ARTISTAS IBEROAMERICANOS PARTICIPAN EN LA 13 BIENAL DE ESTAMBUL
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19 artistas iberoamericanos participan en la 13ª Bienal de Estambul
16 Septiembre de 2013
19 artistas iberoamericanos participan en la 13ª Bienal de Estambul
Cartel de la Bienal de Estambul
En la 13ª Bienal de Estambul, comisariada porFulya Erdemci, participan, hasta el próximo 20 de octubre, 88 artistas internacionales de los cuales 19 son iberoamericanos (21.5% del total) -5 de México, 5 de Argentina, 5 de Brasil, 3 de España y 1 de Portugal-. De entre ellos, cabe destacarse, en primer lugar, la presencia por partida doble de 6 artistas, como son los casos de los españolesSantiago Sierra (Madrid, 1966) -quien participa también con un proyecto con Jorge Galindo (Madrid, 1965)- y Maider López (San Sebastián, 1975), de los mexicanos Fernando Ortega (Ciudad de México, 1971) y Jorge Méndez Blake (Guadalajara, 1974), de la brasileña Cinthia Marcelle (Belo Horizonte, Brasil, 1974) -quien presenta una nueva colaboración con el cineasta, videoartista y curadorTiago Mata Machado (Belo Horizonte, Brasil, 1973)- y de la portuguesa Carla Filipe (Vila Nova da Barquinha, 1973). Además, también se podrán ver proyectos individuales de los argentinos Lux Lindner (Buenos Aires, 1966), Diego Bianchi(Buenos Aires, 1969), Martin Cordiano (Buenos Aires, 1975) & Tomás Espina (Buenos Aires, 1975) y el colectivo Proyecto Secundario Liliana Maresca(Buenos Aires), de los brasileños Carlos Eduardo Felix da Costa "Cadu" (São Paulo, 1977), Fernanda Gomes (Río de Janeiro, Brasil, 1960) y Fernando Piola (São Paulo, 1982), y de los mexicanos Gonzalo Lebrija (Guadalajara, 1972) y José Antonio Vega Macotela (Ciudad de México, 1980).
El tema central de la 13ª Bienal de Estambul, que lleva por título "Mom, am I barbarian?", es analizar el espacio público como foro político. Además, también pretende crear ideas y formas sobre otros temas como la civilización y lo salvaje, la democracia o el papel del arte contemporáneo en nuestra sociedad.
El tema central de la 13ª Bienal de Estambul, que lleva por título "Mom, am I barbarian?", es analizar el espacio público como foro político. Además, también pretende crear ideas y formas sobre otros temas como la civilización y lo salvaje, la democracia o el papel del arte contemporáneo en nuestra sociedad.
A continuación la relación de los 19 artistas iberoamericanos, ordenados alfabéticamente dentro de las tres sedes donde exponen, así como la información de la/s galería/s iberoamericana/s que le/s representan en la actualidad cuando ha sido posible identificarlas:
Antrepo no.3 (sede con 14 artistas iberoamericanos de los 53 artistas participantes)
** Artista: Carla Filipe (Vila Nova da Barquinha, Portugal, 1973 - reside en Oporto) * Galería iberoamericana que le representa:Nuno Centeno (Oporto).
** Artista: Carlos Eduardo Felix da Costa "Cadu" (São Paulo, Brasil, 1977 - reside en Río de Janeiro) * Galerías iberoamericanas que le representan: Laura Marsiaj (Río de Janeiro) y Vermelho (São Paulo).
** Artista: Cinthia Marcelle (Belo Horizonte, Brasil, 1974) en una nueva colaboración con el cineasta, videoartista y curadorTiago Mata Machado (Belo Horizonte, Brasil, 1973) * Galería/s iberoamericanas que les representan: A Marcelle Vermelho (São Paulo) y Silvia Cintra Galeria de Arte + Box 4 (Río de Janeiro) y a Mata no se le ha identificado galería.
** Artista: Fernanda Gomes (Río de Janeiro, Brasil, 1960) * Galerías iberoamericanas que le representan: Luisa Strina (São Paulo), Artur Fidalgo (Río de Janeiro) y Graça Brandão (Lisboa).
** Artista: Fernando Piola (São Paulo, 1982) * Galería/s iberoamericanas que le representan: No se le ha identificado galería.
** Artista: Fernando Ortega (Ciudad de México, México, 1971) * Galería iberoamericana que le representa: Kurimanzutto (Ciudad de México).
** Artista: Gonzalo Lebrija (Guadalajara, México, 1972) * Galería/s iberoamericanas que le representan: Travesía Cuatro (Madrid), Arena México, Arte Contemporáneo (Guadalajara, México) y La Central (Bogotá).
** Artistas: Jorge Galindo (Madrid, España, 1965 - reside en Londres) & Santiago Sierra (Madrid, España, 1966) * Galerías iberoamericanas que les representan: A Galindo le representan Helga de Alvear (Madrid) y Fernando Santos (Oporto) y a Sierra le representa también Helga de Alvear (Madrid) y González y González (Santiago de Chile).
** Artista: Jorge Méndez Blake (Guadalajara, México, 1974) * Galería/s iberoamericanas que le representan: OMR (Ciudad de México) y Travesía Cuatro (Madrid).
** Artista: Lux Lindner (Buenos Aires, Argentina, 1966) * Galería/s iberoamericanas que le representan: Nora Fisch (Buenos Aires) y Artis Galería (Córdoba, Argentina).
** Artista: Maider López (San Sebastián, España, 1975) * Galería iberoamericana que le representa: Distrito 4 (Madrid).
** Artista: Santiago Sierra (Madrid, España, 1966) * Galería/s iberoamericanas que le representan: Helga de Alvear (Madrid) y González y González (Santiago de Chile).
Galata Greek Primary School (sede con 3 artistas iberoamericanos de 25 artistas participantes)
** Artistas: Martin Cordiano (Buenos Aires, Argentina, 1975 - reside en Londres) & Tomás Espina (Buenos Aires, Argentina, 1975) * Galería/s iberoamericanas que les representan: A Cordiano no se le ha identificado galería y a Espina le representa Ignacio Liprandi (Buenos Aires).
** Artista: Proyecto Secundario Liliana Maresca (colectivo fundado en 2007 en La Cava de Villa Fiorito (Lomas de Zamora, Bueno Aires) y formado por Lorena Bossi, Florencia Cabeza, Ariel Cusnir, Fernanda Laguna, Mariela Scafati y Leandro Tartaglia). * Galería/s iberoamericanas que les representan: No se le ha identificado galería.
Arter (sede con 7 artistas iberoamericanos de los 15 artistas participantes)
** Artista: Carla Filipe (Vila Nova da Barquinha, Portugal, 1973 - reside en Oporto) * Galería iberoamericana que le representan: Nuno Centeno (Oporto).
** Artista: Cinthia Marcelle (Belo Horizonte, Brasil, 1974) * Galería/s iberoamericanas que le representan: Vermelho (São Paulo) y Silvia Cintra Galeria de Arte + Box 4 (Río de Janeiro).
** Artista: Fernando Ortega (Ciudad de México, México, 1971) * Galería iberoamericana que le representan: Kurimanzutto (Ciudad de México).
** Artista: Héctor Zamora (Ciudad de México, México, 1974 - reside en São Paulo) * Galería/s iberoamericanas que le representan: Labor (Ciudad de México) y Luciana Brito (São Paulo)
** Artista: Jorge Méndez Blake (Guadalajara, México, 1974) * Galería/s iberoamericanas que le representan: OMR (Ciudad de México) y Travesía Cuatro (Madrid).
** Artista: José Antonio Vega Macotela (Ciudad de México, México, 1980 - reside entre Amsterdam y Ciudad de México) * Galería iberoamericana que le representa: Labor (Ciudad de México)
** Artista: Maider López (San Sebastián, España, 1975) * Galería iberoamericana que le representa: Distrito 4 (Madrid).
SALT Beyoglu (sede con 1 artista iberoamericano de los 4 artistas participantes)
** Artista: Diego Bianchi (Buenos Aires, Argentina, 1969) * Galería/s iberoamericanas que le representan: Galería Alberto Sendros (Buenos Aires) y Luis Adelantado (Valencia y México).www.arteinformado.com
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(...)una nueva protesta en la plaza Taksim amenazó con eclipsar la inauguración de la Bienal, el más importante evento de arte contemporáneo del país, Estambul, la semana pasada. Poco acostumbrado a combatir la calle, la gente del arte internacional se vieron poco elegante esquivando nubes de gas lacrimógeno ya que muelen de las partes en vistas privadas.
ResponderEliminarCalma había vuelto en el momento del preestreno para la prensa. Sin embargo, el incidente puso de relieve que bienal, que este año reúne a 88 artistas turcos e internacionales, ha luchado para evitar ser dejada de lado por los acontecimientos políticos y tiene en sí se convierten en una fuente de controversia.
El evento de este año, titulada Mamá, ¿Estoy bárbaro? aborda buena parte de la insatisfacción con el primer ministro Recep Tayyip Erdogan régimen cada vez más autoritario 's. Del artista turco Halil Altindere película Wonderland captura la ira y la frustración de los jóvenes romaníes de Estambul distrito Sulukule, cuya comunidad fue forzado a salir de su histórico acuerdo por un nuevo desarrollo que levantó precio de la vivienda por diez. El humor negro video de hip-hop muestra niños en combates simulados con excavadoras y prender fuego a un guardia de seguridad. Agresivas letras ram el clavo: "Estamos enojados sobre los cimientos de los bloques de nueva construcción ... Mi pueblo será derribado Pronto Sulukule será el hogar de la burguesía.".
Una exhibición de fotografías de dúo holandés Wouter Osterholt y Elke Uitentuis muestra cómo se hizo un monumento a la paz de reemplazo con la ayuda de los residentes de Kars, en la frontera con Armenia. El original, por un artista turco, fue demolido antes de que se terminó después de Erdogan describió como un "bicho raro".
Todo esto es muy diferente de lo que el curador de la Bienal, Fulya Erdemci, propuesto originalmente en enero. El plan entonces era para los artistas para trabajar en algunas de las zonas más disputadas de la ciudad. Pero todo cambió en mayo, cuando miles de personas reunidas en la plaza de Taksim, incluyendo artistas, actores, escritores y músicos, que llevaron a cabo las actuaciones y manifestaciones dirigidas contra los planes para desarrollar parque Gezi adyacente. Tras la liquidación brutal de la plaza, en junio , la bienal decidió una retirada táctica. Ahora, la exposición se llevó a cabo en algunas de las galerías más consolidadas de Estambul, como Arter y sal en la animada calle Istiklal. Erdemci está decidido a asegurarse de que la exposición habla de la reciente agitación política. "Yo quiero que escuches lo que está pasando en las calles", dijo.
Afirmó la bienal fue también una víctima de la gentrificación de la ciudad, ya que su sede principal, Antrepo 3, que tiene una vista privilegiada del Bósforo, se ajusta a "convertirse en un hotel de cinco estrellas o un centro comercial." La primera obra a saludar a los visitantes es una bola de demolición réplica colgando de una grúa en el lado del edificio. Erdemci describe la pieza, la artista turca Ayse Erkmen y titulada "bangbangbang", como una bomba de tiempo, lo que refleja el hecho de que "esta es la última vez que podamos utilizar este espacio".
Sin embargo, algunos críticos de arte y artistas locales dijeron que la bienal debería haber aprovechado la oportunidad de aprender de los manifestantes Taksim cómo organizar más eficazmente a subvertir los espacios públicos.
(...)
David Batty
www.theguardian.com
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ResponderEliminarArte Argentino Hoy: Entrevista a Lux Lindner
ResponderEliminarDe Wagner, política, historia, arte y argentinidad. En esta nota, algunas apuntes de una entretenida conversación con el genial y prolífico artista.
por Felisa Blaquier
1 de Octubre de 2013 | 07:53
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“Choma”, lápiz sobre papel, 2013.
"Mi obra, en su conjunto, es un intento por mejorar las preguntas que se hacen habitualmente sobre la ubicación y las perspectivas de un país llamado Argentina, que es donde he nacido", eso dice Lux Lindner para describir su obra en pocas palabras.
TEXTO 2
Ávido seguidor de nuestra historia local, incansable defensor del dibujo y un constante innovador a la hora de elegir los soportes para plasmar sus ideas, ya sea con performances musicales o microfilms en 3D, este artista de 41 años todavía tiene mucho para contar: "Quiero escribir libretos para Óperas. ¡Hay tantos temas interesantes en la historia argentina dando vueltas e inexplorados aún!"
Recientemente estrenó "Bring me the head of the Wagnerian Equalizer", una muestra individual en la galería de Nora Fisch, en Buenos Aires, donde presentó dibujos a tinta y a color, que estuvieron acompañados por una "Wagnersynth Lecture", una performance de teclado y palabras del mismísimo Lindner, "Es un conglomerado textual y musical que aprovecha el bicentenario del nacimiento de Richard Wagner para reflexionar sobre la manera en que los discursos políticos se transforman en ondas sonoras e impulsos eléctricos".
Texto 3
La política y la historia son una constante en su obra y una fuente de inspiración, como también lo es la música, Internet, los dibujos de su padre y hasta las frases que escucha en la calle; todo esto sirve de disparador para expresar sus registros de la realidad. Y es que el arte siempre estuvo presente en su vida, ya desde muy chico dibujaba sin parar. "Nunca tuve la fantasía de ser un artista profesional; digamos que fueron fracasando paulatinamente todos mis otros proyectos razonables de vida, como la historieta, la ilustración publicitaria, la música, la política, el crimen organizado, la religión...hasta que solamente me quedó el arte, que al mismo tiempo es la manera de conservar esos intereses de un modo zombie", confiesa sin matices.
Actualmente, se encuentra preparando un proyecto para la Bienal de Estambul, que consiste en una suerte de enciclopedia gráfica sobre la argentinidad. Los dibujos de esta muestra pueden verse como parte de un mismo proyecto global que Lux viene desarrollando desde hace más de 25 años. La importancia de esta obra fue reflejada en la adquisición por parte del Malba en 2012, cuando más de 140 dibujos pasaron a formar parte de su colección. Además, el próximo 24 de septiembre inaugurará una muestra de 10 obras en el nuevo Alvear Art Hotel, organizada por la prestigiosa casa de subastas Roldán.
Galeria 2 y texto
En cuanto a la escena del arte actual y las producciones de sus colegas, Lux Linder sostiene: "No la paso mal mirando obras de otros, pero me gustaría que hubiera artistas muchos mejores que yo como para que la envidia me hiciera trabajar más. Y no los hay, no hay súper mejores a mí, al menos hasta el momento. Hay mejores, pero no están a un abismo de distancia. Estamos todos remando y chapoteando en el mismo riacho barroso y poco profundo". Sabias palabras.
www.mdzol.com -Se pueden contemplar obras del artista argentino en este sitio, el 1 de octubre de 2013
“Un artista puede entrar en el circuito cuando genera algo que disloca al sistema, no cuando se sobreadapta.”
ResponderEliminarEn otras exposiciones montaste los ensamblajes escultóricos de manera recorrible pero con ladrillos colgando o estanterías sobre caballetes inestables. ¿Cuál es tu relación con el riesgo y la precariedad?
Me interesa mucho la situación de inestabilidad o estabilidad momentánea de las cosas. En general, estoy tratando de hacer sistemas que están al borde de su existencia, algo que está y puede no estar o venirse abajo en un segundo. Trabajo con el equilibrio y con lo precario. Genero las plataformas para que las cosas sucedan, y cuando algo funciona es porque encontró una armonía que es muy inestable y efímera.
Tus obras consisten en objetos y desechos que vas reuniendo. ¿Cómo es tu proceso de trabajo?
En general estoy pensando situaciones y anotando ideas que son generadoras de movimiento. Un trabajo me cierra cuando empiezo a activarlo y me corre de un lugar, no llego a un lugar que conocía de antemano sino que descubro una situación. Cuando eso sucede, el trabajo queda encapsulado con un tipo de verdad que también ve la gente. Todo el tiempo uno tiene que ir esquivando eso que aprendió para poder meterse de nuevo en un territorio desconocido, que a veces da miedo y adrenalina. Todo el tiempo cuando estoy trabajando pienso que el trabajo va a fracasar o pienso en suspender la muestra. Sobrellevar ese momento de incertidumbre o de miedo es el objetivo y el trabajo vive si atraviesa esa parte.
¿Cómo entendés la práctica artística? Pienso en una de tus últimas exposiciones que se llamó Ejercicios espirituales…
Cada muestra, cada proyecto, es una aventura, me gusta pensarlo así, meterme en un lugar en el que las cosas se me van a ir de las manos, hacer algo épico y generar con eso un discurso, una situación o un ambiente. Me interesa que el espectador esté sumergido en un mundo, que utilice todos los sentidos, que sucedan múltiples lecturas de un trabajo, auspicio eso y trato de generarlo.
¿Cuáles son tus observaciones sobre aquello que se está haciendo en esta época?
Hay tendencias… pero no sé si Buenos Aires o la Argentina están incluidas. Funcionamos como isla, en algunas situaciones esto es para bien porque estar atento a las tendencias o paradigmas no necesariamente genera una propia interpretación de lo que hay que hacer, sino que funciona como bajada de línea. Lo malo es que hay mucho ombliguismo, arte como expresión, artistas autorreferentes de lo personal, familiar o cotidiano. Me interesa mirar el presente, traficar información, subvertir los elementos de la realidad. El artista tiene la posibilidad de regenerar el entorno, hacer un ejercicio mental. También existe la idea de que el arte puede cambiar el mundo, no sé… puede que sea así en algunos casos, pero que el espacio del arte por lo menos sirva para repensar, reacomodar las cosas. Me gustaría que exista la tendencia de artistas atentos a lo que sucede y con eso accionen. Hay tendencias que tienen que ver con eso, el arte relacional, político, comprometido. El Premio Petrobrás busca esa situación o el último trabajo de Eduardo Navarro también. Otra tendencia negativa tiene que ver con el trabajo objetual y muy profesionalizado de los artistas jóvenes, que enseguida sienten que hay que generar una carrera y una obra fácilmente asimilable que entre rápido en circuito. Creo que un artista puede entrar en el circuito cuando genera algo que disloca al sistema, no cuando se sobreadapta. Hay una tendencia a sobreadaptarse a lo que hay que hacer con la que no estoy de acuerdo.
“Quería poner al espectador incómodo, hacerlo pasar por leves humillaciones.” en www.losinrock.com / es un texto de Diego Ramos que se puede leer completo en el sitio mencionado.