MUSEO DE ARTE- EDUARD MANET PAUL .CÉZANNE
Museo del Arte
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Posted: 31 Oct 2012 01:48 AM PDT
Édouard Manet
Manet se presenta en este autorretrato más como un burgués que como un artista. Su elegante traje oscuro y su sombrero negro difícilmente hacen suponer que estaría pintando de esa manera en el estudio. Además, porta la paleta en la mano derecha y el pincel en la izquierda, prueba irrefutable de que emplea un espejo para pintarse. Su figura se recorta sobre un fondo neutro, como venía siendo habitual en la mayor parte de sus primeras obras. Se ilumina con un fuerte fogonazo de luz procedente de la izquierda, igual que hacían sus queridos maestros españoles del Barroco, a los que tanto admiraría en sus visitas al Prado. Las gamas oscuras empleadas son un recurso extraño en estos momentos en que el Impresionismo marca buena parte de su producción. Sin embargo, es muy característica la pincelada rápida empleada, casi como si se tratase de pequeñas comas que organizan la composición, igual que un puzzle. La penetrante mirada del pintor atrae la atención del espectador, demostrando su habilidad para captar las personalidades de los modelos, elemento imprescindible de un buen retratista.
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Posted: 31 Oct 2012 01:44 AM PDT
Paul Cézanne
En el invierno de 1888 Cézanne se interesó por la realización de un cuadro con temática carnavalesca -Martes de carnaval- inspirado posiblemente en las fiestas de Aix. Para ello pidió a su hijo Paul y a uno de sus amigos, Louis Guillaume, que posaran como Arlequín y Pierrot respectivamente, personajes de la "Commedia dell´Arte" que ya había utilizado entre otros pintores Antonie Watteau. En su afán de perfeccionamiento, el maestro de Aix empleó dos años en realizar la tela, ejecutando numerosos bocetos preparatorios como éste que contemplamos. La figura de Arlequín presenta un rostro tremendamente deformado, convirtiéndose en un claro precedente para las obras de la época rosa de Picasso. Pero la deformación no sólo alcanza al rostro sino que también llega a las alargadas piernas o los brazos, especialmente el que sostiene la palmeta. El joven se sitúa en un espacio indeterminado, construido a base de pinceladas de variados colores con los que se estructura tanto el suelo como la pared del fondo. El traje presenta los tradicionales rombos con los que se ayuda el artista para alcanzar la geometrización que estaba buscando después de superar la etapa impresionista.
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Posted: 31 Oct 2012 01:40 AM PDT
Paul Cézanne
Desde el siglo XVIII los pintores sintieron especial admiración por los personajes de la "Comedia del arte" entre los que estaba arlequín. Autores como Watteau, Goya o Daumier mostraron en alguna ocasión esta representación teatral, siendo ya en el siglo XX Picasso quien recupere el asunto, especialmente en su época rosa. Cézanne puede servir de puente entre estas dos etapas, interesándose en varias ocasiones por el tema del arlequín. La figura posa en una estancia, sosteniendo un bastón blanco bajo su brazo derecho. Avanza una de sus piernas para otorgar mayor dinamismo a la pose y entrelaza sus manos, forzando de esta manera las deformaciones anatómicas de la figura. El rostro manifiesta un evidente aspecto de máscara, anticipando las obras cubistas de Picasso. La geometrización se presenta en los rombos del traje y en la disposición de los trazos de color, aplicados de manera contundente. Se renuncia a las aportaciones impresionistas respecto a la luz, el color y las atmósferas para buscar nuevas formulaciones respecto al color y los volúmenes.
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Paul Cézanne(1839-1906) es hijo de un banquero de Aix, debe vencer la reticencia paterna para poder pintar. Comienza sus estudios de Derecho mientras sigue cursos de dibujo. Su compatriota Émile Zola, a quien conoce muy joven y que ha partido a París, lo impulsa con él y a lanzarse en una carrera artística. Después de un primer fracaso en el concurso de ingreso a la escuela de bellas artes en 1861, Cézanne se instala en la capital. Una vez allí copia incesantemente en Louvre obras de los grandes maestros: "El Louvre es el libro donde aprendemos a leer", dice y frecuenta la academia Suisse, un taller donde los pintores trabajan en forma libre observando un modelo vivo y donde los profesores se contentan con pasar una vez a la semana para corregir el trabajo de cada alumno. Conoce allí a Guillaumin, Pissarro, Monet, Renoir, Sisley y Bazille. Pero su pintura provoca sarcasmo entre sus camaradas: en realidad: en realidad sus temas son a la vez violentos, sensuales y morbosos, y pinta con tonalidades oscuras, con una pincelada sobrecargada de materia y potentes claroscuros. El retrato de su amigo, el pintor Achille Emperaire, es rechazado en el Salón por varias razones: la deformidad del personaje, pero también, y posiblemente sobre todo, por la ejecución del lienzo: pinceladas anchas, borde negro de limitando los contornos. Lo que se dice un comienzo dificil.
ResponderEliminarEstos tres artistas coinciden en el tratamiento de la materialidad de la pintura, en otras palabras, para el tratamiento de la tela como un objeto y no un medio. Esta preocupación por la materialidad de la pintura me recuerda a una publicación reciente de Michel Foucault, sobre la base de una serie de conferencias sobre el tema de " Manet y el objeto de la Pintura " . En este trabajo , Foucault destacó el hecho de que el lugar Manet como iniciador del arte moderno tiene sus raíces no sólo en su salida del academicismo clásico (en cuanto a sujetos, temas y técnicas ) , sino también en la forma en que se dirigió a la materialidad de la lona . Foucault sostiene que Manet logró en " inventar, si se quiere, el" cuadro-objeto ", la" pintura - objeto ' " - un movimiento que hizo posible todo el arte moderno " Foucault analiza tres aspectos principales en la obra de Manet : . ( 1 ) el espacio del lienzo , (2 ) la iluminación, y (3 ) el lugar del espectador. (Ver http://www.mikeettner.com/12/2012/manet-and-the-object-of-painting-by-michel-foucault/ )
ResponderEliminarLa Sainte-Victoire fue una montaña sagrada, mágica para Cézanne y Picasso
ResponderEliminarLa Sainte-Victoire fue mucho más que una montaña para Cézanne. Le obsesionaba. Tenía, para él, algo de sagrado, de mágico. También Picasso sintió la misma atracción por esta montaña sagrada. Tanto que su última morada, el castillo de Vauvenargues, donde está enterrado, se halla justo a los pies de Sainte-Victoire. Guillermo Solana subraya que Cézanne abordaba las naturalezas muertas como paisajes y éstos como naturalezas muertas, como podemos apreciar en las dos últimas secciones de la exposición. Una sala reúne un buen conjunto de naturalezas muertas, en las que el pintor va abullonando el mantel y crea con él unas formas que evocan claramente la Sainte-Victoire. La mesa prácticamente desaparece de sus composiciones. Cuelgan, además, cuatro pinturas de su célebre serie del cántaro de gres. Hay importantes préstamos de la Tate, la Fundación Beyeler, colecciones privadas... Sorprende que no haya ningún préstamo del Museo d’Orsay de París, que atesora la mayor colección del pintor. ¿Por qué? «Tiene que preguntárselo a ellos», responde Solana. Parece que la tensión entre los dos museos no ha desaparecido.
Por otro lado, Cézanne pintó los paisajes de lugares como L’Estaque y, especialmente, Gardanne como naturalezas muertas geométricas, con un juego de planos horizontales y verticales en el que las casas se agrupan extendiéndose por el terreno. «Semejan maquetas», explica Guillermo Solana. Pocos meses después de la muerte del pintor, nacieron los primeros experimentos cubistas de Braque y Picasso. Dos vistas de Gardanne, préstamos del Metropolitan de Nueva York y del Museo de Brooklyn, anticipan claramente este rompedor movimiento. Una placa en este pueblo de la Provenza francesa recuerda que allí nació el cubismo. Hoy los lugares de Cézanne en la Provenza (Aix-en-Provence, donde se puede visitar su taller y el Museo Granet; L’Estaque, Gardanne, la Sainte-Victoire...) son centros de peregrinación para sus numerosos y fieles seguidores.
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