JEFF KOONS, CINCO PROYECTOS AMBICIOSOS
Jeff Koons en sus cinco proyectos no realizados más ambiciosos
Cortesía de ANTHONY WALLACE / AFP / Getty Images.
Conocí a Jeff en 1988, cuando era un adolescente. Comencé a visitar estudios de artistas cuando tenía 17 años y fui a ver a Peter Fischli y David Weiss . Pasaron el día conmigo y me mostraron su trabajo, y luego dijeron: "Es muy, muy importante que conozcas a Jeff Koons ". Así que le escribí una carta a Jeff, y él me escribió de inmediato que nos podíamos encontrar en Munich. Tuvimos esta primera entrevista increíble, que ha continuado desde entonces y culminó en su exposición de 2009 en Londres en Serpentine Galleries .
El miércoles pasado, durante la semana de Art Basel en Hong Kong, nos sentamos en The Upper House en un evento organizado conjuntamente por Artsy y David Zwirner para hablar sobre el nuevo trabajo de Jeff, y también sus proyectos sorprendentes, visionarios y no realizados, creo es urgente que algunos de estos proyectos se puedan realizar.
Hans Ulrich Obrist: Jeff, quería comenzar por el principio y preguntar sobre los nuevos trabajos que estás mostrando en Hong Kong.
Jeff Koons: todas las piezas que están en el stand de Zwirner en la feria, todas involucran reflectividad. Siempre he disfrutado de una superficie reflectante debido a su conexión con la filosofía. Si miras la filosofía, la palabra que se usa con más frecuencia es "reflexionar". Así que eso es lo que me llevó a las superficies reflectantes. Es una superficie que afirma al espectador, que lo afirma, que todo depende de usted. Y la superficie también refleja todo lo demás a tu alrededor, todo lo demás que es posible en ese momento en el tiempo.
Tres de las obras incorporan una bola de observación. Si piensas en mi conejo que hice en el '86, cuando hice esa pieza, estaba tratando de hacer referencia a mi propia historia de trabajo con objetos prefabricados y mi educación. Fui criado en Pensilvania, hay una gran población alemana allí. Las bolas de observación se repopularizaron, son originarias de Venecia, desde el año 1500, por el Rey Ludwig II. Entonces, cuando la población alemana llegó a los Estados Unidos, trajeron consigo bolas de observación. Los trajeron como adornos para el césped; ellos tienen un tremendo sentido de generosidad sobre ellos. Si vas conduciendo por el camino y miras y ves una pelota mirando en el jardín de alguien, está ahí para ti, es para el espectador, es para el vecino. Te emociona y refleja todo lo que hay en el entorno para ti.
En lugar de simplemente hacer referencia a eso en la práctica, siempre quise utilizar la bola de observación como una ya hecha en mi obra de arte. Entonces comencé con las esculturas, y luego creé la serie de pintura. Creo que ambas series tratan sobre la idea de lo eterno a través de la biología, a través de la procreación, a través del sexo, la emoción de los sentidos.
HUO: Muchos de estos trabajos de pelota mirando también tienen una conexión con obras de arte del pasado. El historiador de arte Erwin Panofsky dijo una vez que inventamos el futuro con fragmentos del pasado. ¿Puedes contarnos un poco sobre cómo te relacionas con la historia del arte, y también sobre tu primer encuentro con Salvador Dalí ? ¿Por qué era tan importante para ti?
JK: Siempre he amado Dada y el surrealismo . Entonces, cuando era estudiante, desarrollé una iconografía personal y, a través de esa iconografía, aprendí que podía controlar mis propios sentimientos y emociones. Podría crear algo así como una droga: la creación de arte era como la creación de una droga. Y luego te das cuenta de que también puedes afectar la sensación de otras personas. Ese fue realmente mi viaje de querer involucrarme en una especie de arte que se movía más allá del yo.
Al crecer, recuerdo haber conseguido una mesa de café de Dalí, con The Persistence of Memory (1931) en la portada, como regalo de mis padres una Navidad. Era consciente de su trabajo y siempre disfruté su trabajo. Y mi madre me informó que Dalí pasó la mitad del año en el Hotel St. Regis en Nueva York. Cuando estaba en mi segundo año de la escuela de arte, decidí llamar al hotel y pedí la habitación de Salvador Dalí. Ellos me hicieron pasar. Él contestó el teléfono, y le dije que era un joven artista de Pensilvania y realmente disfruté su trabajo y me gustaría conocerlo. Y dijo: "Si puede venir este fin de semana, nos encontraremos a mediodía en el vestíbulo del hotel".
Fui al hotel y exactamente al mediodía bajó. Iba vestido con un gran abrigo de piel de búfalo y llevaba puesta su corbata de diamantes, un bastón de plata, su bigote encerado, realmente vestido hasta la saciedad. Me invitó a ver su nueva exposición en la Galería Knoedler; dijo que tenía que encontrarse con un periodista francés [allí]. Así que lo conocí allí. Y él camina con esta periodista rubia y alta, con una figura femenina, y me di cuenta mucho más tarde de que probablemente era Amanda Lear, la periodista francesa que era transexual. Caminó con ella y luego se acercó a posar para algunas fotografías frente a esta gran pintura, La cabeza del tigre real , una pieza que se creó en 1963. Me alegra decir que en mi habitación tengo el estudio para la pintura; Lo adquirí hace unos 12 años.
HUO: De Dalí llegas a Duchamp , y creo que es interesante hablar un poco sobre el papel de los ready-made en tu trabajo. Dijiste que no se trata de apropiación, que ha sido un malentendido, sino que está trabajando en la tradición del ready-made porque el ready-made se trata de optimismo, se trata de generosidad, mientras que la apropiación se trata más bien de robo. ¿Puede decirnos cómo llegó a Duchamp y esta idea del ready-made?
Vista de instalación del stand de David Zwirner en Art Basel en Hong Kong, 2018. © Art Basel.
JK: Cuando me encontré con los Imagists de Chicago, Jim Nutt , Ed Paschke y Roger BrownMe mudé a Chicago para estudiar en la Escuela del Instituto de Arte. Me hice amigo de Ed Paschke y trabajé en su estudio; Yo era su ayudante y estiraba sus lienzos. Ed me enseñó realmente sobre la política del arte y cómo hacer malabares con todo, hacer su trabajo y tratar de estar al servicio de su arte. Y después de que trabajábamos en el estudio todo el día, íbamos a salir y él me mostraba de dónde sacaba su material de origen. Ed me enseñó que todo ya está allí; todo está ya en el universo, solo tienes que ir a buscarlo. Me llevaría a clubes donde encontraría diferentes tipos de iluminación que posiblemente podría usar en una de sus pinturas. Tal vez habría una mujer que estaba bailando en un club que estaba completamente tatuada. Estas fueron las primeras realizaciones de ready-mades para mí. Sabía sobre Duchamp, pero donde Ed obtuvo su material de origen tenía más significado para mí. Estaba más conectado a la vida cotidiana.
HUO: Usted mencionó con respecto a las bolas de observación la idea de empoderar al espectador. El artista Tino Sehgal tiene lo que él llama la "prueba de Koons". Cuando un comisario va al estudio y quiere trabajar con Sehgal, les pregunta sobre su trabajo. Y si no pueden entender que su trabajo no es solo sobre objetos, él explica que su trabajo trasciende los objetos. Así que quería preguntar acerca de esta idea de empoderar al espectador, independientemente de su origen, cultura o educación, que es tan clave en su trabajo.
JK: Al crecer, tuve una tía que vivía en Filadelfia, y ella me llevó al Museo de Arte de Filadelfia un par de veces, pero nunca me criaron con experiencia en historia del arte. Pero en mi primer día de universidad nos pusieron en autobuses y nos llevaron al Museo de Arte de Baltimore. Y me di cuenta de que no conocía a Braque , no conocía a Cézanne . Y fue muy importante para mí porque sobreviví a ese momento. Pero me di cuenta de que mucha gente noSobrevivir ese momento, y siempre he querido crear un arte que no solo me ayudaría a aceptar mi propio trasfondo cultural, mi propia historia, donde podría tener autoaceptación, que soy perfecto en mi propio ser, sino a ser capaz de desarrollar también un arte que inmediatamente comunique al espectador que todo sobre ellos es perfecto. Todo sobre su pasado, cada imperfección y perfección, todo es perfecto para ese momento, y se trata de seguir adelante y experimentar esa trascendencia y aumento de nuestros parámetros.
Estos objetos son siempre solo metáforas para las personas. Todos tenemos curiosidad por estas imágenes y objetos que observamos. Pero al final del día, solo nos preocupamos unos por otros, el potencial que todos tenemos como individuos y el potencial que tenemos como comunidad, como grupo. Y así mi diálogo con los objetos ha sido comunicar eso, experimentar eso personalmente, continuar convirtiéndome en un mejor artista en un parámetro más amplio, alcanzar un nivel superior de conciencia y compartirlo con el espectador. Crear un trabajo, se trata de que entre en contacto con la esencia de mi propio potencial, pero el poder del arte en sí mismo está en capacitar al espectador para entrar en contacto con la esencia de su propio potencial. Ahí es donde está el arte. El objeto no tiene ningún arte; es solo un transpondedor que puede estimular.
HUO: También quería hablar sobre cinco proyectos extraordinarios, no realizados, que creo que deben construirse urgentemente. Primero, ¿podría contarnos sobre Building Blocks ?
JK: Building Blocks se generó en torno al trabajo de celebración y proviene de apilar legos uno encima del otro. Es una figura que se parece un poco a la forma de un animal, pero también es muy arquitectónica. Tiene un ojo y una especie de cabeza que parece ser de un caballo u otro tipo de animal, pero tendría 160 pies de alto. Quería incorporar plantas vivas-arbustos. Si miras una pieza como Split Rocker (2000) o Puppy (1992), por lo general uso plantas que vienen con una cabeza de flor de alrededor de cinco o seis pulgadas. Pero los bloques de construccióntenía la intención de utilizar plantas arbustivas mucho más grandes y estaría en una escala mucho más grande. También tiene una gran cascada que desciende desde la parte posterior de la pieza desde unos 100 pies en el aire.
HUO: El otro proyecto que está, por supuesto, conectado a las flores es elNordic Flowers .
JK: The Nordic Flowers , es una estructura de globos. Son dos globos de diferentes colores que se incorporan en la pieza. El azul se enrolla y tiende a ser más fálico y como un totemike. Y también hay una flor amarilla que es más femenina en forma, casi como una orquídea que está alrededor de la azul. Lo llamé flores nórdicas porque originalmente estaba destinado a una ubicación del norte. Si se presentara en un lugar del sur, sería una flor del sur.
HUO: Luego están los dos proyectos, Lips y Kiss , que fueron concebidos inicialmente para París. Hay dibujos y representaciones y uno los ve flotando sobre el Sena.
JK: Lips fue el primero. Es un par de labios. Es muy similar a los Labios de Man Ray que se ven en el paisaje de París. Encontré algunas de las primeras aeronaves que se construyeron en París, y me di cuenta de que Man Ray's Lipsprobablemente viniera de él viendo tarjetas postales o imágenes de estos primeros dirigibles. Así que diseñé una aeronave que es más de tres veces el tamaño del Hindenburg. Tiene más de 800 metros de largo. Es realmente gigantesco Es un dirigible que siempre estaría rondando, en este caso, sobre París. Ahora, podría viajar. Es completamente independiente con un motor que genera su propia potencia utilizando células solares. Y fue diseñado para viajar realmente a cualquier parte del mundo. Podría estar afuera aquí en Hong Kong para la feria de arte en este momento, y luego podría regresar a París o ir a Los Ángeles. Podría viajar por el mundo.
HUO: El tema de viajar ahora nos lleva a otro proyecto no realizado: la máquina de vapor. Es probablemente el más conocido de los proyectos no realizados. Tiene que ver con el movimiento, pero en un sentido dinámico, porque se mueve y, sin embargo, no lo hace al mismo tiempo.
JK: Mencioné antes que mi tía me llevaría al museo en Filadelfia y una de las experiencias más conmovedoras que tuve cuando era niña fue cuando me llevó a la parte superior del Ayuntamiento, y en la parte superior hay una gran escultura de William. Penn, el fundador de Pensilvania. Fue creado por el abuelo de Alexander Calder y es una escultura muy grande, de 75 pies de alto. Es una experiencia muy conmovedora. siempre fue el punto más alto de Filadelfia. Conecta la calidad histórica de Filadelfia y el asombro y asombro de esta estructura. La pieza está sentada en la cúpula del Ayuntamiento. En el interior, la arquitectura de la cúpula es como la de Julio Verne, si puedes imaginar el Viaje al centro de la Tierra-Hay todos estos remaches que mejoran el aspecto de la fantasía. Entonces, al idear algo como Train , quería crear una pieza realmente conmovedora para las personas que entran en contacto con ella y, al mismo tiempo, funcionaría como algo que uniría y reuniría a una comunidad. a su alrededor, como otras estructuras arquitectónicas lo han hecho en el pasado.
Entonces, la escultura es una grúa grande, de 166 pies de alto, y colgando de ella, hay una máquina de vapor mirando hacia abajo. El receptor de ganado en la parte delantera del tren está a unos 30 pies del suelo. Y el tren haría todo lo que hace un tren real, pero a un ritmo más rápido. Se necesita un tren real de ocho horas para obtener la energía suficiente para poder salir de la estación. Esto se condensaría en un período de tiempo de aproximadamente 30 minutos. Estarías sentado allí mirándolo y podrías comenzar a notar que la luz está parpadeando en la cámara de combustión, y tal vez verías un poco de vapor saliendo de una válvula. Y entonces los pistones comenzaban a disparar y las ruedas comenzaban a girar y se volvían "choo-choo, choo-choo", y cada vez que un pistón dispara es una bocanada de vapor; es la respiración. Cuanto más rápido vaya, más rápido será la velocidad de respiración. Y así continuaría hasta que el tren alcanzara su velocidad máxima a aproximadamente 80 u 85 millas por hora con una gran columna de vapor saliendo del tren. Y llegaría a este enorme clímax de velocidad en aproximadamente ocho minutos y medio y luego tendrías este clímax, "woo woo woo woo woo woo woo", y luego en la misma curva de campana por la que había estado acelerando, lo haría también desescalar su velocidad hasta la última descarga de vapor.
HUO: Una vez comparaste el paraíso con un estado químico que puedes sentir al ejercitar tu intelecto o tu ser físico. ¿Puedes contarnos sobre la idea del paraíso?
JK: Siempre me ha gustado la idea de la estimulación de los sentidos. El tipo de arte que me gusta, al que respondo, es un trabajo que estimula y hace volar diferentes sustancias químicas. Cuando su cuerpo es estimulado de esa manera, crea emociones, y esas emociones se convierten en ideas. Disfruto la biología y la vida interna. Creo que mis inflables tratan mucho sobre este tipo de contradicciones de la vida. Si lo piensas, somos como inflables. Tomamos aliento y nos expandimos. Exhalamos, que es como un símbolo de muerte: nos desinflamos. Tenemos una cierta densidad dentro de nuestras células donde el mundo externo es bastante vacío. Cuando miras los inflables, se vuelven más por el hecho de que también son vacíos por dentro, y debido a eso, el mundo externo gana un poco más de densidad.
Foto de Jeff Koons en The Upper House en Hong Kong por Kit Cheng para Artsy.
HUO: Quería preguntarte sobre coleccionar en un sentido más amplio. Tú, por supuesto, coleccionas parte de tu propio trabajo, pero también coleccionas arte que es del pasado. Siempre me pareció interesante mirar tu colección con obras de Courbet y Dalí. Una vez, fue muy hermoso cuando te pregunté por qué coleccionabas estas increíbles piezas del pasado; dijiste que la razón principal era que querías que tus hijos crecieran viendo estos trabajos todos los días. ¿Puedes contarnos un poco sobre eso?
JK: Si crees en las obras, es una forma de protegerlas, de asumir la responsabilidad que tienen para el futuro. La participación real de disfrutar un trabajo o ser capaz de encontrar significado en un trabajo no está asociado con la propiedad. Es solo la posibilidad de interactuar con eso. Tengo ocho hijos, pero tengo seis hijos pequeños en casa. Mi esposa, Justine, es artista. Pero siempre quise que los niños pensaran en nosotros como mamá y papá. Quería que el mundo del arte siempre estuviera abierto, que sintieran que podían participar en ese ámbito, que había un espacio para ellos. Entonces ellos viven con el trabajo de todos excepto el nuestro. Vienen al estudio y saben lo que hacemos. Pero creo que ha sido muy positivo porque todos están muy comprometidos con el arte. Mi hijo menor, que tiene cinco años, realmente tiene una visión de que quiere convertirse en artista; eso es lo que quiere hacer. Y es increíble porque ya desarrolló una iconografía personal y es realmente poderosa. Pero cuando piensan en arte, pensarán en Dalí o pensarán enPicasso o Courbet, cualquiera que no sea mamá y papá.
HUO: Eso, por supuesto, nos lleva a la importancia de los niños para su arte. Una vez dijiste que cuando somos más jóvenes, somos más abiertos. No somos críticos.
JK: Es por eso que trabajo con el tipo de imágenes con las que trabajo, debido a su asociación con la infancia. Tiene que ver con ese acto de aceptación, que todo está en juego y puedes disfrutar de algo solo por lo que es. No hay jerarquía. Simplemente puede disfrutar de su materialismo, la franqueza de la textura, la estimulación visual. No hay juicio, es solo aceptación pura. El color azul para azul, verde para verde, la alegría de los sentidos e interactuar con el mundo.
HUO: Y quizás por último, pero no menos importante, ya que hablamos sobre niños, ¿quería preguntar acerca de su filantropía? Estás muy involucrado con las causas de los niños en todo el mundo.
JK: Siempre he estado involucrado en muchas causas diferentes, el SIDA y otros problemas. Pero yo era un padre abandonado. Mi ex esposa secuestró a mi hijo y lo llevó a una cultura diferente. Entonces me involucré en el Centro Nacional para Menores Desaparecidos y Explotados en Washington. Me di cuenta de que nunca iba a llevar a mi hijo a casa, a pesar de que había ganado la custodia en los Estados Unidos. Nunca se aplicaría, así que realmente quería intentar y ayudar a otras personas. Me involucré en el centro y también formé el Koons Family Institute, que ha ayudado a aprobar más de 100 leyes a nivel internacional para proteger los derechos de los niños. Soy muy afortunado de estar en un lugar, como muchos de nosotros en el mundo del arte, donde podemos experimentar cosas devastadoras y recrear nuestras vidas. Financieramente, a mediados de los 90, Fui recogido y sacudido boca abajo hasta que no me quedó nada en los bolsillos. Tuve que caminar a mi estudio. No tuve ni un centavo. Pero tenemos la suerte de que podemos recrearnos a nosotros mismos. Podemos recrear nuestras vidas. Hay mucha gente por ahí que no puede hacer eso. Y, entonces, esa fue realmente mi fuerza motriz para tratar de ayudar a muchas de esas familias.
Hans Ulrich Obrist es el Director Artístico de Serpentine Galleries en Londres.www.artsy.net
La entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad.
Resulta muy interesante, el valor que Jeff Koons le otorga a los museos en su formación. El Museo de Filadelfia contiene la obra de Marcel Duchamp, sus ready made. La obra "El vidrio roto" y tantas.La primera formación recibida en el ámbito familiar, por sus padres y su tía que vivía en Filadelfia. El primer lugar de socialización cultural lo constituye la familia. Orientan sus visiones del mundo. Aprendió a mirar.
ResponderEliminarRecuerdo una obra suya, en el MóMA DE 1981. uNA Aspiradora de plexiglás. Dos flamantes aspiradoras húmedo/seco, sin estrenar aparecen apiladas una. sobre la otra .
"Elegí la aspiradora por sus cualidades antropomórficas" ha comentado Koons. "Es una máquina que respira, muestra también rasgos sexuales tanto masculinos como femeninos,tiene orificios y aditamentos fálicos". Es una escultura.Como artista une los mundos de la publicidad, el comercio y la alta cultura para modificar nuestra manera de percibir los objetos cotidianos y cuestionar los límites que separan el arte y la cultura popular.
David Zwirner
ResponderEliminarArt Basel en Hong Kong 2018 www.artsy.net
LA OBRA DE DUCHAMP, SE TITULA "EL GRAN VIDRIO", NO, EL VIDRIO ROTO. e EL LAPSUS SE DEBERÁ, PROBABLEMENTE, EN QUE HE PENSADO EN LA FRAGILIDAD DE ESA OBRA, SOBRE TODO SI LA OTORGAN EN PRÉSTAMO.
ResponderEliminarmartes, 22 de marzo de 2016
ResponderEliminarMARCEL DUCHAMP, PRIMERA RETROSPECTIVA EN LOS ÁNGELES EN 1963-En este blog.
La primera y única obra pública de Tino Sehgal saldrá a la vista este verano en el City Hall Park de Manhattan como parte de un espectáculo grupal que analiza el lado no escrito y no hablado del idioma. "The Language of Things", organizado por Public Art Fund , se inspiró en gran medida en un ensayo de Walter Benjamin de 1916, "Sobre el lenguaje como tal y sobre el lenguaje del hombre". Es un "texto realmente extraño que habla de que no hay nada animado o inanimado dentro de la naturaleza que no participa en el lenguaje. Siempre trata de comunicar que está al aire libre ", dijo la cocuradora Emma Enderby.
ResponderEliminarCada día durante la duración del espectáculo, del 28 de junio al 29 de septiembre, una vocalista dará una serenata a los asistentes al parque como parte del trabajo de Sehgal "This You", 2006. "Se alimentarán de las interacciones y las personas que presenciarán y cantarán una canción que representa ese momento ", dijo Enderby. Las canciones pueden variar desde baladas populares hasta éxitos pop.
En otra parte del espectáculo, las siete esculturas de mármol de Claudia Comte examinarán la letra "U" a través del lente del modernismo abstracto, mientras que el último "poeta del lenguaje" Hannah Weiner de "Poemas de código" de la década de 1960, estructurado en código Morse y sempahores, se mostrará en los paneles en todo el parque.
Carol Bove montará una columna de madera petrificada junto a tres vigas de acero, "Lingam", 2015, un título que se refiere a la representación fálica del dios hindú Shiva utilizado en la adoración. Cuatro oradores tocarán la instalación de sonido de 90 minutos de la grabadora de vida silvestre Chris Watson de una bandada de estorninos. El trabajo, "Ring Angels", invitará a los oyentes a pararse en círculo y disfrutar de las canciones de puesta de sol de los pájaros. "Es muy pacífico", dijo Enderby. "Suena como olas rompiendo contra la costa".(...)
En este blogel 6 de abril de 2016 y el 14 de noviembre de 2016