "in advance of the broken arm"(en previsión de un brazo partido).Fue alrededor de esa fecha cuando pensé en el término ready-made para designar esta forma de manifestación.Un punto que quiero señalar particularmente es que la selección de estos ready-made nunca estuvo dictada por un deleite estético,sino que se basó en una reacción de indiferencia visual combinada con una ausencia total de buen o mal gusto...,en resumen de una anestesia total."
MARCEL DUCHAMP

Formato de Archivo:PDF Conversaciones con Marcel Duchamp  Buscador de Google

MARCEL DUCHAMP,SU PASO POR BUENOS AIRES, ARGENTINA


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Pequeño Vidrio- Obra realizada en Buenos Aires, ciudad en la que permanece 9 meses en 1918-1919
Gran Vidrio-
Marcel Duchamp (Replica by Ulf Linde, Henrik Samuelsson, and John Stenborg)
La Mariée mise à nu par ses Célibataires, même [The Large Glass], 1915-23 / 1991-92
(La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso [El gran vidrio])
Óleo y alambre de plomo sobre vidrio
321 x 204,3 x 111,7 cm
Moderna Museet, Estocolmo
© Sucesión Marcel Duchamp, 2008, ADAGP/Paris, AUTVIS/Sao Paulo
Nota: En la fotografía se observan, en el entorno del Gran vidrio, los readymades: Air de Paris; Pliant… de voyage, y Fountain, también presentes en la exposición
© Fotografía: Moderna Museet, EstocolmoMuestra que se realizó en PROA EN NOVIEMBRE DE 2008, HASTA FEBRERO DE 2009
Estereoscopía de la mano- está en el vídeo
Duchamp estableció que el arte reside en el ojo del espectador.Desplazó la atención en el contexto del arte,del plano de lo visual hacia el objeto,lo introduce como objeto confeccionado,preparado,ready made.Tocar por primera vez este punto del objeto,conduce a todos los objetos de la sublimación que pueden venir al lugar del objeto perdido.El  sujeto (espectador) desconoce lo que pierde en lo que cree ser contemplación,el objeto escópico,la mirada que reclamaba Duchamp para lograr "un coito visual"entre el espectador y la obra de arte.Ese objeto escópico inmanente a la pulsión,que Lacan va delineando a lo largo de sus seminarios reconoce que "el sujeto no sabe que objeto es para el Otro"es la parte escondida de la visión,ésa que es puro desconocimiento;el objeto causa del deseo.Entonces ¡qué me quiere el Otro? quiere mi castración,precisamente que ceda el objeto,una parte de mí mismo que es para siempre irrecuperable.No hay
complementariedad.No se forma -un todo-No hay relación sexual.
Rueda de bicicleta 1913
(réplica de 1064)
Jacques -Alain Miller-La Angustia:Introducción al Seminario 10 de de Jaques Lacan,España 20

MARCEL DUCHAMP-DEL READYMADE AL OBJETO-PRECURSOR DEL ARTE CONCEPTUAL

Secador de botellas-1914-1921
 hierro galvanizado.
Artista franco estadounidense Marcel Duchamp está considerado como uno de los innovadores más destacados del siglo XX,Irritado por el dogmatismo de la vanguardia cubista,ya en 1913,empezó a cuestionarse el arte, basado exclusivamente en lo visual.Éste botellero adquirido en una tienda de París,lo declaró obra de arte."Les he tirado a la cara el secador de botellas y el urinario y ahora los admiran por su estética.La genialidad de Ducham,consistió en quitarle "el útil al objeto"y declararlo objeto estético.inaugurando las vanguardias del siglo XX.Triunfo de lo trivial sobre lo sublime.Gran infuencia en el surrealismo.
http://www.proa.org/
http://www.googleartproject.com/

MARCEL DUCHAMP-BLAINVILLE-SUR-CREVON -28 DE JULIO DE 1887-NEUILLY SUR SEINE-2 DE OCTUBRE DE 1968-FRANCIA

En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes. Sin informar a nadie, el propio Duchamp envió para exponer en esa exposición este urinario de porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al jurado y el incidente causó un escándalo que sacudió al mundo del arte.


Con esta actitud provocadora Marcel Duchamp quiso mostrar su desilusión ante las formas tradicionales del arte, pintura y escultura, como medios de expresión, y su rechazo ante la idea de que el arte y el artista tienen una "naturaleza especial" distinta a la de los hombres y objetos ordinarios. Su gesto de enviar a la exposición un producto comercial fabricado en serie y firmado por un "artista" inexistente, se opone radicalmente a la sacralización de la obra de arte como "creación única e irrepetible", salida de las manos de un "genio". Este desafío "antiartístico" proponía romper con las barreras del arte y ampliar sus horizontes. En la defensa de su Fuente, Duchamp escribió:



Si el Sr. Mutt construyó o no con sus propias manos la Fuente no tiene ninguna importancia. Él la ELIGIÓ. Tomó un objeto de la vida diaria, lo reubicó de manera que se perdiera su sentido práctico, le dio un nuevo título y punto de vista y creó un nuevo significado para ese objeto.





El concepto artístico que Duchamp postula con obras como Fuente es el del ready-made, es decir "lo ya hecho" u "objeto encontrado". Es decir que encuentra objetos manufacturados que descontextualiza de su entorno común y a los que les otorga una nueva identidad. Con ello, Duchamp ubica la esencia del acto artístico en la IDEA y selección del objeto, no en la creación ni en la imagen visual de la obra. De este modo, el artista se libera de la manualidad y, por ende, de la técnica, que la tradición artística entendía como indisolubles del acto creador.



En su momento, y quizá todavía, obras como ésta se tomaban como una agresión. Marcel Duchamp usó este tipo de violencia para combatir las ideas convencionales del arte. Su actitud coincide con el movimiento dadaísta (Zurich,1916), en donde se cuestiona la validez del arte mismo. Duchamp y los dadaístas buscaron demoler las barreras entre el arte y la vida, declarando que cualquiera podía ser un artista y cualquier cosa podía convertirse en una obra de arte.

http://www.wikipedia.org/