"Tu silencio no te protegerá": 8 razones para ver a Barbara Kruger en la galería Mary Boone
Aunque el fin de semana de Acción de Gracias se trata de pasar tiempo con la familia, también se trata de ir de compras. Si busca evitar el gasto excesivo inducido por la ansiedad, pase el Black Friday y el Cyber Monday viendo el arte en su lugar. "1978", la exposición de Barbara Kruger en la galería Mary Boone de Nueva York, es un excelente lugar para comenzar, considerando que su carrera de décadas ha estado dedicada a subvertir el consumismo y la publicidad.
La mayoría de la gente conoce a Kruger por sus fotografías en blanco y negro del mismo nombre con cuadros de texto en blanco sobre rojo, una imagen muy famosa de la marca Supreme de Hyper-Beast. Estos trabajos de collage se hicieron a principios de los años ochenta, pero Kruger había estado trabajando aproximadamente dos décadas antes de eso, primero como diseñador gráfico, luego como artista. Las obras en Mary Boone se retiraron a partir del año 1978, poniendo en primer plano los primeros experimentos de Kruger con imágenes y texto encontrados. El espectáculo es una buena manera de contextualizar la obra de Kruger y, porque es Kruger, las obras también son buenas . A continuación se presentan ocho razones para ver el espectáculo, comenzando con algunos datos sobre el artista en general y terminando con algunos aspectos destacados de la exposición en sí.
1. Al igual que Andy Warhol , Kruger estuvo muy influenciada por sus años como diseñadora gráfica. Kruger dejó Parsons en 1966 para trabajar en la revista Mademoiselle como diseñador de nivel de entrada; Ella fue promovida a jefe de diseño un año después. Durante la próxima década, Kruger y diseño gráfico para publicaciones destacadas como Aperture .
Sin título (Tienes dinero para quemar) por Barbara Kruger, 1987. Imagen a través de Pinterest
2. A principios de los años ochenta, Kruger comenzó a hacer arte con imágenes extraídas de publicidad y medios impresos para comentar sobre la cultura del consumidor. A finales de los años sesenta, Kruger formó parte de la recuperación feminista de la artesanía. Sus obras más tempranas, que se remontan a 1969, involucraron grandes tapices de pared hechos de hilo, cuentas, lentejuelas y ganchillo. Después de aburrirse de este estilo, se tomó un descanso del arte antes de regresar con un nuevo interés en la fotografía, fotografiando "hogares familiares que [su familia] nunca podría pagar". A principios de los años 80, cambió de fotografía a fotografía fundada. Recopilación de imágenes de publicidad y revistas con texto de acompañamiento. Como señaló el escritor Jamie Keiles en el New Yorker, “Este trabajo combina escenas de la vida del consumidor banal con texto que replantea los motivos implícitos de sus súbditos. En una obra en blanco y negro, de 1979, una mujer que lee a Marie Claire aparece junto al titular "engañada".
3. ¡El trabajo de Kruger hizo famosa la fuente Futura!
En 1981, su arte fue presentado junto con el trabajo de Jean-Michel Basquiat y Jenny Holzer en una exposición colectiva llamada "Discurso público". Allí, debutó en lo que se convertiría en su estilo característico: la fuente blanca Futura Texta en cajas rojas sobre negro y negro. fotografía en blanco. Si la estética te recuerda el logo de Supreme ... debería. Como señala Keiles, "En 1994, la marca de ropa urbana del centro, Supreme Kruger, tenía el color rojo y blanco Futura de Kruger por su logotipo, burlándose del límite entre homenaje, parodia y robo".
4. Kruger cambió la forma en que pensamos del "arte del texto".
Mientras artistas de texto como Ed Ruscha se hicieron famosos por agregar palabras a las pinturas, Kruger buscó crear lo que Mary Boone Gallery denomina un "entorno total de palabras e imágenes". Para su presentación de 1991 en la galería, Kruger cubrió los pisos, techos y paredes. con imagenes Al quitar el texto de la página y convertirlo en un espacio tridimensional, Kruger refleja nuestra saturación total en los medios y "el discurso", un efecto que solo se amplificó en la Era de la Información.
Sin título (Tu cuerpo es un campo de batalla) por Barbara Kruger, 1989. Imagen a través de The Broad.5. El arte de Kruger fue informado por su praxis feminista.La mayoría de las obras de Kruger, especialmente las que muestran cuerpos de mujeres, tenían un mensaje explícitamente feminista. Al agregar texto, puso en primer plano la mirada masculina, reflejándola de nuevo a su espectador, y lo que las mujeres pensaron, sintieron y dijeron en respuesta. Kruger usó a menudo a la segunda persona para implicar al espectador. Por ejemplo, un primer plano de una mujer que se pincha el dedo con un alfiler de seguridad dice: "Pensando en ti". Algunas de las obras de Kruger incluso se crearon para funcionar dentro de movimientos feministas específicos: Sin título (Tu cuerpo es un campo de batalla) , por ejemplo. ejemplo, fue originalmente un póster pro-vida para la Marcha de las mujeres de 1989 en Washington.
Sin título (Pensando en ti) por Barbara Kruger, 1990-2000. Imagen a través del Museo Whitney de Arte Americano.6. El show de Mary Boone es una mirada rara en los primeros trabajos de Kruger. La exposición se compone de obras de 1978. Adecuadamente, la muestra se llama "1978". Estas piezas muestran los primeros experimentos de Kruger con texto e imagen, que, a diferencia de sus trabajos posteriores, no se colocan dentro del mismo marco. En su lugar, están emparejados por separado, en un estilo más cercano al panel de cómics. Pero a pesar de esta diferencia visual, los hábiles cambios de Kruger entre la profundidad psicológica y la ofuscación todavía están muy presentes.
Sin título (Cuerpo) por Barbara Kruger, 1978. Imagen a través de la galería Mary Boone
7. En la serie Sin título (Cuerpo) , Kruger juega con el tamaño de fuente para contar varias historias a la vez. Cada trabajo en la serie Sin título (Cuerpo) contiene dos grupos de texto: a la izquierda, en letra más pequeña, hay frases cortas apiladas una encima de la otra, tal vez imitando una narrativa interna. A la derecha, el texto en cursiva en un tamaño de fuente más grande implora algo de "usted", que no está presente pero que también lo está, porque es el espectador, "usted", contra los avances sexuales no deseados.
Sin título (Coches) , 1978 de Barbara Kruger. Imagen vía mary boone.
8. La serie Sin título (Coches) de Kruger muestra el tipo de arcos narrativos extendidos que, en sus obras posteriores, la artista condensaría en unas pocas palabras. Sin título (Coches)se basa en lo que Kruger (aunque usted también) pueda imaginar acerca de personas basadas en sus autos: una rosa rosa en el tablero, un plátano a medio comer en interiores de cuero rojo, los American Dreams de todos los demás floreciendo y explotando. El texto que acompaña, golpeado en una máquina de escribir, trata sobre un párrafo de la narrativa elíptica: "Se rió cuando su madre compró el bushel de flores de plástico", comienza uno. "Escogió rosas y tulipanes en cuatro colores diferentes y los esparció por toda la casa". Kruger es famoso por usar jingles y aforismos. Si estas frases de reflexión reflejan el consumismo estadounidense, también podemos, como muestran estas primeras obras, verlas como narrativas hipercondenadas, los mini arcos de Untitled (Cars) comprimidos en una palabra o dos.
ARTÍCULOS RELACIONADOS:
ARTÍCULOS RELACIONADOS
EXPOSICIONES
EXPOSICIONES
EXPOSICIONES
EXPOSICIONES
www.artspace.com
(...)Aunque a finales de la década de los 60, artistas femeninas como Yoko Ono y Carolee Schneemann empezaron a hacer trabajos sobre sus cuerpos, el feminismo de la segunda ola sirvió de impulso para una explosión de arte feminista. Estos artistas intentaron crear imágenes positivas de mujeres a través de tácticas como la inversión de roles, la recuperación de artistas femeninas de la historia y la validación de las tradiciones artesanales de las mujeres. En 1971, la historiadora del arte Linda Nochlin planteó la pregunta "¿Por qué no ha habido grandes artistas femeninas?" en su ensayo histórico ARTnews del mismo nombre, y ese mismo año, Judy Chicago y Miriam Schapiro establecieron el Programa de Arte Feminista en CalArts, el primero de su tipo. En 1972, AIR Gallery, la primera galería cooperativa de mujeres en los Estados Unidos, abrió,
ResponderEliminarA finales de los 70 y principios de los 80, un segundo grupo de artistas que incluía a Cindy Sherman, Sherrie Levine, Martha Rosler y Mary Kelly adoptaron un enfoque diferente para abordar los problemas feministas. Ya no bastaba con crear imágenes positivas: estos artistas, informados por modos de pensamiento posmodernos y psicoanalíticos, tenían como objetivo llegar al corazón de la representación. Levine, Sherman y Barbara Kruger, entre otros, utilizaron la fotografía para exponer el significado de las imágenes y los medios de comunicación para moldear las actitudes culturales. En los años 90 y 2000, surgió otra generación de artistas feministas, incluidas figuras como Deborah Kass, Ghada Amer, Tracey Emin y Amy Sillman, quienes se inspiraron y expandieron el legado de las pioneras del arte feminista.
Los últimos años han visto cómo se presta mayor atención a la historia del arte feminista. Los principales museos han recibido extensas encuestas dedicadas a artistas femeninas, ¡incluyendo WACK! Art and the Feminist Revolution en LA MOCA y MoMA PS1, el proyecto Modern Women de MoMA , y elles @ centrepompidou , y en 2007, el Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art abrió en el Brooklyn Museum, con la icónica instalación de Judy Chicago The Dinner Party as su pieza central Explore esta colección para obtener una introducción a las artistas feministas disponibles en Artspace.www.artpace.com