Revisando el lugar de Florine Stettheimer en la historia del arte
El artista, poeta, diseñador y artista de jazz de Nueva York es el tema de una retrospectiva en el Museo Judío.
Doyenne de la libertad: Stettheimer "A Model (Nude Self-Portrait)", de 1915.
Esta es un buen momento para tomar en serio a Florine Stettheimer. La ocasión es una retrospectiva del artista, poeta y diseñador neoyorquino Jazz Age Saloniste, en el Jewish Museum, titulado "Florine Stettheimer: Painting Poetry". El ímpetu es una tentación para repensar viejas órdenes de mérito en la historia del arte. No es que Stettheimer, que murió en 1944, a la edad de setenta y tres años, necesite redescubrirse. Ella es apreciada con seguridad -o más bien adorada- por sus pinturas eufóricamente falsamente ingenuas de escenas de fiestas y de sus amigos famosos, y por sus cuatro alegorías satíricas de Manhattan, a las que llamó "Catedrales": fantasmagorías repletas de símbolos de Fifth Avenue, Broadway, Wall Street y Art, en el Museo Metropolitano.
Pintó en brillantes colores primarios, más blanco y negro acento, con el extraño color púrpura insinuante. Incluso su tristeza arde. Los verdes son menos frecuentes; celosamente educado, Stettheimer no era para la naturaleza, excepto, surrealista, por las glorias de las flores de gran tamaño que irrumpen en sus escenas interiores. Ella pintó amarillo hierba. Parecía una excéntrica atípica del modernismo estadounidense, y las apreciaciones de ella a menudo corrían al campamento; era probable que con ese espíritu Andy Warhol la llamara su artista favorita. Pero, ¿qué sucede si, aclarando nuestras mentes y mirando de nuevo, reformulamos a los hombres principales que ella describió, notablemente Marcel Duchamp, en papeles secundarios? ¿Cuál es el drama cuando Stettheimer protagoniza?
Nacido en 1871, en Rochester, Nueva York, Stettheimer era el cuarto de cinco hijos de un banquero, que se quedó sin familia cuando todavía era un niño, aunque se mantuvieron económicamente ricos. Los dos descendientes más viejos se casaron. Florine y sus hermanas Carrie y Ettie, "los Stetties", como se las conocía, nunca lo hicieron. Vivieron con su madre, Rosetta, primero en el Upper West Side y, más tarde, cerca de Carnegie Hall. Florine también mantuvo habitaciones grandes y lujosamente decoradas en Bryant Park, como un estudio y salón. Carrie pasó más de veinte años creando una mansión de muñecas, ahora en el Museo de la Ciudad de Nueva York, que contiene obras en miniatura de artistas amigos. (Duchamp contribuyó con un pequeño "Nude Descending a Staircase".) Ettie, la más efervescente de las hermanas, escribió novelas sobre la independencia femenina y la desilusión romántica, bajo el pseudónimo desconcertante Henrie Waste. En el retrato que Florine hizo de ella en 1923, aparece como una diosa flapper en una chaise a la deriva en un cielo estrellado, junto a un arbusto ardiendo mosaico combinado y un árbol de Navidad. Ese gesto ecuménico es característico del fervor cosmopolita de los Stetties, que se extendió a un interés activo en el Renacimiento de Harlem, a través de su amigo el crítico, fotógrafo y mecenas Carl Van Vechten. Excluidos de la alta sociedad neoyorquina, debido a que eran judíos, las hermanas aprovecharon su ostracismo convirtiéndose en una gran dama de la libertad. que se extendió a un interés activo en el Renacimiento de Harlem, a través de su amigo el crítico, fotógrafo y mecenas Carl Van Vechten. Excluidos de la alta sociedad neoyorquina, debido a que eran judíos, las hermanas aprovecharon su ostracismo convirtiéndose en una gran dama de la libertad. que se extendió a un interés activo en el Renacimiento de Harlem, a través de su amigo el crítico, fotógrafo y mecenas Carl Van Vechten. Excluidos de la alta sociedad neoyorquina, debido a que eran judíos, las hermanas aprovecharon su ostracismo convirtiéndose en una gran dama de la libertad.
La pasión de Stettheimer por el arte comenzó temprano. Después de haber asistido a la Art Students League -los estudios de figuras en el programa confirman sus habilidades-, residió durante varios años con sus hermanas y su madre en Europa, estudiando arte en Alemania, asistiendo a conferencias de Henri Bergson en París y sumergiéndose en museos. Las mujeres regresaron a Nueva York al estallar la Primera Guerra Mundial. Decir que Stettheimer era, en ese punto, sofisticado es como llamar agua mojada. Ella tenía un simbolista inclinado, con afinidades para Gauguin, Bonnard, Ensor y Klimt, y las inflexiones de los Ballets Russes de Sergei Diaghilev. En 1912, emocionada por "L'Après-Midi d'un Faune", en París, compuso una especie de ballet de fan-ficción, "Orphée of the Quat-z-Arts", en el que una niña, separada de su padre durante una procesión festiva de estudiantes de arte, se encuentra en una bacanal con dioses, diosas y bailarines Apache. Ella baila con Orfeo hasta que Marte se inmiscuye. La concepción podría haber funcionado, en base a sus terribles diseños para ella, que se incluyen en la retrospectiva, pero el espectáculo nunca se produjo.
Una prueba más de que Stettheimer podría haber sido una gran diseñadora teatral la proporcionan los conjuntos y el vestuario que hizo, utilizando celofán, plumas y lentejuelas, para la ópera optimista de Gertrude Stein, "Cuatro santos en tres actos". La producción causó sensación. en Broadway, en 1934, con música de Virgil Thomson, coreografía de Frederic Ashton y un elenco afroamericano. Parece claro que Stettheimer también pudo haber tenido éxito en algunas de las otras carreras que entonces abrieron a las mujeres: la alta costura, tal vez. Pero, después de una exposición individual en la Galería Knoedler, en 1916, no trajo ventas y solo críticas tibias, ella se libró de cualquier carrera pública, a pesar de las declaraciones de amigos como Georgia O'Keeffe, quien le escribió: "Desearía que lo hicieras". ¡Vuélvete ordinario como el resto de nosotros y muestra tus pinturas este año!
En 1915, Stettheimer pintó quizás el primer autorretrato de desnudos de cuerpo entero de una mujer, y se reveló a sí misma como una verdadera pelirroja. La pose la toma de "Olympia", de Manet, quien la tomó prestada de la "Venus de Urbino" de Tiziano, pero la mano izquierda de Stettheimer, en lugar de descansar en su muñeca, blande un ramo de flores. Aparentemente divertida, es de pelo corto, cintura larga, piernas largas y senos pequeños: un nocaut de la época, a la edad de cuarenta y cuatro años. No se informan detalles de su vida amorosa, aunque le gustaban los hombres, si con cautela. (Ettie cortó muchas páginas de los diarios de Florine después de su muerte, pero, afortunadamente, desafió su orden de destruir las obras que permanecían en su estudio.) En uno de sus hábiles poemas, "Ocasionalmente", escribe sobre un tipo"Arremetió / Me quemó / Me asusté / Me fui corriendo." Con armadura "Contra el desgaste / Y lágrimas", el orador descarta "El siempre-a-ser-extraño", con lo cual "enciendo mi luz / Y me hago yo mismo". "Van Vechten la describió como una" persona completamente egocéntrica y dedicada ". Escribió:" No inspiró amor, afecto o incluso amistad cálida, pero despertó interés, respeto, admiración y entusiasmo ".
Stettheimer poblaba sus cuadros con figuras esbeltas: mujeres con vestidos esbeltos y hombres con trajes ceñidos. Tienen rostros individualizados, pero casi podrían ser clones debajo de la tela; no son tan doblados por el género como promediados por género. Ella hizo que Van Vechten, que era homosexual pero se había casado dos veces, apareciera tanto epiceno como heroico en una pintura de él en su departamento, en medio de símbolos de su miríada de vocaciones. Representó al crítico de arte Henry McBride como el juez de un partido de tenis. Para terminar el retrato de un amigo amante del sol que estaba de vacaciones en Nantucket, ella envió una tarjeta pintada con siete tonos de marrón claro, para que él seleccionara la que pertenecía en ese momento.
Pero Duchamp saca a la luz sentimientos más complejos en su trabajo, ya sea que lo muestre ayudando a servir langosta en un picnic; operando un artilugio de manivela y manivela, para conjurar una aparición de su alter ego femenino, Rrose Sélavy; o que aparece como un rostro místico e incorpóreo, a la manera de Cristo en el velo de Verónica. Al igual que Stettheimer, Duchamp provenía de una familia adinerada, y rechazó una carrera estándar en favor de una vocación de entretenimiento para toda la vida. Eran almas gemelas de algún tipo, se nota. Dos años después de su muerte, colaboró con McBride en una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Arte Moderno.
Los niños ricos rara vez se convierten en artistas comprometidos, aunque la generación Dada contó con otro, Francis Picabia, quien también asistió al salón de Stettheimer. Ella superó lo que la tarjeta aguda interpretada por Charles Coburn, en "La Dama Eva" de Preston Sturges, diagnostica como la tragedia de los ricos - "No necesitan nada" - convirtiéndola en su tema. La vida como una porción de crema batida sobre la crema batida funciona como un tema principal de sus visiones de decididamente lánguida y deluxe pero también de una intensa convivencia. De una manera, esto se juntó con el glamour de los años veinte Gatsbyesque en Nueva York. Pero en otro, enormemente consecuente, enfocó la consolidación de una vanguardia que cambia el mundo.
En sus pinturas, como en sus hogares, Stettheimer reunió lo mejor y los espíritus y energías más extravagantes -el genio colectivo- de su época, les dio un giro y los envió girando hacia el futuro. Ver el show. Conviértete en su último invitado interesante. ♦
viernes, 7 de julio de 2017
ResponderEliminarFlorine Stettheimer: Painting Poetry at THE JEWISH MUSEUM
eN ESTE BLOG
Durante 25 años, la exposición permanente en el Museo Judío , en el Upper East Side de la ciudad de Nueva York, ofreció una majestuosa procesión a través de 4.000 años de historia judía. Incluía siddurim iluminados, o libros de oraciones, y rollos de la Torá; un retrato de 1808 de una mujer judía adinerada pintada por Thomas Sully ; una vitrina que mostraba caricaturas antisemitas de judíos; un periódico gritando el titular "¡J'Accuse ...!" (la famosa defensa del escritor Emile Zola de Alfred Dreyfus, un oficial judío francés acusado injustamente de espiar a finales del siglo XIX); y una caja de cigarros perteneciente a Freud. La exhibición marchó hacia el Holocausto y la fundación de Israel.
ResponderEliminarEsta gran narrativa fue la fuerza motriz, con los objetos que sirven para ilustrar esa historia. Ahora, la exposición que define al museo ha sido reinventada.
Con alrededor de 575 piezas en exhibición, la nueva "Escenas de la colección" se apoya mucho más en el arte moderno y contemporáneo para proporcionar una introducción a las propiedades del museo, tocando la cultura y las identidades judías de muchas maneras sin sucumbir al didacticismo. Esta vez, cada objeto puede contar su propia historia, con el contexto y el contraste a menudo proporcionados por los objetos adyacentes. Como resultado, y en sintonía con nuestros tiempos, la exposición se ha alejado de cualquier percepción de una experiencia judía singular, en lugar de subrayar una variedad de tradiciones y experiencias en evolución relacionadas con la fe y la cultura judías. La presentación variada también cambiará cada seis meses más o menos, para mostrar una mayor variedad de objetos, teniendo en cuenta al visitante recurrente. (Se espera que este nuevo formato dure solo unos cinco años).(...)
fILL gLASS en www.artsy.net