domingo, 30 de septiembre de 2012

RETRATOS-REFLEXIONES SOBRE ESTE GÉNERO

Saura- Retrato impensado de Tintoretto
Magritte, La violación", 1934"Autorretrato" (1912-1960), de Severinihttp://www.abc.es/20120930/cultura-arte/abci-retratos-201209262051.html
Leonardo da Vinci/ 1452-1519-Cabeza de un hombre tocado con una boina-sXV-Museo del Louvre(París)
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Linda, 1975-76

sábado, 29 de septiembre de 2012

EL RETRATO DE LOS SIGLOS XIX Y XX

www.artehistoria.com

RETRATO DEL DUX LEONARDO DE LOREDAN POR GIOVANNI BELLINI

Retrato del dux Leonardo Loredan hacia 1501-4 realizado por Giovanni Bellini (hacia 1435-1516)-Óleo, probablemente con algo de temple al huevo, sobre chopo.Se encuentra en The National Gallery, en Londres.
Lo traigo, porque es uno de los retratos que más me ha impresionado, en principio por la luz que irradia su mirada, se nota cierta asimetría entre un lado y otro del rostro, el lado derecho iluminado, es más severo y el izquierdo en sombra más benevolente. Uno se pregunta, frente al retrato ¿a quién mira?,y es la mirada del pintor que vaga como objeto desprendido;  y además con deseos de fijarse detrás,de uno( creo que  hice el gesto) para ver si alguien está mirándolo. La fuerte direccionalidad de la iluminación y los puntos de luz (reflejos de la fuente luminosa) en los ojos de Loredan hacen pensar que está mirando el sol. Para reflejarse así el sol tiene que estar bastante bajo en el cielo-aunque a juzgar por su color, todavía no se está poniendo.
Giovanni Bellini era hijo de un pintor, Jacopo, y hermano de otro Gentile. Los tres formaron una dinastía artística en Venecia, y tuvieron muchos encargos oficiales. Su hermana se casó con un joven artista que empezaba a despuntar, Andrea Mantegna.
Este famoso retrato probablemente se hizo poco después de la elección  de Leonardo Loredan (1436-1521) como dux, es decir cabeza de la república de Venecia. El dux aparece con la capa y el sombrero puntiagudo del traje ceremonial, confeccionado en un material nuevo, el damasco, tejido con hilos de oro, y cuyo efecto brillante ha representado Giovanni  Bellini al dejar la superficie de la pintura deliberadamente rugosa. Inspirado en parte por los retratos de bustos esculpidos en la antigua Roma y, en parte, por los retratos pintados en los Países Bajos.
Fuente: Erika Langmuir, Guía -The Nacional Gallery
http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato

viernes, 28 de septiembre de 2012

EL RETRATO ES UN JUEGO TURBIO ENTRE MODELO Y PINTOR


El retrato es un juego turbio entre modelo y pintor"

La exposición Retratos de la Fundación Mapfre abre sus puertas este miércoles con pinturas del Centro Pompidou. Hablamos con el comisario, Jean-Michel Bouhours.

Laura MARTÍN | Publicado el 24/09/2012

La Fundación Mapfre presenta desde este miércoles la exposición Retratos. Obras maestras del Centre Pompidou, comisariada por Jean-Michel Bouhours, conservador del centro francés, de cuya colección permanente proceden las 80 obras que conforman la muestra, que podrá verse hasta el 6 de enero. Los cuadros, seleccionados de forma temática, según cuenta Bouhours a elcultural.es, se exhiben cronológicamente en el museo de arte moderno parisino, pero el comisario quería inventar otro contexto de aquel al que está acostumbrado.

No ha sido fácil seleccionar las piezas de entre las 5.000 de que dispone el Centro Pompidou. Sin embargo, la idea de realizar una muestra exclusivamente de retratos refleja la importancia de este género en la historia de la pintura. La exposición se inicia con el retrato de Erik Satie realizado por Suzanne Valadon entre 1892 y 1893, y se cierra con La marroquí, de John Currin (2001). "El retrato es un juego turbio entre modelo y pintor, un juego de miradas, de seducción y dialéctica", comenta Bouhours. "Es un tipo de arte que perpetúa su relación con aquel que lo contempla". El planteamiento es situar al espectador en el lugar del pintor, que mire el cuadro desde los ojos de su creador.


Retrato de mujer, de Pablo Picasso

"En el periodo del futurismo, el cubismo, las vanguardias del siglo XX encontramos una fuerte conmoción, quizás el cambio más radical de la historia de la pintura. La representación de la naturaleza, sobre todo de la personalidad humana, se transforman, los tabús de la sociedad occidental se rompen", explica. "Hay un cuestionamiento de la filosofía, y en el cubismo se sacraliza el rostro". Cuando Picasso pintó Las señoritas de Avignon, el elemento que más chocó a la sociedad de la época fue el tratamiento de la cara, no el espacio o la forma. "Lo que se estaba tratando era un ser humano, había una humanidad" detrás de esa deformación.

La muestra incluye obras del citado Pablo Picasso, Henri Matisse, Francis Bacon, Joan Miró, Amadeo Modigliani y Robert Delauney, entre otros. Bouhours destaca la presencia de un retrato de Renoir realizado por Picasso, y Le tourangeau, de Juan Gris, posiblemente, dice con la boca pequeña, algunos de sus favoritos. Uno de los objetivos de la exposición es mostrar los puntos comunes del retrato, uno de los temas pictóricos más metafísicos, a lo largo de épocas tan diferentes.


Autorretrato, de Francis Bacon

El comisario vuelve a España en primavera, con una muestra sobre Salvador Dalí que abrirá en noviembre en el Pompidou y se trasladará al Reina Sofía en abril. Este es un proyecto por el que Bouhours se siente particularmente ilusionado, pues en el museo de arte moderno parisino no se ha dedicado una exposición al pintor catalán desde 1979, hace 33 años. Resulta paradójico, declara, que uno de los maestros más importantes del siglo XX esté tan ausente del panorama francés. Dalí, además, fue un personaje muy popular en la Francia de los años 70, quizás incluso más que Picasso. Para las nuevas generaciones, sin embargo, está menos presente, de modo que el homenaje en el Pompidou es una invitación a releer la obra de Dalí, y de aprehender el conjunto de su carrera.elcultural.com-enviado por arteinformado.com

miércoles, 26 de septiembre de 2012

PROA T.V. EN ARTE BA 2012.ENTREVISTA AL ARTISTA ARGENTINO EDUARDO BASUALDO

Eduardo Basualdo , artistas argentinos que participarán en  la Bienal de Montevideo, 2012

EL SILENCIO DE LAS SIRENAS 2011-INSTALACIÓN, EDUARDO BASUALDO

El silencio de las sirenas 2011
Instalación
Paisaje de fibra de vidrio, aguas negras,
que inundan y drenan alternativamente.

martes, 25 de septiembre de 2012

BIENAL DE MONTEVIDEO 2012-PROMOCIONAL 1

Bienal de Montevideo 2012. Promocional 1-
Bernardo Oyarzún

Juan Burgos

BIENAL DE MONTEVIDEO(URUGUAY), 23 DE NOVIEMBRE AL 30 DE MARZO


Más de la mitad de los artistas convocados a la Bienal de Montevideo son iberoamericanos

24 Septiembre de 2012

Más de la mitad de los artistas convocados a la Bienal de Montevideo son iberoamericanos

Hall Central del Banco República
De los 45 artistas, cuyos nombres se han desvelado ya como participantes en la próxima primera edición de la Bienal de Montevideo, más de la mitad -25- son iberoamericanos, entre los que destacan 10 uruguayos, 3 brasileños y dos, respectivamente, de Argentina, Chile y España. Además, el comisario de la bienal, el brasileñoalemán Alfons Hug, ha convocado también a 5 artistas alemanes, 3 franceses y dos italianos, entre otros elegidos de un total de 24 países. Según se ha hecho público esta semana (ver el video de presentación), la I Bienal de Montevideo -cuya celebración y equipo directivo se anunció ya a finales del pasado año- tendrá lugar entre el 23 de noviembre y 30 de marzo próximos, ocupando como sede principal el hall de la Casa Central - Banco República del Uruguay, un edificio cuya planta principal suma 3.000 m. cuarados y que ha sido desafectado de su función financiera, teniendo previsto su utilización, tras la bienal, como museo de modo permanente. A él se añadirán un edificio anexo del mismo banco, sobre la calle Zabala, donde se trabajará con el arte vinculado al video, además de la iglesia de San Francisco (donde habrá una instalación sonora) y una cuarta sede, localizada en el Edificio Atarazana.
Entre los artistas seleccionados y publicados (la lista final podría crecer hasta cerca de los 60), la mayoría nacieron con posterioridad a 1962 (tienen menos de 50 años) y, al menos ocho nacieron con posterioridad a 1980, mezclándose los de reconocida trayectoria con otros que están en los albores de su carrera, tal y como puede comprobarse por la información de cada uno de ellos reunida por ARTEINFORMADO que se acompaña a continuación y que puede completarse pinchando sobre cada uno de los enlaces:
Afganistán:
** Lida Abdul (Afganistán, 1973). En España ha expuesto con Horrach Moyà.
Alemania:
** Gunda Förster (Alemania, 1967)
** Christian Jankowski (Alemania, 1968). Representado, entre otras, por las galerías Lisson Gallery (Londres) y Proyectos Monclova (México).
** Kitty Kraus (Alemania, 1976)
** Julian Rosefeldt (Alemania, 1965). En España ha expuesto con las galerías Helga de Alvear (2008) y Leyendecker (2009), además de en el Domus Artium 2002 (DA2) de Salamanca.
** Christoph Schlingensief (Alemania, 1960 - 2010). Representó a Alemania en la 54 Bienal de Venecia (2011), donde fue premiado con el León de Oro.
Argentina:
** Eduardo Basualdo (Argentina, 1977). Representado por Ruth Benzacar (Buenos Aires).
** Marina De Caro (Argentina, 1961). Representada por Ruth Benzacar (Buenos Aires).
Australia:
** Angelica Mesiti (Australia, 1976)
Brasil:
** Dias & Riedweg (Maurício Dias -Rio de Janeiro, 1964- y Walter Riedweg -Lucerna, 1955-). Representados, entre otras, por las galerías Filomena Soares (Portugal), Galería Vermelho (Brasil) y Sicardi Gallery (Texas).
** Paulo Nazareth (Brasil, 1977). Está representado por la galería brasileña Mendes Wood.
** Guilherme Peters (Brasil, 1987)
Chile:
** Cristóbal León & Joaquín Cociña (Chile, 1980). Colaboran desde 2007 y están representados por la holandesa Upstream Gallery. Cociña está también representado por la Galería Afa de Chile.
** Bernardo Oyarzún (Chile, 1963)
China:
** Yang Xinguang (China, 1980)
Cuba:
** Reynier Leiva Novo (Cuba, 1983)
EE.UU.:
** Mark Dion (USA, 1961)
España:
** Olmo Blanco (España, 1982). Ha expuesto repetidas veces con Galería Metro arte contemporánea (Santiago de Compostela, A Coruña).
** Mireya Masó (España, 1963). Hasta su desaparición, fue representada por la galería valenciana Tomás March. En 2010 expuso en el Centro Cultural de España de Montevideo.
Francia:
** Bertille Bak (Francia, 1983)
** Céleste Boursier-Mougenot (Francia, 1961)
** Camille Henrot (Francia, 1978)
Grecia:
** Yorgos Sapountzis (Grecia, 1976). En 2010 tuvo una individual en el MUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.
Italia:
** Alberto Maria D'Agostini (Italia)
** Luca Vitone (Italia, 1964 - vive en Berlín)
México:
** Jorge Satorre (México, 1979 - vive entre Barcelona y París). Está representado por la galería mexicana LABOR.
Nicaragua:
** Rolando Castellón (Nicaragua, 1937 - vive en Costa Rica).
Panamá:
** Humberto Vélez (Panamá, 1965 - vive entre Londres y Río de Janeiro)
Perú:
** David Zink-Yi (Perú, 1973 - vive en Berlín). Entre otras galerías, está representado por la chilena González y González.
Portugal:
** Gabriela Albergaria (Portugal, 1965 - vive entre Lisboa, Berlín y Nueva York). Representada por las galerías Vera Cortês Art Agency (Portugal) y Galería Vermelho (Brasil).
Reino Unido:
** Darren Almond (Inglaterra, 1971). En Uruguay ha expuesto con Xippas Arte Contemporáneo Montevideo.
Rusia:
** Galina Myznikova / Segey Provorov (Rusia)
Sudáfrica:
** Guy Tillim (Sudáfrica)
Tailandia:
** Navin Rawanchaikul (Tailandia, 1971)
Taiwán:
** Chen Chieh-Jen (Taiwán, 1960). En 2008 tuvo una individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). El mismo año expuso con Galería La Fábrica de Madrid, en cuya nómina de artistas sigue figurando.
Uruguay:
** Javier Abreu (Uruguay, 1980)
** Alonso + Craciun (Sebastián Alonso -Montevideo, 1972- y Martin Craciun -Montevideo, 1980-).
** Juan Burgos (Uruguay, 1963)
** Yamandú Canosa (Uruguay, 1954 - vive en Barcelona). Representado por Rafael Ortiz (Sevilla).
** Tamara Cubas (Uruguay, 1972)
** Alberto Lastreto (Uruguay, 1951)
** Cecilia Mattos (Uruguay, 1958)
** Dani Umpi (Uruguay, 1974)
** Pablo Uribe (Uruguay, 1962)
www.arteinformado.com

lunes, 24 de septiembre de 2012

ARTE ABORÍGEN AUSTRALIANO

Los elementos iconográficos y estilísticos  que datan de las glaciaciones, siguen utilizándose en el arte contemporáneo australiano, lo que lo convierte en la tradición artística continua más longeva del mundo. Hacia mediados del siglo XX habían surgido dos importantes movimientos artísticos modernos: uno de ellos abarcaba varias escuelas en la Tierra de Arnhem y el otro situado en la misión luterana de Hermansburg.
En Papunya en Australia Central a partir de 1980 se desarrolla  un movimiento basado en la pintura acrílica y fue aceptado como parte integrante del arte contemporáneo. Geoffrey Bardon (1940-2003)anima a los artistas aborígenes a pintar en sus estilos tradicionales. Consigue vender con éxito las obras en Alice Springs. En 1972 se funda la cooperativa Papunya Tula Artists Pty Ltda. En 1979 al arte aborígen de la Tierra de Arhenm, en forma de pinturas sobre cortezas de árbol es incluído por primera vez en la Bienal de Sidney,En 1988 Una gran exposición de arte aborígen titulada "Dreamings" abre sus puertas en Nueva York. En 1989 La pintura terrestre de Waripiri es exhibida en la exposición "Magos de la Tierra" celebrada en París y es bien recibida por la crítica. En 1997 Johnny Warangkula Tjupurrula(1925-2001) establece un récord en el arte aborígen al vender " Water Dreaming at Kalinpinypa" por 210.000 dólares. En 2005 el arte de John Mawunrndjul es expuesto en el Museo Tinguely de Basilea.
La cooperativa Papunya Tula sigue siendo el centro de arte aborígen más potente de Australia y desde la década de 1990 ha producido
algunas de las obras de arte abstracto más irresistibles del mundo.Rover Thomas Joolama usaba pigmentos naturales de la tierra y resina de arbusto sobre lienzo.Fueron importantes los grandes diseños cartográficos de los hermanos Tjapaltjarri, Tim Leura (1929-1984) y Clifford Possum.
Fuente ARTE Toda la Historia, Stephen Farthing y Richard Cork-www.contrapunto.cl
"Arte y Antropología", José Alcina Franch,Alianza Forma, Madrid 2004
Máscara
Australia-isla Mabuiag-finales del siglo XIX  The Metropolitan Museum of Art
Corteza de eucalipto, decorada. Estas figuras forman verdaderos libros, de los que cada corteza representa un episodio. Según una técnica atávica los aborígenes de Australia pintan sobre grandes cortezas de eucalipto. Los aprecié en el Museo del muelle de Branly en París.

sábado, 22 de septiembre de 2012

MÚSICA TRADICIONAL INDÍGENA DE AUSTRALIA


Música tradicional indígena de Austral

Música tradicional indígena de Australia

ARGENPRESS CULTURAL

Se llama música indígena australiana a aquella producida por los aborígenes australianos y los isleños del Estrecho de Torres, que habitan esas tierras desde hace varios milenios, por lo menos 40.000 años, o quizá más.

La cultura a que han dado lugar estos pueblos se encuentra en estrecha armonía con su medio ambiente, del que se sienten parte (¿acaso los occidentales no lo somos también?). En esa lógica de compenetración, la música es una imitación de los sonidos naturales del medio que habitan. El instrumento característico de esta producción es el didgeridoo.

El didgeridoo (o didjeridu) es un instrumento de viento que se cree pueda ser el aerófono más antiguo del mundo. No hay fuentes confiables que indiquen su edad exacta. Los estudios arqueológicos de arte rupestre en el norte de Australia sugieren que la gente del Kakadu, región del Territorio del Norte, ha estado utilizando el didgeridoo por menos de 1.500 años, en base a la datación de las pinturas en las paredes de cuevas y refugios de este período. A pintura de la roca clara en Ginga Wardelirrhmeng, en el extremo norte de la Tierra de Arnhemmeseta, desde la época de agua dulce muestra a un jugador didgeridoo y dos Songmen que participan en una ceremonia de Ubarr.

Generalmente mide entre 1,2 y 1,6 metros de largo, y se fabrica a partir de una rama o el tronco de un árbol, cuyo interior ha sido devorado por las termitas y está hueco. La parte más complicada es encontrar el árbol que sirva para fabricar este instrumento. El hueco que hayan dejado las termitas no puede ser ni muy grande ni muy pequeño ya que esto convertirá al instrumento es defectuoso. Se quita la corteza del tronco y la madera se limpia con un palo o carbón caliente y se decora con dibujos. En tiempos modernos, se aplica un borde grueso de cera de abeja a la boquilla para asegurarse de que se forma un cierre hermético. Pero tradicionalmente no era el caso.

La palabra 'Didgeridoo' se considera un término onomatopéyico de invención moderna, basada en el sonido grave y resonante que el instrumento produce. El didgeridoo es un instrumento poco común por el hecho de que se toca haciendo vibrar los labios de manera continua, y para perfeccionar el método hay que aprender una técnica de respiración especial llamada respiración circular. Esto requiere el inspirar a través de la nariz al mismo tiempo que se expulsa el aire por la boca utilizando las mejillas y la lengua. De esta forma, un músico experimentado puede reponer el aire en sus pulmones sin romper la nota. Para cuando el aire en la boca está a punto de terminarse, el músico puede comenzar a expirar desde los pulmones de nuevo, dispuesto a repetir el proceso. Con práctica, un músico puede mantener la nota todo el tiempo que lo desee.

El didgeridoo es una parte integral de la vida ceremonial, y acompaña a cantantes y bailarines en los rituales religiosos. Las baquetas establecen el ritmo de las canciones y el ritmo del didgeridoo y el de las baquetas es muy preciso. Estos ritmos han sido pasados de generación a generación. Sólo los hombres tocan el didgeridoo y cantan durante las ceremonias religiosas, mientras que mujeres y hombres bailan. Esto no significa que sea tabú para las mujeres el tocar un didgeridoo, es sólo un mito. De hecho, ha habido algunas mujeres aborígenes que han conseguido el éxito tocando el didgeridoo. Pero durante una ceremonia esto se tiene que dejar para los hombres de la tribu.

Dejamos aquí alguna muestra de esta bella música.




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viernes, 21 de septiembre de 2012

GALERÍA GAGOSIAN EN ART RÍO 2012


Gagosian París director Serena Cattaneo en ¿Qué atrajo a la Supergallery a ArtRio

Foto por Ala D'Amico
Una de las galerías de arte más importantes del mundo,  Gagosian , es un punto culminante deArtRio 2012 , que abrió sus puertas a los invitados especiales el miércoles, y al público el jueves en Río de Janeiro. Con sede en Nueva York, donde la Gagosian abrió por primera vez en 1980, la galería - que ahora cuenta con 12 localidades dispersas en siete países - hará su debut en el hemisferio sur en la feria de arte de Río. En el pasado, la galería ha participado en ferias en Nueva York, Miami, París, Londres, Basilea, y Hong Kong. Fundador  Larry Gagosian  es bien conocida como una de las figuras más influyentes en el mundo del arte contemporáneo.
En vísperas de la aparición de la galería en ArtRio, Serena Cattaneo , director de Gagosian París, habló con ARTINFO Brasil sobre la participación de la galería en ArtRio.
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¿Por qué Brasil y por qué ahora?
En los últimos tres o cuatro años, ha habido un aumento general de la conciencia sobre la escena artística brasileña. Personalmente, siempre me he sentido atraído por Brasil y su producción artística. Creo que hay conexiones entre el arte brasileño que se toman hoy y el movimiento Arte Povera, el vocabulario del que está muy cerca de lo que estudié. Sin embargo, para la galería, el punto de inflexión fue la exposición en París, "Brasil: La reinvención de la Moderna", señaló que muchos coleccionistas brasileños.
¿Era esa la primera vez que la Gagosian mostraron arte brasileño?
Sí, fue la primera muestra de arte brasileño en la Gagosian. Fue increíblemente bien recibido por la prensa, tanto a nivel nacional como internacional. Muchos comisarios europeos visitaron la feria, a pesar de que en ese momento, el arte brasileño era menos conocido en Europa. Siempre he creído que es importante mostrar a los artistas neo-concreto en Francia debido a que muchos de ellos vivían en o pasado a través de París. Hubo mucho interés en el espectáculo, dos coleccionistas compraban obras que fueron donadas a instituciones públicas, que, por supuesto, es un resultado ideal.
Gagosian tiene 12 galerías repartidas por todo el mundo. ¿Cuándo comenzará esta expansión? ¿Es este tipo de internacionalización de una tendencia en el mercado del arte?
Los coleccionistas no van a Nueva York como los de antes. Estados Unidos siempre ha sido-y sigue siendo-probablemente el mayor mercado del arte, pero esto está cambiando. Por lo tanto, usted tiene que cambiar su estrategia. El mercado es mucho más global y se pierde esta dimensión y se pierda en otros coleccionistas y museos. Esto no era tan importante antes, ya que el mercado fuera de Estados Unidos era una pieza pequeña del mercado financiero y no valía la pena el esfuerzo. Pero hoy en día, es importante ir a la fuente y ferias de arte son uno de los principales medios de adquirir nuevos coleccionistas y curadores.
¿Cómo describiría el mercado de arte brasileño?
Muchas colecciones brasileñas se centran en el arte brasileño moderno y neo-concreto. Y, en muchos aspectos, el mercado es limitada y los precios están en línea con el panorama artístico internacional, que es un tanto sorprendente. Dos de los artistas más importantes para incluir en una colección brasileña son Di Cavalcanti y Portinari, seguido por Amilcar de Castro, Sergio Camargo, y Lygia Pape. Un gran problema para la historia del arte brasileño, y para el mercado nacional, es que las finanzas limitadas de adquisiciones han creado lagunas gigantes en colecciones públicas, por lo que no hay estudios sistemáticos críticos. Y la rigidez de la legislación y de las normas que rigen la importación y exportación realmente agravar la situación. Sin embargo, el mercado se está abriendo y los coleccionistas quieren ser parte de lo que sucede en otros lugares. El deseo de poseer obras trofeo en Brasil es cada vez más palpable.
¿Cuál es la Gagosian llevar a ArtRio?
Además del stand de Gagosian en la feria, ArtRio nos ofreció un espacio de 1.000 metros cuadrados actuales a las esculturas y obras adicionales. El espacio está justo al lado de la feria, en los hangares de las Naciones Unidas renovadas, que tienen luz natural realmente inspirador.Para el show, trabajamos con Claudia Moreira Salles, diseñador y arquitecto brasileño, que ha creado un lenguaje visual simple que nos permite presentar una variedad de obras de los artistas que representamos en un solo espacio. Entre los artistas que trajimos son John Chamberlain, Alexander Calder, Yayoi Kusama, David Smith, Robert Rauschenberg, Marc Newson, y Giuseppe Penone, para nombrar unos pocos. ArtRio es una oportunidad increíble para nosotros presentar coleccionistas brasileños con el amplio espectro de artistas que trabajamos. 
¿Cree que Brasil tiene el mercado y los coleccionistas de obras de este tipo? Es la galería pensando en trabajar con artistas brasileños?
Ya estamos en contacto con coleccionistas brasileños. Muchos latinoamericanos compradores vienen a las ferias de arte, sobre todo en Miami, lo cual es comprensible, pero también en París y Nueva York. Por lo tanto, si estamos cumpliendo con estos colectores fuera de Brasil, pensamos que deberíamos ir directamente a la fuente, a Brasil. Si hemos estado fuera del mercado brasileño, y ya hemos estado reuniendo coleccionistas brasileños, a continuación, en el mercado hay que ser aún más las personas interesadas. En este momento, no tenemos planes concretos para mostrar artistas latinoamericanos, pero es posible que vendrá a través de un artista o de una situación que da lugar a un espectáculo en algún momento. Nada se ha previsto todavía.
¿La Gagosian tiene planes de abrir una sucursal en Río de Janeiro?
Queremos ver cómo funciona todo en ArtRio primero.
Para ver una selección de obras Gagosian está llevando a ArtRio 2012, haga clic en la presentación de diapositivas .
Este artículo apareció originalmente en ARTINFO Brasil .

 www.arteinformado.com