CARLA ZACCAGNINI, ARGENTINA (1973) VIVE Y TRABAJA EN BRASIL
Carla Zaccagnini, junto a otros artistas participará de la 9 Bienal de Sanghai, el mayor evento cultural de Asia. Aquí se muestra su obra "Para ser construídos"
Arte concreto
Arte concreto o Concretismo es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló durante los años 1930 a partir de la obra de De Stijl, los futuristas y Kandinsky en torno al pintor suizo Max Bill (1908-1994). El término «arte concreto» fue introducido por primera vez por Theo van Doesburg en su «Manifiesto de arte concreto» (1930). Tal como él lo entiende, esta forma de abstracción debe liberarse de cualquier asociación simbólica con la realidad, argumentando que las líneas y los colores son concretos por sí mismos. Predomina la forma sobre el color; se usan colores planos.
Max Bill llevó esta idea más allá, organizando la primera exposición internacional en 1944. Fructificó en el norte de Italia y en Francia en los años 1940 y 1950 a través de la obra de grupos como Movimento d'arte concreta (MAC) y Espace. Fue llevado a la práctica por el grupo Abstraction-Création.
Otros artistas de esta tendencia fueron Naum Gabo (1890-1977) y Auguste Herbin (1882-1960).
Con posterioridad a la Segunda Guerra Mundial (1945), se desarrolla el Neoconcretismo o Pintura Neoconcreta, en paralelo con el informalismo. Cultiva una pintura abstracta del tipo "borde duro". Esta abstracción geométrica fue representada por autores como Max Bill, Richard Paul Lohse, Zdenek Sykora y Antonio Calderara.
[editar]Enlaces externos
- Concretismo o Arte Concreto / Pintura Constructivo-Abstracta (requiere log-in) en arteuniversal.com, donde pueden verse algunos ejemplos de cuadros de esta tendencia.
- Neoconcretismo / Pintura Neoconcretaes.wikipedia.org
Neoconcretismo
ResponderEliminarHistoria
La ruptura neoconcreta en el arte brasileño remonta a marzo de 1959, después que el grupo de mismo nombre publica el Manifesto Neoconcreto [Manifiesto Neoconcreto], y se debe comprender en base al movimiento concreto en el país, que remonta a comienzos de la década de 1950 y a los artistas del Grupo Frente, en Río de Janeiro, y del Grupo Ruptura, en São Paulo. Tributaria de las corrientes abstractas modernas de las primeras décadas del siglo XX - con raíces en experiencias como las de la Bauhaus, de los grupos De Stijl [El Estilo] y Cercle et Carré, además del suprematismo y constructivismo soviéticos -, el arte concreto crece en el país en consonancia con las formulaciones de Max Bill (1908 - 1994), principal responsable del ingreso de ese ideario plástico en América Latina, luego de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).
El contexto favorable al desarrollo de la creencia en la industria y en el progreso dicta el estilo de la época por la que se mueven los adeptos del arte concreto en Brasil. El programa concreto parte de un acercamiento entre el trabajo artístico y el industrial. Del arte se aparta toda connotación lírica o simbólica. La pintura, construida exclusivamente con elementos plásticos -planos y colores-, no tiene otro significado que ella misma. Menos que representar la realidad, la obra de arte evidencia estructuras y planos relacionados, formas seriadas y geométricas, que hablan por sí solas. A pesar de la pauta general compartida por el arte concreto en Brasil, es posible afirmar que la investigación de los artistas de São Paulo enfatiza el concepto de pura visualidad de la forma, a la que el grupo de Río de Janeiro opone una fuerte articulación entre el arte y la vida - que aleja la consideración de la obra como "máquina" u "objeto" -, y un énfasis mayor en la intuición como requisito fundamental del trabajo artístico. Las divergencias entre Río y São Paulo se evidencian en la Exposição Nacional de Arte Concreta [Exposición Nacional de Arte Concreto], São Paulo, 1956, y Río de Janeiro, 1957, inicio de la ruptura neoconcreta.
El manifiesto de 1959, firmado por Amilcar de Castro (1920 - 2002), Ferreira Gullar (1930), Franz Weissmann (1911 - 2005), Lygia Clark (1920 - 1988), Lygia Pape (1927 - 2004), Reynaldo Jardim (1926) y Theon Spanudis (1915), denuncia ya en sus renglones iniciales que la "toma de posición neoconcreta" se hace "particularmente en virtud del arte concreto llevado a una peligrosa exacerbación racionalista". Contra las ortodoxias constructivas y el dogmatismo geométrico, los neoconcretos defienden la libertad de experimentación, el regreso a las intenciones expresivas y el rescate de la subjetividad. La recuperación de las posibilidades creadoras del artista - ya no considerado un inventor de prototipos industriales - y la incorporación efectiva del observador - que al tocar y manejar las obras se convierte en parte de ellas - se presentan como intentos de eliminar algún rasgo técnico-científico presente en el arte concreto. Si el arte no es producción de hechura industrial, sino fundamentalmente un medio de expresión, es porque el hacer artístico se ancla en la experiencia definida en el tiempo y en el espacio. Al empirismo y a la objetividad concretos que llevarían, en el límite, a la pérdida de la especificidad del trabajo artístico, los neoconcretos responden con la defensa del mantenimiento del "aura" de la obra de arte y de la recuperación de un humanismo.
2 Parangolés: capas de algodón o nylon, con poemas pintados sobre su tela.
www.itau.cultural.org.br
En las esculturas de Amilcar de Castro puede observarse un intento de renovación del lenguaje geométrico. Los cortes y pliegues que se hacen con materiales rígidos, como el hierro, evidencian el trabajo realizado para la confección del objeto. De la oposición entre el acto del artista - que busca trazos precisos - y la materia resistente, nace la obra, fruto del esfuerzo constructivo, pero también de la emoción. En las palabras de Castro: "Arte sin emoción es precario. Max Bill quería algo tan fabulosamente puro, sin emoción". En las series de los Bilaterais [Bilaterales] y Relevos Espaciais [Relieves Espaciales], 1959, de Hélio Oiticica (1937 - 1980), y en los Trepantes [Trepadores] realizados por Lygia Clark en la década de 1960, por ejemplo, las formas conquistan el espacio de manera decisiva para luego romper con las distancias entre el observador y la obra, como en Bichos, creados por Lygia Clark, y en los Livros [Libros], de Lygia Pape. El arte interpela el mundo, la vida y también el cuerpo, atestan el Ballet Neoconcreto, 1958, de Lygia Pape, y los Penetráveis [Penetrables], Bólides1 y Parangolés2 creados por Oiticica en los años 1960. El color, rechazado por el arte concreto, invade las investigaciones neoconcretas, por ejemplo, en las obras de Aluísio Carvão (1920 - 2001), Hércules Barsotti (1914), Willys de Castro (1926 - 1988) y Oiticica. Estudios realizados sobre el tema ponen de relieve el lugar del movimiento neoconcreto como divisor de aguas en la historia de las artes visuales en Brasil; un punto de ruptura del arte moderno en el país, dice el crítico Ronaldo Brito.
ResponderEliminarNotas
1 En los Bólides - "transobjetos" - las estructuras, cajas, cristales, plásticos, etc. contienen materiales de colores, que pueden mirarse desde dentro y desde fuera.
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En la era postmoderna, se celebra el nomadismo planetario, migrantes que abandonan el campo empobrecido de los márgenes hacia los suburbios de las grandes capitales desarrolladas produciendo, hibridaciones, mezclas y diálogos. El arte investiga nuevas formas de espaciarse, desmaterializarse y volverse portátil. Uno de cada tres habitantes de América Latina vive en asentamientos precarios.
ResponderEliminarSin embargo, acá se trata de mostrar en definitiva, la construcción misma del sujeto, la construcción de su identidad. Estamos ante otra dimensión, para que el sujeto capte lo que de sí mismo ha tenido que abandonar,para constituírse y quizá se encuentre con algo que no quería saber; que se ha constituído como un deshecho, en el sentido de una construcción ficticia.
"El desecho de los que los alquimistas llamaban "caput mortuum". Es lo que cae, lo que se desprende, como por otro lado se eleva.
Es lo que se negativiza, o lo que se hace desaparecer mientras el ideal resplandece. Y lo que resplandece tiene una forma. Se podría decir que el ideal es la gloria de la forma. Mientras que el desecho es informe; es extarído de una totalidad de la que no es sino pedazo, pieza suelta."(...). "El surrealismo procede a una estetización del desecho. Hace pasar el desecho al registro de lo estético, mediante lo cual, si bien modifica la definición de lo bello, no pone lo bello en cuestión. Es lo que el arte, siempre ha hecho. El arte contemporáneo a partir de Marcel Duchamp se ocupa de ofrecernos el desecho mismo, como objeto de arte."
Fuente: Jaques-Alain Miller, "Punto Cenit"-Política, religión y el psicoanálisis-Buenos Aires, Colección Diva, 2012
Graciela Speranza, "Atlas portátil de América Latina" Arte y ficciones errantes- Barcelona, Anagrama 2012
Graduado en la Escuela Superior de Artes Visuales de Buenos Aires, Robbio(Mar del Plata (1975)ha desarrollado una multidisciplinar faceta basada en el dibujo como herramienta para el estudio y desarrollo de sus posibilidades conceptuales. El diseño de muebles y objetos gráficos, las instalaciones de índole plástica o los proyectos específicos como el “istmo-arquivo flexible” son algunos de los ejemplos que respaldan dicha afirmación. “Indirections” en el Pharos Centre for Contemporary Art, Nicosia, Chipre (2008), “Sólo los iceberg viajan a la deriva” en el Firstsite, Colchester, Reino Unido (2005) o “Mayo” en la Galería Vermelho, Sao Paulo (2005) son algunas de las muestras individuales llevadas a cabo. Entre las colectivas destaca su presencia en la “31º Panorama da Arte Brasileira – Mamõyguara opá mamõ pupé” MAM_SP, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil (2009), “Emissores Reunidos – Episódio 1: O Amanhã De Ontem Não É Hoje”, Fundação Serralves Oporto, Portugal (2008), “Gabinete de desenhos”, MAM-SP, Museu de Arte Moderna de São Paulo – São Paulo, Brasil (2006), “Dibujos: A-Z”, Colección Madeira Corporate Services, Isla de Madeira, Portugal (2005) o “Imágenes”, Fundación Cultural de Curitiba, Paraná, Brasil, (2003).www.paraserconstruidos.wordpress.com
ResponderEliminarEl trabajo que presenta Nicolas Robbio,en realidad, nos describe dos trabajos. Consiste en una instalación con un sistema de cuerdas y de poleas, lo describe muy bien en el vídeo.Son imágenes geométricas, donde se producen intersecciones y un video con un accidente casual por las personan que caminan por la calle.
Me evocaron inmediatamente los recorridos por distintas ciudades realizados por el artista belga, Francis Alýs, radicado en México desde 1986. En este blogs,se puede escucharlo en una interview el 16-4-2010, y sus caminatas por México, "Algunas veces el hacer algo no lleva a nada", donde arrastra un bloque de hielo hasta que nada queda. También en La Habana en 1994,"Zapatos Magnéticos". el Lima "Cuando la fe mueve montañas".El 12 de marzo de 2010 "El zorro en el museo".
"Cuando decidí abandonar la arquitectura", confiesa el artista "mi primer impulso fue no agregar nada a la ciudad, sino más bien observar lo que estaba ahí, trabajar con los desechos, o los espacios negativos, los agujeros, los intersticios. Y, también: "la invención de un lenguaje va de la mano de la invención de la ciudad. Cada una de mis intervenciones es otro fragmento de una historia que estoy inventando y de la ciudad que estoy creando".
Es muy interesante el recorrido que realiza por las calles de México, destejiendo la manga de su pulóver que lleva puesto, dejando que la hebra de lana dibujara el recorrido por las calles.como una huella material y efímera de su paso.