lunes, 31 de agosto de 2015

IRENA HAIDUK / REALISMO EXIGENTE-SEDUCCIÓN-10 DE SEPTIEMBRE-8 DE OCTUBRE DE 2015

SER Renaissance Society Logo por Till Wiedeck, 2015.
En la mitología griega, las sirenas viven en la costa rocosa, el canto de los buques en tránsito. Estas criaturas encantadoras adquieren la apariencia de mujeres hermosas, pero es la voz que seducen a los marineros. Al igual que los oráculos, sirenas conocen el pasado y el futuro, pero su canción hace que el momento presente tramo para siempre, ya que sus oyentes se consumen en una ensoñación. Nueva obra de Irena Haiduk para la Sociedad Renacimiento transforma el espacio expositivo en un templo o un teatro de espera, donde las sirenas de salón en la sobrecarga aleros. Un flujo de datos discursiva llena la habitación, llevando una canción en forma de un debate entre dos voces melódicas.
A principios de 2015, Haiduk entrevistó Srđa Popović, uno de los ex líderes de un movimiento estudiantil no violenta que depusieron autócrata serbio Slobodan Milosevic. Para crear la pieza central del Realismo Al exigir Seductora, Haiduk contrató a actores de voz para recrear su conversación con este operativo revolucionario, un hombre que sigue haciendo historia. Tras el éxito en Serbia, Popovic co-fundó una consultora de marca influyente, el Centre for Applied Nonviolent Action and Strategies (CANVAS); él todavía está en el negocio de cambio de régimen no violenta, pero ahora como asesor de alquiler y un teórico práctico con un "plan maestro para la revolución."
Instituciones de arte contemporáneo en el Norte Global suelen esperar a los artistas a ser agentes de consultores de cambio visionario sociales por otro nombre. En este sentido, LONA es la inversa oscuro de los deseos revolucionarios del mundo del arte. Por estas instituciones para lograr realmente lo que dicen querer, Popovic sería el hombre para contratar. Pero es un enredado, negocio difícil, ya que tanto el artista y el know revolucionaria, y eso es en parte lo que impulsa su conversación. LONA ha capacitado a los movimientos pro-democracia en cincuenta países, entre ellos Birmania, Túnez, Egipto, Turquía, Ucrania e Irán. Muchos de estos movimientos de resistencia han tenido éxito, sólo para provocar períodos indefinidos de transición, en el que el país se desestabiliza y preparado para la intrusión de nuevas economías de mercado. Además, LONA ha provocado las críticas después de que WikiLeaks reveló que la organización ha colaborado con Stratfor, una firma de inteligencia cuyos clientes incluyen el gobierno de Estados Unidos y empresas como Dow Chemical, Lockheed Martin, y Google.
Navegando por este terreno complicado, de Haiduk Seductora Realismo Al exigir -a dos partes del proyecto, presentado como exposiciones paralelas a la Sociedad Renacimiento y la 14a Bienal de Estambul-no es ni una exposición ni una acusación. Más bien, es una excursión en las aguas profundas del deseo revolucionario y altas apuestas planificación de eventos en un escenario mundial, donde las cuestiones relativas a la eficacia política, la complicidad, y de los límites y posibilidades del arte se levantan de las profundidades. De hecho, muchos de los clientes de Stratfor también ofrecen apoyo financiero a las instituciones de arte, y algunos de los partidarios de Haiduk son clientes de Stratfor; en cierto sentido, el artista y el lienzo están en el mismo barco.
Hay dos maneras de escapar de la muerte por las sirenas: 1) se asoman al mar con los ojos abiertos, pero sus oídos tapados con cera, o 2) atarse al mástil, con los ojos vendados, y dejar que el lavado canción sobre ti como el barco navega por delante. Para Walter Benjamin, se trataba de las opciones disponibles para vivir en el mundo moderno.Haiduk busca otro camino, acercándose a las sirenas.
Realismo Al exigir Seductive  está co-encargado por la Sociedad Renacimiento y la 14a Bienal de Estambul  AGUA SALADA: una teoría de las Formas del Pensamiento.

De Irena Haiduk obras multifacéticas van más allá de sus anclajes en la historia de los Balcanes a mezclarse con otras fuerzas corrosivas y cortar lejos en los cuerpos bien alimentados de energía. Ha expuesto en el Instituto de Arte Contemporáneo, de Filadelfia; el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago; Museo de Artes y Diseño, Nueva York;Reva y David Logan Center for the Arts de la Universidad de Chicago;Akud, Berlín; la cuarta Bienal de Atenas; y otros lugares. Una monografía de su escritura, Hechizos, es inminente por Sternberg Press.Haiduk enseña en la Universidad Northwestern y opera entre Chicago y Belgrado, Serbia.
 www.renaissancesociety.org

BIENAL DE ESTAMBUL / CAROLYN CHRISTOV-BAKARGIEV

Desde la organización de  dOCUMENTA (13) en 2012, Carolyn Christov-Bakargiev ha retirado del centro de la escena del arte del mundo.
"Después de dOCUMENTA (13), que podría haber hecho un buen número de cosas", dijo. "Pero yo también elegí a retirarse -. La enseñanza en las universidades con la gente que piensa" (Ella actuó como profesor visitante en la Universidad de Northwestern en Chicago, y enseñó previamente en la Universidad de Leeds y en Nueva York 'Unión Cooper s, entre otras universidades. ) "Entonces acepté hacer esta bienal en una zona muy problemática del mundo en este momento."
Ella se refiere a la Bienal de Estambul 14a, que se estrena el próximo mes. Christov-Bakargiev, quien fue nombrado director de la recién fusionada Galería de Arte Moderno y el Castello di Rivoli de Turín a principios de este año, cree que ella comparte este, posición retraída periférica con muchos de los artistas incluidos en "AGUA SALADA de este año: A Theory of formas de pensamiento, "correr 05 de septiembre hasta el 1 de noviembre.
Por delante de la bienal, ARTINFO habló Christov-Bakargiev en Skype sobre Art Nouveau, Siri, los derechos marítimos de los aborígenes, y cómo la Bienal de Estambul se siente como una continuación de su obra en la Documenta (13).
Para empezar, me paseo por cómo evolucionó la Bienal de Estambul de este año.
Empecé con agua salada, en realidad. Miré el Bósforo en un mapa, que a menudo se ve, en términos muy simplistas, como un lugar donde Oriente y Occidente. Vi la letra mayúscula "yo", con la parte ancha es el Mar Negro, y luego la otra parte ancha por debajo de ser el mar de Mármara, y empecé a pensar en cómo física y realizado esta masa de agua es en realidad. Eso me llevó a querer modificar el cliché Este / Oeste para incluir muchas otras direcciones, como el Noreste / Suroeste.
¿Cómo se relaciona esto con las obras de arte en la serie?
Eso me llevó a pensar en cómo obras de arte en general - incluso si son un gesto o una actuación - son puntos encarnadas de vista sobre el mundo y las experiencias del mundo. Son el lugar en el que el orden simbólico, que es el lenguaje - cualquier idioma, ya sea visual o no - se reúne alguna manera lo imaginario y lo real, para usar términos psicoanalíticos.
En otras palabras, las obras de arte son de alguna manera este lugar donde las teorías de Lacan de la imposibilidad de acceder a lo real sino a través de lo imaginario y lo simbólico a través de son en realidad confirmó. Pero en este tipo de knottiness, obras de arte se vuelven contradictorios, debido a la propia identificación entre lo real, lo imaginario y lo simbólico.
¿Esto knottiness tiene que ver con "formas de pensamiento", se alude en el título de la bienal?
En cierto modo, me puse a pensar en las teorías del arte y que me trajo de vuelta a las formas de pensamiento de los teósofos, que fueron los primeros entre los grupos revolucionarios de finales de 1800. Espiritistas y ambientalistas, así como defensores de progreso social y sociedades igualitarias, que prefiguraban muchos de los puntos de vista que están alrededor hoy en día, cuando hay tantas cosas que son invisibles, constantemente la conformación de lo que hacemos y cómo pensamos.
¿Qué tipo de fuerzas invisibles Qué quiere decir aquí?
La era digital y, en general, el código oculto - las partes codificadas y plegadas e invisibles de estructuras. En cierto modo, pensé, que está relacionado con la estética islámicos y atención islámica pagados a formas y su estructuración física como líneas estampados que van debajo y por encima como patrón.
Pero eso no dice mucho - que realmente no responde a tu pregunta. La exposición, el título y el tema, es un señuelo - un señuelo para atraer a personas como usted. Puedo hablar de ello, pero no necesariamente tiene mucho que ver con las obras de los artistas han desarrollado.
Algunas de las obras de arte están obligados a, al menos, toque en estas ideas.
Sí, tiene que ver con algunos de ellos, como Irena Haiduk, cuya instalación es una instalación sonora en una habitación muy oscura, en la que se está hablando de una especie de realidad que está detrás de la aparente neutralidad de nuestro software y dispositivos en nuestra mundo digital - la verdadera voz de Siri. [Risas] Susan Philipsz, también: su trabajo está relacionado con el mundo de hoy, pero está mirando el nacimiento de Guglielmo Marconi y señales de radio.
Qué opinas de este espectáculo como una continuación de la conversación que comenzó en  dOCUMENTA (13), en cuanto a ideas como la ontología orientada a objetos, por ejemplo?
Creo que sin duda hay continuidad. Muchas cosas que estaban implicados en la Documenta (13) están más completamente desarrollados aquí. Por ejemplo, nunca he dicho - porque aún no había trabajado a través de la pregunta - que había una analogía y una relación entre nuestro tiempo y la época modernista de que las finales de 1800 y principios de 1900. Pero ahora veo cómo nuestra perspectiva sobre la bio-arquitectura, agricultura biológica, y las preocupaciones ambientales se conecta con el organicismo de la época.
Estos dos puntos de vista sobre el mundo se refieren a una crítica de la ortogonalidad que les precedió. En el caso de el siglo 19, que fue el clasicismo, el barón Haussmann en París, y así sucesivamente. Hoy en día, el modernista y estructuras posmodernistas han sido rechazadas en favor de una nueva forma de acercarse a las formas de vida relacionadas con la floreciente.
Así que, mientras tanto, puede ser que haya sido expresada a través de la conformación de, por ejemplo, los moldes de yeso o de la talla de piedra en formas florales, hoy en día, podría tener más que ver con la invención de los cementos que se pueden descomponer, por ejemplo.En este sentido, se puede ver el trabajo de Donna Haraway, a quien mencioné en dOCUMENTA (13), en la filosofía de Alfred North Whitehead o en el organicismo de Friedrich Nietzsche; o usted podría ver el compostaje de AdriánVillar Rojas en relación con el movimiento Arts and Crafts.
Tal vez relacionado a esto es el hecho de que en el siglo 19, el arte y la ciencia natural no fueron enviados a reinos separados. En dOCUMENTA (13), que incluyó a científicos como contribuyentes, los biólogos específicamente. En Estambul, agrega los físicos y los oceanógrafos a la mezcla.
Sí, sigo creyendo que la especificidad del campo del arte es un poco pasado de moda. [Risas] Yo realmente no veo ninguna diferencia entre los físicos William Irvine anudan agua dentro de un laboratorio y un poco de trabajo que tal vez Ed Atkins está haciendo.
Esa podría ser la diferencia entre usted y los artistas con los que trabaja, que supuestamente creen que son parte de un linaje histórico del arte.
Eso está bien, me aceptan. [Risas] Tenemos nuestras conversaciones. Yo creo que ellos realmente disfrutan de esta perspectiva: la posibilidad increíble para compartir conocimiento, que por lo general no tienen en cualquier invitación exposición de arte.
Concretamente, ¿significa que hay colaboraciones entre los artistas y los científicos en la serie?
No, no soy ingenuo al pensar que los artistas y los científicos deben colaborar en hacer una obra juntos - Creo que por lo general es una receta para el desastre, ya que cada uno de ellos tiene un conocimiento específico, metodologías y procedimientos. Sólo se podría terminar con una colaboración muy superficial. Lo que sí creo es en el uso de la ocasión de la exposición de arte como la plataforma más abierta para la creación de estos encuentros, que luego podrían generar cambios de dirección en el trabajo de cada uno en los momentos posteriores. Por ejemplo, podría llevar a la ciencia un enfoque más político y ético, que es muy común en el arte. Pero junto con eso, hay otra cosa que es explícito en esta bienal, ya que estaba en la Documenta (13). Es claro para mí que una gran cantidad de profesionales de la cultura se tiende hacia formas de retiro y el retiro de la participación por haber perdido el sentido de la libertad de los espacios públicos - el ágora de los antiguos griegos - en su mayoría debido a la cooptación de la misma por privado entidades. Muchos artistas están pensando y leyendo y pasar a una posición más retirado.
¿Eso haría difícil su trabajo la redacción de un evento internacional de arte?
Oh, no del todo, porque estoy de acuerdo con su posición. Es por eso que estoy haciendo la Bienal de Estambul. No estoy haciendo la Bienal Whitney, ¿verdad? Me encanta la Bienal del Whitney en general, y no quiero decir nada negativo, pero yo sólo quiero decir que después de dOCUMENTA (13), que podría haber hecho un buen número de cosas. Pero también yo elegí a retirarse: la enseñanza en las universidades con la gente que piensa. Entonces acepté hacer esta bienal en una zona muy problemática del mundo en este momento. Creo que eso no es ciertamente el signo de querer estar en el centro del escenario. Estambul tomó la iniciativa de romper la concentración de arte en los centros occidentales y del norte del mundo. Tiene una historia muy importante en términos de la política del mundo del arte, y yo apreciamos eso.
¿Qué tal la disposición física de la Bienal de Estambul? Fuera de Kassel, dOCUMENTA (13) también tenía nodos en Alejandría, Egipto; Kabul, Afganistán; y Banff, Canadá. ¿Esta exposición en Estambul tiene un centro? ¿Por qué o por qué no? 
No, la exposición se difunde a través de una gran cantidad de kilómetros cuadrados, desde Rumelifeneri en el Mar Negro, que es un pequeño pueblo de pescadores, a las Islas Príncipe en el Mar de Mármara - en la isla de Büyükada, la cual es la isla donde León Trotsky fue exiliado durante cuatro años antes de ir a México a través de Francia.
La mayor parte de la exposición es solo de presentaciones de artistas solitarios, solos en un edificio o en un lugar que por lo general era o es un espacio de vivienda temporal. En su mayor parte, es un artista, un edificio o espacio. Esa es una manera bastante extraña de hacer una exposición colectiva, porque es una exposición colectiva de las personas solitarias, como tener un montón de gente en el país en sus computadoras portátiles, como tú y yo, ofrece Skype.
¿De qué manera la exposición reflexionar sobre la historia de la ciudad?
Es casi una exposición fantasmal. Los fantasmas son los fantasmas de la historia, incluyendo la limpieza étnica de los armenios y de los griegos. No es la purificación de turco de la lengua árabe y farsi a finales de 1920, y luego la actitud muy nacionalista hacia los kurdos que causó tantas muertes también en los últimos años. Turquía tiene tantas heridas que no se curan.
En la bienal, una obra es acerca de los derechos del mar del pueblo Yolngu en Australia. Pensé que las luchas del pueblo aborigen sería interesante nudo junto con estas otras historias de Anatolia. Es algo de un procedimiento surrealista - un paraguas y una máquina de coser sobre una mesa de disección. Es una cuestión de plegado y envolviendo con el fin de a continuación, despliegue de diferentes maneras. Se anudando y unknotting historia y el arte. Eso es lo que hago.
www.blouinartinfo.com

domingo, 30 de agosto de 2015

EVE BABITZ Y MARCEL DUCHAMP

Eva Babitz y Marcel Duchamp jugando al ajedrez en el Museo de Arte de Pasadena, 18 de octubre de 1963. Foto por Julian Wasser.

8 NUEVOS LIBROS SOBRE ARTE


8 libros de lectura obligada

8 lectura obligada Libros que sale este otoño
(Cortesía Verso / Drawn & Quarterly / Random House / Delacorte Press / IB Tauris)


ARTINFO redondea ocho libros relacionados con el arte programados para su publicación en los próximos meses. Lea las recomendaciones de la cápsula a continuación.
"Bad Nuevos Días", de Hal Foster (Verso 8 de septiembre)
En su más reciente colección de ensayos, el eminente historiador del arte y crítico Hal Foster considera dos décadas y media de la producción artística en América del Norte y Europa Occidental e identifica cuatro temas o impulsos: "abyecto"  "archivo", "mimético" y "precaria". Estos forman los cuatro primeros capítulos de este libro, que abarca artistas como Mike Kelley, Tacita Dean, Robert Gober, Isa Genzken, y Thomas Hirschhorn.Como de costumbre, la fuerza de Foster no reside en su capacidad para emerger practicantes understudied sino más bien en su erudita atención a aquellos artistas que han surgido como definitiva de su momento particular. Para ello, estos capítulos ofrecen argumentos convincentes acerca de los artistas en la mano y sus vínculos con las condiciones político-culturales más amplios. Pero es en las dos secciones finales del libro - el quinto capítulo, en el que Foster, se pregunta: "¿Cómo llegamos a un punto en el que se desestimó la crítica?" Y un cierre salva titula "Elogio" Post-crítico? " de Actualidad "- que los riesgos de libros sus más agudos argumentos críticos. Este último ofrece una reprimenda polémica al "tiempo zombie" institucional (que no debe confundirse con el  otro  crítico reprendido-"zombie") provocada por la actual moda de reestadificación actuaciones históricos y exposiciones de los años 1960 y 70, con Foster argumentando en lugar de un arte que puede "constelar no sólo diferentes registros de experiencia (estéticas, cognitivas y críticos), sino también diferentes órdenes de la temporalidad."  -Mostafa Heddaya
"Bus Stops soviéticos", de Christopher Herwig (Editorial COMBUSTIBLE 29 de septiembre)
Shymkent, Kazajstán es bastante difícil de localizar en un mapa - es sin duda ninguna parte se encuentra en los relatos de la arquitectura modernista de la posguerra. Sin embargo, "soviéticos paradas de autobús", un libro de fotografías que celebra construcciones de pequeña escala en Shymkent y más allá, bien podría cambiar eso. Christopher Herwig pasó más de 20 años recorriendo las aguas estancadas y provincias de los ex-repúblicas soviética para documentar la impresionante, variada arquitectura de pabellones carretera que salpican el paisaje de Moldavia a Turkmenistán. Ese libro de Herwig está siendo re-lanzado este mes por una editorial establecida - su primer auto-publicado racha de 1.500 ejemplares se agotaron en Kickstarter, - da testimonio de un creciente interés en modernismos provinciales que buck las imágenes estándar de, bloques modernistas grises monumentales dispuestas en filas uniformes. Los arquitectos locales interpretan influencias globales con admirable creatividad: mosaicos coloridos representan motivos nacionales e iconografía comunista, mientras que el uso poético de los materiales de la era definitoria (como el hormigón) para crear formas ligeras, escultóricas muestra que los diseñadores internacionales tienen mucho que aprender de las estructuras Soviética pasado. -Anna Kats
"Eva Hollywood", de Eve Babitz (NYRB Clásicos, 06 de octubre)
Los Angeles no es un "páramo", Eve Babitz escribe en la apertura de "Eva Hollywood", un libro de memorias-ficciones dispersas publicadas por primera vez en 1974 y reeditado por NYRB Clásicos en octubre ", sólo se necesita un cierto tipo de inocencia "disfrutar de la vida allí.Además, parece, pero nunca mencionó, una cierta cantidad de privilegio. La hija de un músico artista y contrato de la película-estudio, Babitz es mejor conocida por posar desnuda con Marcel Duchamp en una famosa fotografía. Pasó sus primeros años escuchando a su padrino, Igor Stravinsky, hablar de música, y chapoteando con su hermana en la piscina de Bernard Herrmann. En el libro, escribe claramente de su infancia y de las mentes creativas que se movían dentro y fuera del salón de sus padres, pero lo que le excita más que el arte que crearon fueron las historias que contaban. Y Babitz sin duda tiene un montón de historias. Las viñetas incluidas en "Eva Hollywood" sentirse como anécdotas pasadas alrededor de la mesa en la parte trasera de un bar, el escritor recordando los malos chicas que impulsaron Thunderbirds en Hollywood High - donde "la clase de arte despreciado porque no tenía nada que ver con la aventura "- y sus intentos de romper con el envejecimiento y novio casado a una Benihana. Artistas, actores, surfistas, productores de cine, y las bajas de ácido flotan a través de las historias, Babitz permaneciendo siempre a distancia. Y si la escritura no es lo suficientemente transparente, hay una dedicación de ocho páginas en la que gracias a Andy Warhol, Joan Didion, Larry Bell, Ed Ruscha, Duchamp, el 90 por ciento de la escena del rock-and-roll de Los Ángeles de la época, y "aquel cuya esposa se ​​enfurecía si tanto como poner sus iniciales en." -Craig Hubert
"Matar y morir", Adrian Tomine (Drawn & Quarterly, 20 de octubre)
El artista con sede en Brooklyn está listo para lanzar su última colección, "matar y morir", en octubre, compuesto por los últimos tres números de su larga cómic "Nervio Óptico." Los fans de Tomine no serán sorprendidos por la tono de la última hornada de historias, que se ocupan de temas comunes de la alienación, la falta de comunicación, y la obsesión enamorado. Si a primera vista "matar y morir" parece menos directamente personal que su anterior trabajo - hay menos avatares obvias para el autor - que vale la pena teniendo en cuenta que Tomine es ahora un padre, no un adolescente rasposa, y esta nueva colección llega a través de un enfoque en las relaciones familiares y los misterios de la paternidad. También está la historia de apertura, sobre un paisajista que desarrolla un nuevo medio artístico llamado "Hortisculpture" que cree que se le entregue la fama y que nadie más piensa tiene nada que ver con el arte, que tal vez - sólo estamos tomando una conjetura aquí - tiene algo que ver con la profesión elegida de Tomine. -CH
"El Golfo: Alta Cultura / Hard Labor", editado por Andrew Ross para Gulf Trabajo (OR Libros, octubre)
Por medio de una década, el grupo activista Golfo Trabajo ha estado presionando a la Solomon R. Guggenheim Museum de asegurar que aquellos construir Abu Dhabi puesto de avanzada de la institución son tratados con humanidad. Este esfuerzo incluyó de 2013-2014 "52semanas de campaña", en la que una obra de un artista o escritor de responder a la cuestión del abuso laboral se publicó en el sitio web del Golfo Trabajo. Esta colección, editada por el sociólogo Andrew Ross (recientemente entre los prohibidos de los Emiratos Árabes Unidos por su trabajo en esta materia), incorpora la campaña "52 semanas", junto con ensayos comisionados y contribuciones visuales. El resultado es un "anuario" integral de tipo mirando hacia atrás, y hacia adelante, sobre los derechos laborales y las políticas culturales que sustentan la construcción del múltiplex internacional de las instituciones culturales de franquicia en la Isla Saadiyat de Abu Dhabi. Esta amalgama de las instituciones de alta culturales titulares - entre ellos el Guggenheim, un campus de la Universidad de Nueva York y el Museo del Louvre de Abu Dhabi - y el trabajo en deuda ha atraído una gran atención a las deplorables condiciones que sufren los trabajadores migrantes en el emirato de Abu Dhabi, un punto subrayó en un prólogo de Sarah Leah Whitson de Human Rights Watch. "El Golfo" es una lectura esencial para aquellos que han estado siguiendo las protestas del Golfo Laborales en el Guggenheim de Nueva York (o, más recientemente, en Venecia), o deseen ampliar sus conocimientos sobre el tema y comprender cómo los artistas, los escritores, y otros trabajadores de la cultura se han movilizado para proteger a las personas cuyos derechos son a menudo eclipsada por la arquitectura dramática y boato diplomática inherente al sistema del arte internacional. -MH
"La guerra es bella", de David Shields (PowerHouse, 3 de noviembre)
Subtitulado "The Times Guía Ilustrada de Nueva York con el glamour de los conflictos armados", este ensayo-via-fotos-asignados organiza primera plana representaciones de la guerra en un intento de exponer al acecho agenda ideológica de la Dama Gris. "Mientras que por necesidad que contiene datos duros", Escudos escribe: "[las fotos] producen consistentemente un Irak (y Oriente Medio) de la grandeza épica. El programa de las fotos es ... la preservación del poder "diferentes capítulos temáticos -". Naturaleza "," Piedad "," Pintura "- subdividen las imágenes en tipos. (En "Love", una madre joven con su niño camo resistente relajarse y sonreír a la sombra de la tumba de su sargento-marido.) Crítico de arte Famoso contraria a Dave Hickey ofrece un epílogo: "Resumiendo arriba, estas imágenes generan más desconfianza aventuras militares de Estados Unidos de lo que había antes ", dice," y yo tenía mucho ". -Scott Indrisek
"Archivos disonantes: Cultura Visual Contemporánea y Narrativas en disputa en el Medio Oriente", editado por Anthony Downey (Ibraaz / IB Tauris 30 de agosto)
Aunque quizás carece de la ostentación de otros emprendimientos editoriales arte, Ibraaz desde 2011 ha sido la liberación de importantes ensayos, críticas y entrevistas sobre su línea "plataforma", y poner en conferencias y otros programas en instituciones como la Tate Modern."Archivos disonantes" es su primer intento de longitud del libro, y se centra en el llamado arte archivística como se practica por una serie de artistas de medio oriente y origen norteafricano. Editado por la Ibraaz Anthony Downey, ensayos astutos de la colección son interrumpidos por "'Inserciones, que constan de artistas Artistas"' declaraciones e imágenes de obras de arte, con obras de Lawrence Abu Hamdan, Ruanne Abou-Rahme y Basilea Abbas, Hans Haacke (como parte del Golfo de Trabajo), Jananne Al-Ani, y Naeem Mohaiemen, entre otros.Menos un tomo unificada de un surtido difusa de ensayos incisivos en una amplia gama de artistas y temas vagamente conectados a la condición de archivo, "Archivos disonantes", o al menos una parte de lo escrito en ella contenidas, es de lectura obligatoria para una amplia franja de artistas, críticos y estudiosos -. incluso, o quizás sobre todo, aquellos que no se centró en el arte de Oriente Medio -MH
"Al ver Potencia: Arte y Activismo en el siglo XXI," por la OTAN Thompson (Melville House, 18 de agosto)
"Nato Thompson es un genio," artista Trevor Paglen dice en la propaganda portada de "Al ver Potencia:. Arte y Activismo en el siglo 21" Eso Paglen también cuenta en uno de sus capítulos es una de las pocas cosas divertidas en la seriedad libro de mente escrito por el curador en jefe de Creative Time. Como Thompson dice que, su propósito es "desenredar las cuestiones que se plantean para cualquier persona cuyo trabajo se extiende más allá del arte y el activismo." Y, sin embargo, los restos flotantes de la teoría cultural navegable juntos (Adorno, Horkheimer, Rancière, Bourdieu) no es probable que la boya de interés de cualquiera de los lectores en general o el practicante culturales, como "Al ver Power" carece tanto el rigor documental de la historia del arte y la lucidez de la crítica reflexiva. En lugar de ofrecer una visión sobre las condiciones actuales, Thompson recapitula descriptivamente trabajo realizado por artistas-activistas y anexa conclusiones smarmy como: es "una lección para todos nosotros", o que si las instituciones "tienen paredes, los muros pueden ser escalado, derribado , golpeado por medio. También se pueden construir desde cero. "Es más de 150 páginas de descripción sobre-calentado sembrado junto con clichés condescendientes que no promulgar cualquier tipo de argumento novela o análisis intelectual. Sin embargo, dado el perfil ascendente de Creative Time - nueva percha de la directora Anne Pasternak en el Museo de Brooklyn, la cumbre de Creative Time en Venecia - parece como un título de al menos nota, aunque sólo sea por su cinta de la retórica. En el último capítulo, Thompson concluye: "Pero las personas y los sueños son un recurso poderoso que, históricamente hablando, han creado su propio mundo a pesar de los poderes que los oprimen." Del mismo modo, llamar a este trabajo reflexivo del genio puede ser el materia de los sueños. -Noelle Bodick

sábado, 29 de agosto de 2015

LAND ART-EARTH ART- EARTHWORKS A PARTIR DE ROBERT SMITHSON

Un artista muy interesante por analizar; camaleónico y explorador de muchas plataformas de expresión artística como la pintura, la música, la escultura y la instalación. Pionero del minimalismo junto con sus compatriotas Donal Judd, Philip Glass o Robert Morris, en el que reducen al mínimo posible los elementos en su plataforma de expresión en aras de un placer más intenso, más intelectual.

Walter de María inicia su educación artística como pintor en la universidad de Berkeley, en su natal California. Aunque al poco tiempo comenzó su interés por la escultura minimal que después llevaría a un nivel más interesante, mezclándolo con el performance y el land art convirtiéndolo en una figura de culto en el mundo del arte.
- See more at: http://culturacolectiva.com/walter-de-maria-del-minimalismo-al-land-art/#sthash.tOZt0tNg.dpuf

Walter de María, The Lightning Fields, cerca de Quemado(Nueva México), Estados Unidos, 1977
Conjunto de cuatrocientos pararrayos que forman una trama rectangular de 1,6 x 1 km en un llano a 2.200 metros de altitud en un desierto de Nueva México.
Michel Heizer, Nine Nevada Depressions Rift, Jean Dry Lake (Nevada), Estados Unidos, 1968.
Robert Smithson, Una espiral de más de 450 metros lineales, construida con rocas basálticas y calcáreas, penetra en el lago como un espigón. The Spiral Jetty, Rozel Point, Great Salt Lake (Utah), Estados Unidos, 1970.

ARTE & PAISAJISMO, ROBERTO BURLE MARX


Avenida Atlántica, Copacabana, Río de Janeiro, Brasil, 1970. Roberto Burle Marx.
Los diversos tramos del paseo se transforman en un gran mosaico abstracto. El pavimento
está realizado con "piedra portuguesa", nombre utilizado en Brasil para designar los pequeños adoquines de piedra basáltica de color blanco, negro y rojo, muy utilizados en Portugal, que
fueron introducidos en Brasil en el siglo XIX.
Utilizaba una doble escala de trabajo: por un lado, intentaba que el nuevo paisaje  se percibiera claramente como un elemento artístico, y, por otro, tratando de conseguir atender la corporeidad del usuario. El terreno no tenía que ser solo el soporte, sino la propia materia de la obra.
La geometría asimétrica, la densidad de los contornos curvos, las texturas de las diferentes superficies  y la multiplicidad de los puntos de vista dieron lugar a una forma orgánica que recordaba aquellas utilizadas por los pintores fauvistas, cubistas y surrealistas.
Utiliza las interpretaciones de Pablo Picasso, Joan Miró, Henry Moore y, principalmente, las formas surrealistas y sensuales de Hans Arp.
Su propia evolución como artista plástico dio lugar a una complejidad mayor en los trabajos posteriores, con más superposiciones, desplazamientos y una abstracción geométrica llena de fracturas.
A partir de 1960, su trabajo de pintor y de paisajista se unifica en una nueva categoría mucho más horizontal, mucho más mineral, cuando con los mosaicos compone las superficies pictóricas en los pavimentos urbanos, apropiándose de ellos como un motivo para su arte.
Es entonces cuando comienza a realizar trabajos de grandes dimensiones y de un fuerte impacto escenográfico, como es el caso del emblemático paseo de Copacabana( Río de Janeiro, 1970)-
Enric Batlle, Land&ScapeSeries El jardín de la metrópoli-Del paisaje romántico al espacio libre para una ciudad sostenible. Barcelona, Editorial, Gustavo Gili, SL, 2011

viernes, 28 de agosto de 2015

ROBERTO BURLE MARX / GALERÍA

Galería

Bibliografía[editar]

  • William H. Adams (ed.) Roberto Burle Marx. The unnatural art of the garden, MOMA, New York 1991, ISBN 0-87070-197-5
  • Sima Eliovson. The gardens of Roberto Burle Marx, Thames & Hudson, Londres 1991, ISBN 0-500-01507-4
  • Frieder Goeser. Roberto revisited. Ausstellung über das Werk von Roberto Burle Marx in Berlin. Garten + Landschaft 120, 2010/1, pp. 42
  • Leenhardt, Jacques (org); Nos jardins de Burle Marx; São Paulo: Editora Perspectiva, 1994; ISBN 85-273-0093-1
  • Marta Montero. Burle Marx. The lyrical landscape, Thames & Hudson, Londres 2001, ISBN 0-500-51046-6
  • Rizzo, Giulio G.; Roberto Burle Marx. Il Giardino del Novecento. Cantini Editore, Firenze 1992
  • Siqueira, Vera Beatriz; Burle Marx; São Paulo: Cosac e Naify, 2001, ISBN 85-7503-089-2
  • Tabacow, José (org.); Arte e Paisagem - Roberto Burle Marx; São Paulo: Livros Studio Nobel, 2004
  • Rizzo, Giulio G. : Il giardino privato di Roberto Burle Marx: Il Sìtio.Sessant'anni dalla fondazione. Cent'anni dalla nascita di Roberto Burle Marx.Gangemi Editore,Roma 2009.ISBN13: 9788849219876 978-88-492-1987-6 ISBN10: 8849219873 88-492-1987-3. Falta el |título= (ayudaes.wikipedia.org