MUSEO DEL ARTE / EDVARD MUNCH, ÉDOUARD VUILLARD, HERMANOS VERGÓS
Museo del Arte |
- La voz (Sueño de una noche de verano) / Edvard Munch
- Yvonne Printemps y Sacha Guitry / Édouard Vuillard
- Nacimiento de san Esteban, Retablo de Granollers / Hermanos Vergós
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Posted: 08 Nov 2013 03:07 AM PST
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Museo Munch, Oslo
Edvard Munch
La voz representa, de alguna manera, la contrapartida lírica del dramatismo latente en El grito, que el artista realizó el mismo año. Se sostiene en una composición armónica, libre de la ansiedad que caracteriza las obras de Munch en esta época. Pero, a similitud de El grito, la acción es interna y la naturaleza se convierte en una espectadora del pensamiento humano. Munch sitúa en la playa a una joven, vestida de blanco, que parece estar soñando despierta; la luz, que proviene del fondo del cuadro, alude a los largos días de verano en los que el sol apenas se oculta unas horas. Diez árboles conforman la escala visual y crean líneas verticales que dan un equilibrio firme, pero no rígido. Y es que los árboles también son testigos mudos del momento que registra Munch, como también lo son los barcos y sus ocupantes, tras el hombro derecho de la joven. La voz interior de la protagonista, sus pensamientos y sus sueños, son el claro motivo del lienzo.
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Posted: 08 Nov 2013 02:52 AM PST
Museo de Sao Paulo
Édouard Vuillard
Espléndido ejemplo de cómo un ambiente puede determinar la narración pictórica y las relaciones entre los personajes. La obra se halla compuesta con cierto criterio fotográfico que contribuye a subrayar la instantaneidad de la acción descrita. La figura femenina se dirige hacia el famoso dramaturgo y actor, quien, para escucharla, se inclina sobre el antepecho del palco. El color, empastado en toques vibrantes y generosos, es factor fundamental para la obtención del efecto de semipenumbra propio del interior de un teatro.
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Posted: 08 Nov 2013 02:47 AM PST
Museo de Arte de Cataluña
Hermanos Vergós
Las figuras vestidas con gran riqueza manifiestan la madurez de su autor que recoge con precisión los brocados y los tejidos de lujo, los pavimentos alicatados, los muebles y otros objetos accesorios que acompañan a los personajes de la escena.
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William Shakespeare
ResponderEliminarEl sueño de una noche de verano
Esta comedia en cinco actos en verso y prosa de William Shakespeare fue escrita alrededor de 1595 y representada hacia la misma época; se publicó in-quarto en 1600 y en 1619, e in-folio el año 1623. Shakespeare parece haber bebido en las fuentes más dispares para este drama: en El descubrimiento de la hechicería, de Reginald Scot (1538?-1599) pudo haber hallado las noticias en torno a Robin Goodfellow, mientras que la historia de la transformación en asno se remonta al Asno de oro de Apuleyo, pero pudo tomarla de Chaucer o Plutarco.
Hermia, enamorada de Lisandro, se niega a casarse con Demetrio, contraviniendo así el deseo de Egeo, su padre. Demetrio, por su parte, es amado por una amiga de Hermia, Elena, a la que ha abandonado para casarse con Hermia. Según la ley ateniense, el duque Teseo da a Hermia cuatro días de tiempo para que obedezca la voluntad paterna, transcurridos los cuales habrá de morir.
Hermia y Lisandro se ponen de acuerdo para abandonar Atenas secretamente y casarse donde la ley no pueda alcanzarles. Planean encontrarse en un bosque a unas millas de la ciudad. Hermia revela el plan a Elena, que informa de ello a Demetrio. Demetrio sigue a Hermia al bosque y Elena sigue a Demetrio; de manera que los cuatro se hallan en el bosque aquella noche.
Oberón y Titania, rey y reina de las hadas, que habitan en el bosque, han reñido por causa de un paje. Oberón pide al duendecillo Puck, símbolo de la volubilidad del amor, que le procure cierta flor mágica cuyo jugo, vertido en los ojos de Titania mientras duerme, hará que se enamore del primer ser a quien vea cuando despierte. Oberón oye en el bosque a Demetrio reprochar a Elena que ande siguiéndolo, y deseoso de reconciliarles, ordena a Puck que vierta un poco de aquel filtro amoroso en los ojos de Demetrio cuando Elena esté junto a él.
Puck, tomando a Lisandro por Demetrio, le da el filtro, y como Elena es la primera persona que Lisandro ve al despertar, le dirige palabras de amor; pero no consigue sino irritarla porque piensa que Lisandro se burla de ella. Oberón, descubierto el error de Puck, vierte el jugo en los ojos de Demetrio, de modo que ahora son dos los que cortejan a Elena. Las dos mujeres se pelean mientras los hombres se preparan a desafiarse por Elena.
Mientras tanto Oberón ha puesto el filtro en los párpados de Titania, quien, al despertar, halla a su lado al tejedor Bottom con una cabeza de asno en lugar de la propia: en efecto, Bottom, con una compañía de artesanos atenienses, se halla en el bosque ensayando un drama que ha de representarse para festejar las bodas del duque, y Puck le ha puesto la cabeza de asno. Titania se enamora de él en cuanto lo ve, y le requiebra por su belleza. Los sorprende Oberón, quien compadece a Titania, y después de recuperar al raptado paje, frota los ojos de su esposa con una hierba que la libera del encanto.
Puck, por orden de Oberón, rodea a los amantes humanos y los reúne: mientras duermen unos junto a otros, exprime en sus ojos la hierba que deshace el encanto, de manera que al despertar vuelven a los amores de antes. Se presentan Teseo y Egeo; los fugitivos son perdonados y las parejas se casan. El drama termina con una escena de Píramo y Tisbe recitada de manera grotesca por Bottom y sus compañeros para las bodas de Teseo e Hipólita, reina de las Amazonas.
Los diversos hilos del drama (las bodas de Teseo e Hipólita, la disputa de Oberón y Titania, la fuga de los cuatro amantes, la representación de los artesanos) se enlazan del modo más ágil en un suntuoso tapiz de vivaces colores sobre un fondo de mágica floresta. El mundo clásico y el mundo de las hadas se funden como en un "triunfo" del Renacimiento tardío: en la pareja Oberón -Titania hay un reflejo de la antigua disputa entre Júpiter y Juno, y aquellos dos seres parecen participar de la serena belleza de los dioses de Grecia, mientras Puck pertenece al mundo tenebroso y mítico de la superstición nórdica.
.www.biografiasyvidas.com
Claudio Parmiggiani(1943) es el autor de "El silencio en voz alta", obra que solo conozco por las referencias de Vattimo; sin embargo, su título me evocó este cuadro de Munch. Es una instalación que realizó en La Habana consistente en el rastro que deja en una habitación una biblioteca que parece haber sido incendiada.
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Parmiggiani y sus Siluetas
[27-04-2006]
Abril del 2006.- En esta Novena Bienal de la Plástica que por estos días se desarrolla en varios espacios de la Ciudad de La habana, convergen diferentes tendencias que han roto, por primera vez lo que pudiera entenderse que el mismo público destierre, lo que encierra el término y acción de lo que significa el concepto “la plástica”. Lo mismo usted se puede encontrar clásicas pinturas al óleo, hasta instalaciones en lugares inusitados, acompañados de perfomances que desconciertan, en esta primavera seca que arremete contra la Isla.
El habanero, y quién no es habanero también (se incluye este comentarista), alcanza a recibir por lo expuesto, razones para no perderse o encontrarse en el laberinto de entrar en una atmósfera y sumergirse en otra, que quizás lo perturbe, lo desconcierte, o lo deje indiferente. El gusto, como siempre, tiene la última palabra. O quizás todo radique en la apreciación, o los códigos a que nos mantuvieron o estábamos inscriptos para aceptar aquello que hasta ayer creímos inaceptable.
Anotamos estas observaciones, por ejemplo, cuando pudimos captar, cuando el silencio o el comentario a baja voz se impera, al enfrentamos a la instalación del artista italiano Claudio Parmiggiani, con el sugerente título de Silencio en voz alta.
El conjunto de su obra que presenta, la adecuó a nuestra realidad, en que sombras hechas a base de humos, nos dice que vivimos así, de lo que suponíamos perdido, que en vez de aminorar su intensidad de aquel pasaje o situación casi olvidada yacen ahí, todavía en la memoria.
Parmiggiani incita a eso. A reencontrarnos. A recordar en la medida de la posibilidad el pasado. Un pasado yaciente, y quizás no tan reciente, que sin embargo todo converge en lo que fuimos y perdimos, y que se niega a relegarse al olvido.
Esas figuras, o mejor dicho, esas siluetas que cada día se alejan más de nosotros, y a las cuales en un momento dado, sin pretenderlo, se nos presentan de pronto, cuando las creíamos perdidas, es el valor más elocuente en cada cuadro realizado por este artista.
Por eso mismo como corresponde al título, es un silencio en alta voz del pasado que no podemos huir o desdeñar. Porque si lo hacemos, nunca seremos y nunca podremos vivir en el presente, que muchos han pretendido que olvidemos y creamos que éste que estamos viviendo no admite comparación alguna.
Parmiggiani no comenta, no insinúa. Solamente sugiere lo aparentemente perdido por ley inevitable en la vida. Pero está presente y sutilmente nos obliga a volver a ese pasado, y así entendernos un poco más de lo que fuimos o fueron nuestros recuerdos que ni con el paso del tiempo, por mucho que transcurra, podremos olvidar para siempre.
¿Indirecta o directa del artista con nuestro pasado y su equivalencia en la actualidad? Todo pudiera ser. Lo que sí el que se enfrenta a esta instalación no sale indiferente. Ese viaje retro está ahí y a él tenemos y tendremos que acudir al reflexionar asuntos por los cuales transcurrimos, sin equivocación alguna. Pensamos que aunque no lo digamos en alta voz, del y sin el humo del recuerdo no podemos continuar hacia adelante. Estamos obligados a reencontrarnos otra vez para salvar nuestro futuro.www.miscelaneas de cuba
Biografía del artista
ResponderEliminarEdvard Munch 1863-1944
Norwegian pintor expresionista, litógrafo, grabador y madera-grabador de composiciones de figuras, retratos y paisajes. Nacido en Loten, su familia se mueve poco después de Christiana (Oslo). Asistió a la Escuela Técnica Superior 1879-1880 para estudiar ingeniería, luego dio esto para pintar. Los primeros cuadros de la tradición realista, influido por su amigo Christian Krohg. En 1884 asistió a Frits Thaulow de 'open-air academia en Modum, entró Bohemia de los pintores naturalistas y escritores famosos por sus avanzadas ideas sobre la ética sexual y la moral de Christiana. Visitó París en 1885 y fue influenciada por los impresionistas. Organiza la primera exposición individual de su obra en Christiana en 1889 y fue galardonado con una beca, en la que se fue a París desde 1889 hasta 1890; estudió durante varios meses en el taller de Bonnat y aparentemente vio las obras de los neo-impresionistas, Van Gogh y Gauguin. Expuso en 1892 en la Verein der Berliner Künstler donde sus obras despertaron controversia violenta, pero fue alentado por Strindberg, Przybyszewski y otros escritores que viven en Berlín. Hizo sus primeros aguafuertes y litografías en 1894, sus primeros grabados en madera en 1896. Sus obras influenciadas por el Simbolismo y redonda centrada en un ciclo de "El friso de la vida" (temas del amor, la muerte, los celos, etc.) Vivió principalmente en Alemania, especialmente en Berlín, 1892-1908, con períodos de Noruega y visitas a Francia e Italia. Sufrió una crisis nerviosa grave 1908-9. En 1909 regresó a Noruega, donde pasó la mayor parte del resto de su vida, muchos de ellos trabajando en proyectos para las decoraciones murales. Murió en su casa de Ekely cerca de Oslo. Dejó todas las obras en su poder a la ciudad de Oslo para formar un Museo Munch.
Publicado en:
Ronald Alley, catálogo de la colección de la Galería Tate de Arte Moderno que no sea Obras de Artistas Británicos , Tate Gallery y Sotheby Parke-Bernet, Londres, 1981, p.548
1 obraVer como:ListaCuadrículaPresentación
www.tate.org.uk
Jean-Édouard Vuillard (11 noviembre 1868 a 21 junio 1940) fue un francés pintor y grabador asociado con los Nabis .
ResponderEliminarJean-Édouard Vuillard, el hijo de un capitán retirado, pasó su juventud en Cuiseaux ( Saône-et-Loire ), y en 1878 su familia se trasladó a París en circunstancias modestas. Después de la muerte de su padre en 1884, Vuillard recibió una beca para continuar sus estudios. En el Lycée Condorcet Vuillard met Ker Xavier Roussel (también un futuro pintor y hermano del futuro de Vuillard en la ley), Maurice Denis , músico Pierre Hermant , escritor Pierre Véber y Lugné-Poe .
En 1885, Vuillard dejó el Lycée Condorcet. Siguiendo el consejo de su amigo más cercano, Roussel, se negó a la carrera militar y se unió a Roussel en el estudio del pintor Diogène Maillart . Allí, Roussel y Vuillard recibieron los rudimentos de la formación artística. En 1887, después de tres intentos fallidos, Vuillard pasó el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts . [ 1 ] Vuillard un diario privado 1888 a 1905 y luego desde 1907 hasta 1940. [ 2 ]
Les Nabis y después [ edit ]
Le corsage rayé , 1895, National Gallery of Art, Washington DC , Colección de Mr. y Mrs. Paul Mellon (1983.1.38).
Interieur , 1902, Museo de Arte de Dallas
En 1890, el año en que conoció a Vuillard Pierre Bonnard y Paul Sérusier , se había unido a los Nabis , un grupo de estudiantes de arte inspiradas en el sintetismo de Gauguin . [ 3 ] Contribuyó a sus exposiciones en la Galería de Le Barc de Boutteville , y más tarde compartió un estudio con el compañero Nabis Bonnard y Maurice Denis. A principios de la década de 1890 trabajó en el Théâtre de l'Oeuvre de configuración y el diseño de programas Lugné-Poe.
En 1898 Vuillard visitó Venecia y Florencia . Al año siguiente hizo un viaje a Londres. Más tarde se trasladó a Milán , Venecia y España. Vuillard también viajó en Bretaña y Normandía .
Vuillard expuso por primera vez en el Salón de los Independientes de 1901 y en el Salon d'Automne de 1903. En la década de 1890 Vuillard conoció a los hermanos Alexandre y Thadée Natanson, los fundadores de La Revue Blanche , una revista cultural. Gráficos Vuillards aparecieron en la revista, junto con Pierre Bonnard , Henri de Toulouse-Lautrec , Félix Vallotton y otros. [ 4 ] En 1892, siguiendo el consejo de los hermanos Natanson, Vuillard pintó su primera decoraciones ("apartamento frescos ") para la casa de Mme Desmarais. Posteriormente cumplió muchas otras comisiones de este tipo: en 1894 por Alexandre Natanson, en 1898 por Claude Anet, en 1908, para Bernstein, y en 1913 por Bernheim y para el Théâtre des Champs-Élysées . Los últimos encargos que recibió fecha para 1937 (Palais de Chaillot, en París, con Bonnard) y 1939 (Palais des Nations en Ginebra , con Denis, Roussel y Chastel).
En sus pinturas y piezas decorativas Vuillard representado principalmente interiores, calles y jardines. Marcado por un humor suave, que se ejecutan en la delicada gama de colores suaves y borrosas característicos de su arte. Viviendo con su madre, una costurera, hasta la edad de sesenta años, Vuillard conocía muy bien los espacios interiores y domésticos. Gran parte de su obra refleja esta influencia, en gran parte decorativa y con frecuencia representa patrones muy intrincados.
En 1912 Vuillard pintó Théodore Duret en su estudio , un retrato encargado que marcó una nueva etapa en la obra de Vuillard, que estaba dominado por el retrato a partir de 1920. [ 5 ]
Vuillard se desempeñó como miembro del jurado en Florencia Meyer Blumenthal en la adjudicación del Premio Blumenthal , una subvención dada entre 1919-1954 para jóvenes pintores franceses, escultores, decoradores, grabadores, escritores y músicos. [ 6 ]
Vuillard murió en La Baule en 1940.en,wikipedia.org/wiki
Los Vergós fueron una familia de pintores catalanes de los siglos XV y XVI que desarrollaron su actividad en la ciudad de Barcelona. Fueron los últimos representantes de la pintura catalana cuatrocentista, sin proyección hacia el futuro, ya que las nuevas tendencias pictóricas no encontraron en Cataluña un terreno donde desarrollar su obra.
ResponderEliminarDestacaron especialmente los hermanos Francesc Vergós (I) y Jaume Vergós (I) (? - Barcelona, 1460), sus hijos respectivos Francesc Vergós (II) y Jaume Vergós (II) (Barcelona,? - 1503) y los de este último: Pau Vergós (Barcelona, 1463 (?) - 1495 ) y Rafael Vergós (Barcelona,? - 1500).
Colaboración con Jaume Huguet[editar · editar código]
Jaume Huguet fue uno de los más grandes artistas de la Edad Media en toda Europa. Se puede afirmar, que toda la pintura gótica barcelonesa de la segunda mitad del siglo XV e inicios del XVI salió de su taller o de sus continuadores. La técnica pictórica que desarrollaron los Vergós deriva claramente de la del maestro Huguet, con el que alguno de ellos colaboró en su taller. Las relaciones entre ambas partes son conocidas desde que Huguet fue testigo del primer casamiento de Jaime Vergós (II).
La estrecha relación de los miembros de la familia Vergós con el taller de Jaume Huguet representa una gran dificultad a la hora de discernir muchas de las obras de los diferentes miembros de la familia, debido a la poca documentación de la época, el corto número de obras conservadas y a la multitud de asociaciones entre talleres y artistas.
Obra atribuida[editar · editar código]
Francesc Vergós (I)) primer miembro conocido de la familia, tenía taller abierto en 1407 y consta que en 1417 tenía un aprendiz de nombre Francisco Llunell. En colaboración con Joan Antigó y Honorat Borrassà pintó el retablo de San Miguel de Castelló de Ampurias, conservado en el Museo de Arte de Gerona.
Jaume Vergós (I) es conocido como pintor de cortinas y paños funerarios desde 1422. El 17 de agosto de 1434 fue nombrado pintor abanderado del Consejo de Ciento de la ciudad de Barcelona, una actividad que alternó con Gabriel Alemany. Mediante su testamento de 21 de julio de 1460 se conoce su actividad al frente de su tienda de la calle Ample donde realizaba palios, retablos y oratorios. En el documento se mencionan unas pinturas de la Virgen acompañada de San Benito, Santa Catalina y Santa Eulalia llevando una corona blanca con fondo dorado. Fue considerado como pintor de mérito en la primera mitad del siglo XV.1
Francesc Vergós (II) continuó los trabajos de su tío Jaume Vergós (I) y pintó también varios retablos, solo o en colaboración con otros artistas. Obra atribuida:
Retablo de la Santa Cruz (1443) para la capilla del Hospital de la Santa Cruz de Barcelona, en colaboración con Pere Terrers.
Jaume Vergós (II) (~ 1424 a 1503), hijo de Jaume Vergós (I), heredó de su padre el cargo de pintor abanderado de la ciudad. Participó con otros pintores en la decoración pictórica del Palacio Real de Barcelona en 1464.2 El 25 de abril de 1494, la viuda de Huguet lo nombró albacea de su patrimonio, lo que demuestra la íntima relación entre ambas familias. Fue nombrado consejero de la ciudad en 1502.
En 1476 pintó para la cofradía del Santo Espíritu de Cervera dos estandartes usados como insignia de guerra en la Edad Media, «hermosament pintats».2 Su obra pictórica posterior ha llegado siempre referenciada en asociación con los sus hijos o de otros artistas. Algunos autores le atribuyen los dibujos del Llibre d'administració de les places que se puede ver en el Museo de Historia de Barcelona. A raíz de su segundo matrimonio, se unieron a su nombre y a su taller sus hijastros Joan y Climent Domènech, cuya obra personal es absolutamente desconocida. La obra atribuida a Jaume Vergós (II) es:
«Retablo de los pelaires» para el Convento de Sant Agustí Vell de Barcelona, en 1495, con la colaboración de sus hijos Pau y Rafael.
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