Museo del Arte
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- La mujer barbuda "Magdalena Ventura con su marido" / José de Ribera
- La muerte del general Wolfe / Benjamín West
- Composición VII / Vasily Kandinsky
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Posted: 17 Feb 2013 09:48 AM PST
José de Ribera
El Virrey de Nápoles, don Fernando Afán de Ribera y Enríquez, tercer duque de Alcalá, encargó a Ribera uno de los cuadros más extraños de su producción. Se trata del retrato de Magdalena Ventura con su marido y en una inscripción que aparece en la zona derecha del lienzo cuenta el extraño caso.
EN MAGNUM NATURAE / MIRACULUM / MAGDALENA VENTURA EX OPPIDO ACUMULI APUD / SAMNITES VULGO EL A / BRUZZO REGNI NEAPOLI / TAÑÍ ANNORUM 52 ET / QUOD INSOLENS EST CU / ANNUN 37 AGERET CE /PIT PUBESCERÉ EOQUE / BARBARA DEMISSA AL PROLIXA EXT VI POTIUS / ALCIVIOS MAGISTRI BARNATI / ESSE VIDEATUR / QUAM MULIERIS QUE TRES FILLIOS / ANTE AMISERIT QUOS EX / VIRO SUO FELICI DE AMICI / QUEM ADESSE VIDES HA / BUERAT / HOSEPHUS DE RIBERA HIS / PANUS CHRISTI CRUCE / INSIGNITUR SUI TEM / PORIS ALTER APELLES / JUSSU FERDINAND II / DUCIS III DE ALCALÁ / NEAPOLI PROGERIS AD / VIVUM MIRE DEPINSIT / Xllll CALEÑO / MART / ANNO CIDDCXXXI.
A Magdalena, mujer procedente de los Abruzzos, le empezó a crecer la barba a los 37 años y 15 después tuvo el hijo con el que aquí aparece representada. El encargo responde al deseo del Virrey de tener una excepcional prueba de un extraño caso que se produjo durante su mandato, de la misma manera que Carreño realizará los retratos de la Monstrua vestida y desnuda. Doña Magdalena aparece en el centro de la composición, vestida como una mujer y dando de amamantar a su pequeño pero su rostro es absolutamente viril, mostrando en su gesto cierto dolor y abatimiento. A su lado podemos ver a su marido cuyo retrato también es soberbio, captando la amarga resignación con la que vive el caso. Sobre las piedras que contienen la inscripción podemos apreciar un huso y una devanadera de hilo, símbolos de la feminidad que se supone a la mujer, a pesar de su aspecto. El estilo empleado por Ribera sigue las pautas del tenebrismo de origen caravaggista, utilizando una iluminación que crea intensos contrastes con los que se acentúa la tensión del asunto. Rostros, manos, paños y objetos están tomados con absoluto naturalismo, de la misma manera que el bebe amamantando. El resultado es una obra de carácter documental tratada con exquisito respeto y de manera casi científica.
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Posted: 17 Feb 2013 09:41 AM PST
Benjamín West
El artista, nacido en 1738 en Springfield, se había dedicado en un primer momento al retrato. En la corte de Jorge III afrontó temas históricos; fue presidente de la Royal Academy hasta su muerte, acaecida en Londres en 1820. Aquí el artista ha tratado un episodio de la Guerra de los Siete Años, la batalla contra los franceses en los Plains of Abraham, de septiembre de 1759.
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Posted: 17 Feb 2013 09:36 AM PST
Vasily Kandinsky
La elección del título no es casual: el término «composición» denota una intensa meditación formal. En 1909 el artista realiza la primera de sus «Improvisaciones», en las que dispone los colores libremente, sin relación alguna con el objeto, expresión inconsciente de su personalidad. En 1911 realiza seis «Impresiones», y entre 1909 y 1939 elabora diez «Composiciones». De 1909 y 1910 son los títulos de las series Impresiones, Improvisaciones, Composiciones, que provienen del campo musical y hacen referencia respectivamente a las pinturas aún vinculadas a la impresión natural, a las marcadas por la evocación de elementos naturalistas pero ya abstractos y, por último, a las completamente desvinculadas de la representación objetiva. Este es el cuadro más importante del primer período abstracto de Kandinsky. Se trata de una obra precedida por un largo estudio, mil dibujos y acuarelas preparatorias, que denota una gran complejidad, dinamismo y, sobre todo, una enorme libertad formal. Para penetrar en el arte de Kandinsky, hay que tener presente la importancia de la música: el mundo es fundamentalmente un fenómeno sonoro que el artista ve en su libertad de germinación continua, el pintor encontrará en ella inmediata inspiración para la plena realización de su lenguaje artístico.
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Tomada la decisión, se trasladó a Munich para estudiar arte, especialmente anatomía (en un primer periodo), algo que no era muy de su agrado, por lo que más tarde alternó estos estudios con los de dibujo en la academia de Franz von Stuck, considerado entonces uno de los mejores dibujantes de Alemania. Tras un año abandona este taller para desarrollar su propio estilo artístico. Han pasado cinco años.
ResponderEliminarEn 1901 fundó "Phalanx" una asociación de artistas y exposiciones, y desde entonces comienza su prolífica obra que va exponiendo, junto con la de otros jóvenes artistas, en "Phalanx". Pero en esta época aún no aflora lo que será el estilo de sus futuras obras abstractas, aunque todo apunta a ello: sus cuadros ya provocan en el espectador un efecto chocante, con fuertes contrastes cromáticos y siempre en relación con los estados de ánimo. Sus pinceladas de óleo son pastosas y de colores luminosos, los elementos figurativos están simplificados y muy estilizados, mostrando un profundo deseo de abstracción, con una composición muy estudiada, algo fundamental para Kandinsky.
En esta época su obra obtuvo críticas negativas o el desprecio del silencio en el ambiente artístico de Munich; sólo su círculo de amigos y algún que otro artista importante elogiaron su trabajo. Dada la poca rentabilidad de "Phalanx" decide, como presidente, la disolución del grupo. Empezaba para Kandinsky el duro camino del reconocimiento. Se embarcó en múltiples proyectos y planes, y comenzó a tomar notas para su manuscrito sobre su concepción del arte.
En 1907 leyó Abstracción e intuición, de Whilelm Worringer, lo que le confirmó en su idea de que la pintura no necesita de la representación figurativa. En ese sentido recopiló cualquier indicio que apoyara su visión del arte. Durante un tiempo estudió esoterismo en la Sociedad Teosófica, fundada por Helena Petrovna Blavatsky. También se interesó por la música y el teatro de su tiempo.
Habiendo roto, él y otros artistas, con la N.K.V.M., se crea en 1911 la redacción del "Jinete Azul", que se presenta con una variopinta exposición de varios artistas de muy diferentes estilos que a nadie dejó indiferente. La idea era mostrar las múltiples formas en las que el artista puede expresarse. Kandinsky y su grupo pensaban en una curación a través del arte, un arte nuevo, limpio, espiritual y trascendente que surgía de algunas expresiones artísticas. El escrito de Sobre lo espiritual en el arte (que veremos en una segunda parte) se presentó con esta exposición. En él se explica la función del arte, según el artista, y cómo el hombre está atrapado en una concepción materialista, positivista, del mundo que lo angustia, por lo que debe adoptar una nueva actitud espiritual que lo libere de ese yugo. En estas ideas se ve claramente la influencia de su relación con las ciencias ocultas, que no fue meramente tangencial; su obra se basa en esas convicciones místicas.
Su pintura fue pasando del expresionismo a la abstracción; en esa época algunos de sus cuadros alcanzan un equilibrio, una armonía cromática, que son como un descanso, como un desahogo; ejemplo de ello son sus pinturas Improvisación quebrada (1914) y Pequeñas alegrías (1913).
Leer más: http://www.monografias.com/trabajos901/kandinski-creador-arte-abstracto/kandinski-creador-arte-abstracto.shtml#ixzz2ZQEB1HJg
Kandinsky, Wassily Moscú(Rusia) 1866-1944
Lugar de cración: Münich
Período Grupo "El jinete azul"/ Expresionismo
Cuando vemos el arte desde el punto de vista de los materiales prácticos y de las técnicas, no es posible pensar en términos puramente abstractos, tales como vagas nociones de valor, creatividad o conocimientos artísticos. Como espectadores respondemos con nuestros sentidos, con nuestro cuerpo. Todos los sentidos forman parte de ste proceso no sólo la vista.
ResponderEliminarEl oído ha sido fuente vital de inspiración en muchos pintores abstractos. Wassily Kandinsky(1886-1944, en particular era guiado por su amor a la música. Deseaba que el color y la línea expresaran armonías y disonancias análogas a las producidas por los sonidos. Paul Klee(1879-1940) deseaba hallar expresión pictórica para dos conceptos musicales: la polifonía(muchas voces) y el contrapunto(la combinación de diferentes melodías). Para lograrlo, usaba formas y matices contrastantes en la armonía general de la imagen.
Kandinsky en su libro "Punto y línea sobre el plano" dice¨
"Ya sabemos qué es una línea musical(la línea crece orgánicamente a través de los puntos. La mayoría de los instrumentos musicales producen sonidos de carácter lineal. Líneas muy delgadas las encontramos en el violín, la flauta y algo más gruesas en la viola y el clarinete, se llega a líneas muy anchas en sonidos profundos del contrabajo o la tuba.
Además de variar en el ancho, la línea varía también en el color según la variedad cromática de los diferentes instrumentos.(...)
Es interesante señalar, en este sentido, que la notación musical no es más que una combinación de líneas y puntos.
Los grados de fuerza del sonido, desde el pianíssimo al fortíssimo, se puede expresar a través de la agudeza creciente y decreciente de la línea.
No es azaroso que ha llamado "Composición" a esta obra ya que no es más que una exacta y regular organización, en forma de tensiones de las "fuerzas vivas encerradas en los elementos.
En Kandinsky sospecho que en toda composición se trata de las relaciones de las líneas rectas con las líneas curvas, en su sentido ascendente o descendente; desde lo excéntrico o de la consonancia o disonancia de curvas geométricas. Se tratará de mirar a Kndinsky con música de Schönberg, Wagner o Alban Berg. También de John Cage.