ENTREVISTA AL DIRECTOR DEL MUSEO NACIONAL DE ARTE REINA SOFÍA

ENTREVISTA EXPRÉS-ARTE a… Manuel J. Borja

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Escrito por Antonio Barroso Vega

Manuel J. Borja-Ville Director, Museo Nacional, Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) Ha sido un lujo que D.Manuel J. Borja-Villel (Burriana, 1957), me  prestara un poco de su tiempo para esta entrevista, os puedo asegurar que su cordialidad, entrega y sencillez  han traspasado todas mis expectativas, y estamos orgullosos en 967arte de contar con sus reflexiones en torno al mundo del arte. D.Manuel J.Borja, se licenció en Historia del Arte en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Valencia en 1980. En 1981-1982 fue Special Student en la Yale University y obtuvo una beca Fullbright en 1981-1983. En 1987 hizo un Master of Philosophy del  Departamento de Historia del Arte de la City University of New York y en 1988-1989 obtuvo la beca Kress Foundation Fellowship para Historia del Arte. En 1989 realizó el Doctorado en Filosofía en el Departamento de Historia del Arte de la Graduate School of the City University de Nueva York. Ha escrito sobre Rodchenko, expresionismo abstracto, Bourgeois, Brassaï, Giacometti y arte español contemporáneo, entre muchos otros.  Borja-Villel fue director del museo de la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona desde su inauguración, en junio de 1990, hasta julio de 1998. En esta institución organizó exposiciones como Els límits del museu y La ciutat de la gent, así como muestras de los artistas Louise Bourgeois, Brassaï, Marcel Broodthaers, Lygia Clark, Hans Haacke y Krzysztof Wodiczko, entre otros.  Desde el mes de julio de 1998 hasta enero de 2008 fue director del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA). Entre las exposiciones que presentó en el MACBA destacaron las dedicadas a Vito Acconci, El Lissitzky, Öyvind Fahlström, Peter Fischli & David Weiss, Robert Frank, David Goldblatt, Luís Gordillo, Raymond Hains, Richard Hamilton, William Kentridge, Perejaume, Michelangelo Pistoletto, Gerhard Richter, Martha Rosler o Antoni Tàpies. Algunas exposiciones claves que dirigió en dicho Museo son: Antagonismos, Campos de fuerzas. Fases del cinético, Arte y Utopía. La acción restringida, Un teatro sin teatro y Bajo la bomba. El jazz de la guerra de imágenes transatlántica. 1946-1956.  Desde enero del 2008 es director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), donde ha programado exposiciones como Nancy Spero; Deimantas Narkevicius; Manhattan, uso mixto; Georges Vantongerloo; Desvíos de la Deriva; Paul Thek; Nuevos Realismos (1957-1962); Miralda; Martín Ramírez; Leon Ferrari y Mira Schendel; Atlas. ¿Cómo llevar el Mundo a cuestas?; Thomas Schütte; Val del Omar; Principio Potosí; Hans-Peter Feldmann o Elena Asins, entre muchas otras. Antoni Barroso Vega ENTREVISTA EXPRÉSS-ARTE    -          ¿Qué es el arte? El arte es una práctica social y cultural cuyo significado se ha visto modelado históricamente, entendiéndose hasta hoy según los parámetros que se definieron durante los siglos XVIII y XIX, simultáneamente a las revoluciones burguesas y proletarias, como un espacio de emancipación y de ensayo de alternativas poéticas al status quo. Contemporáneamente, el arte se ve de nuevo en la encrucijada de redefinirse en un contexto en el que sus rasgos diferenciales como la creatividad, la imaginación y la autonomía de la producción, se han expandido a muchos otros ámbitos del trabajo. El arte ya no tiene formatos o géneros delimitados sino que habita y se vehicula por cualquier medio o técnica. Esto lo amplifica, pero a la vez lo sitúa en un lugar inestable y en continua negociación. -          ¿Cuál crees que debe ser su función? Como cualquier artefacto cultural complejo, tiene múltiples funciones, a veces contrarias entre sí, que van desde la estética, la política, la mercantil y hasta la decorativa. La principal de ellas varía con la situación y la voluntad del  artista o colectivo, pero podría definirse en términos generales como una proposición poética que desestabiliza los códigos convencionales de la experiencia y genera una diferencia significativa que te lleva a resituarte ante el mundo y ante los demás. De ahí radica su importancia y su potencia en un mundo que tiende a diluir todas las diferencias en un único canal de uso y consumo. -          ¿Por qué decides dedicarte al mundo del arte? Inicialmente por un impulso que podríamos describir como irracional, una tendencia o una vocación, que, sin embargo, va tomando forma y orientaciones específicas a partir de mi trayectoria vital y profesional. -          Por favor, haznos un breve resumen de cómo ves el mundo del arte contemporáneo. Es un mundo en una profunda encrucijada, como apunté antes. El arte que es crisis en sí mismo por definición, se ve a su vez, como todos nosotros, ante una crisis general y sistémica que a menudo amenaza con desbordarlo y llevárselo por delante. A pesar de que ese miedo pueda paralizar a algunos, lo cierto es que la potencia poética e imaginativa del arte, así como su lógica nomádica, le dota de una posición privilegiada para iluminar nuevos itinerarios, nuevos modos de hacer. -          ¿Crees que el arte cuenta con la difusión adecuada? En caso negativo, ¿cómo debería solucionarse? El arte no puede dedicarse a competir por la visibilidad con otros sectores de la sociedad del consumo y la información en sus mismos términos. Sin embargo, el artemismo es comunicación y tampoco puede conformarse con recluirse en circuitos especializados. El reto es generar espacios y vehículos diferenciados, pero a su vez consanguíneos con las dinámicas de comunicación de la masa social, que está dando muestras de una gran creatividad en la generación de redes de difusión de la cultura. -          ¿Cómo se puede potenciar la creación artística? En primer lugar mediante la puesta en valor de la creación y la imaginación como ámbitos prioritarios en la educación y la formación de los individuos, y no desde un punto de vista instrumental como factor de riqueza económica. La experiencia poética y el juicio estético, tanto desde el ámbito de su producción como de su recepción (ámbitos cada vez más intercambiables), han de verse como herramientas básicas de una ciudadanía capaz de situarse críticamente ante el mundo. -          ¿Qué dirías a aquellos que afirman que al arte ha muerto? Es un lugar común de la noción moderna de arte que se repite episódicamente desde el romanticismo. El arte, como cualquier práctica social, puede desaparecer tal como la conocemos, en sus coordenadas sociales, económicas y culturales. De hecho el arte es una práctica histórica y culturalmente determinada. Sin embargo, llamémoslo como lo llamemos, siempre existirá la aspiración de proyectarse poéticamente sobre el mundo, por un lado, y, por otro, la necesidad de realimentarse de las imágenes, narraciones o dispositivos que nos permitan pensar e imaginar otros mundos posibles. -          ¿Cómo imaginas el futuro del arte dentro de 50 años? No me gusta jugar a las predicciones, pero no puedo evitar proyectar deseos o aspiraciones. Me gustaría imaginar que la sensibilidad y el juicio crítico que estimula el arte estuviera al alcance de toda la población, y que esto contribuyera a una sociedad más justa, y que los artistas o los creadores pudieran desarrollar su trabajo en condiciones de libertad y autonomía. -          Danos tres nombres de artistas internacionales que consideres imprescindibles. Aki Kaurismaki, el cineasta de referencia a día de hoy, por cómo examina lo social a partir de la farsa, el humor y la extravagancia, tan cercano al esperpento hispano y tan efectivo en la crítica al falso humanismo. Rosemarie Trockel, artista que pone en crisis distinciones como arte y artesanía, que han producido una narración del arte masculina y sin mujeres a lo largo de la historia. Hans Haacke, por cómo sus intervenciones han generado una nueva ética institucional, exhibiendo los intereses creados entre museos y corporaciones. Después de Haacke, los museos analizan cómo se “gobiernan”, desde su forma de coleccionar hasta sus políticas de comunicación. Los tres podrán verse a lo largo de 2012 en el Museo. -          Ahora los de tres españoles. Se suele reconocer la importancia de los artistas españoles en la primera mitad del s.XX, dentro de las vanguardias históricas, pero, por el contrario, se ignora su influencia en la segunda mitad de siglo. Destacaría a tres artistas que cuestionan esta afirmación: Val del Omar, pionero de un cine basado en una experiencia física y subjetiva, opuesto al cine-espectáculo, quien avanza qué significa trabajar con cine desde el arte;Muntadas, por su crítica a lo que denomina “paisaje mediático” y a los sistemas de información, fundacional en el arte basado en nuevos medios, y Elena Asins, por una geometría y matemática rigurosa y sensible a la vez, referente en el arte después del minimalismo. Y los de tres promesas emergentes. Más que de un arte emergente, interesa hablar del arte divergente, aquel que cuestiona modelos y narraciones, independiente de edades. Aquí, como dijera Ortega, lo joven no debe confundirse con lo nuevo.  -          Gracias por responder a este cuestionario. Para terminar, ¿qué dirías a quien no sigue el arte para llamar su atención y que se aficionara? Pues, en primer lugar no daría por sentado que el arte se encuentra exclusivamente en los museos y las galerías. La mayoría de la gente desarrolla su sensibilidad artística de un modo de otro. Por ello, lo que le diría es que no considerara el arte que realizan los artistas y que se exhibe los museos como algo ajeno a su vida y que se atreva a romper las barreras convencionales que han separado el arte como algo que solo pertenece a la élite. El arte, allí donde se encuentre, arroja colores diferentes sobre un mundo que a menudo se nos aparece en una monótona escala de grises. Antonio Barroso Vega www.arteinformado.com