LAWRENCE WEINER, ENTREVISTA
“La belleza no es un estado del ser”
Lawrence Weiner fue impulsor del conceptualismo en los sesenta
El neoyorquino es conocido por el uso de frases crípticas en todo tipo de soportes
ÁNGELA MOLINA Barcelona 3 MAR 2013 - 18:26 CET2
El artista Lawrence Weiner.
El arte es algo que sucede cuando el público hace algo. Cuando lo encuentra totalmente hecho, no es arte. Mis piezas subrayan el papel del espectador”, afirma el artista neoyorquino Lawrence Weiner (1942), uno de los impulsores del conceptualismo en los sesenta y conocido por sus frases algo crípticas escritas con tipografía simple y en mayúsculas que inscribe sobre todo tipo de soportes, en los museos y en el espacio público. La Fundación Artaids, creada por el mecenas holandés Han Nefkens, acaba de presentar su última escultura —un banco hecho con materiales reciclables— en el barrio de la Ribera de Barcelona. El próximo jueves, el Macba inaugurará su primera exposición de dibujos.
PREGUNTA. En 1969 usted hace pública una declaración de intenciones sobre la condición de la obra artística: “El artista puede construir la pieza”, “la pieza puede ser fabricada”, “la pieza no necesita ser fabricada”. ¿Significa esto que la obra existe a pesar del artista y solo en el momento en que es contemplada?
RESPUESTA. Para mí la obra es el significado de lo que está escrito. Mi trabajo permite que el receptor la utilice para construir una metáfora que colme sus necesidades y deseos. La obra siempre es el cómo podría ser, no el cómo debe ser.
P. Y cuando esto ocurre, ¿la obra ya no le pertenece más?
R. Es siempre una obra mía que está siendo usada como arte por otra persona. Su uso le da el sentido a esa operación.
P. No le gusta ser considerado un artista conceptual porque, según afirma, no trabaja con conceptos preestablecidos y el material de la escultura —el lenguaje— es siempre errático. ¿Existe una respuesta “ideal” hacia su trabajo?
R. No me gusta el término “conceptual” y, en cualquier caso, toda actividad humana es conceptual. No considero que el material de mi trabajo sea errático ni efímero. Supongo que el único juicio posible es si la obra es de uso legítimo dentro de la estructura en la que el receptor se encuentra. No existe una respuesta ideal, la única gratificación es ver cómo la gente es capaz de usar la obra para sus propios fines.
P. Se define a sí mismo como un artista que establece una dialéctica con la cultura. Si el arte son ideas, ¿cuál es la ideología de su arte?
R. Toda interacción con la sociedad es dialéctica. Aparte de una dignidad básica, no sé qué ideología se podría atribuir al arte como un todo. Cada obra individual tiene su sitio. Su uso se basa en realidades simultáneas, no en algo a favor o en contra. Hay muchísimo espacio en la punta de un alfiler.
P. Sin embargo, nunca ha pensado en el arte como algo revolucionario, para usted el trabajo artístico sería algo que uno construye lejos de su sentido histórico. ¿Qué le motiva para crear una obra?
R. Si continuamos ensanchando los parámetros del arte a cualquier cosa, desaparece la posibilidad de que sea revolucionario. El objetivo del arte es producir una estructura que cambia continuamente, idealmente para mejor. Lo que uno hace es impulsar las cosas intentando contener más los trabajos, ponerlos en un espacio propio, eso es lo que hace cambiar la sociedad y la cultura.
P. ¿Por qué cree que un coleccionista debería comprar sus obras? ¿Sus razones serían importantes para usted?
R. Las personas que adquieren mi trabajo apoyan también sus efectos sobre los patrones lógicos de la sociedad. La aceptación de esta responsabilidad al lado del artista es de suma importancia. Los aspectos financieros están dentro del sistema, es una necesidad que hace posible que esas obras continúen ayudando a cambiar la sociedad.
www.arteinformado.com
Lawrence Weiner, en el MACBA de Barcelona hasta el 24 de Junio de 2013-
"En la costa oeste de los Estados Unidos artistas como Ed Ruscha, John Baldessari y Bruce Neumann arribaron a las orillas del arte conceptual de un modo más bien intuitivo, en tanto que los creadores agrupados en torno al galerista Seth Siegelaub abordaron la refundación del arte sobre una base teórica. Robert Barry, Douglas Huebler, Joseph Kosuth y Lawrence Weiner, desarrollaron sus propias concepciones en las que desaparecía el objeto artístico tradicional."
ResponderEliminarLawrence Weiner, hacia 1967 trabajó en cuadros relacionados con el minimalismo. En 1968 formuló una declaración pragmática, que en adelante acompañaría a la publicación de sus trabajos. Enuncia al mismo tiempo teoría y Arte:
1. El artista puede construir la obra.
2. La obra puede ser fabricada.
3. La obra no necesita ser realizada.
La decisión corresponde al receptor, y todas obviamente a la intención del artista.
Particularmente me interesaron las obras presentadas en forma de enunciados. Obras como:
"Sesenta peniques de clavos de acero común clavados en el suelo en los puntos de la terminal señalados", de 1968, "Pared manchada de agua" de 1969; "Objeto sujeto a un umbral.", reflejan acciones, procesos, estados, de materiales representándolos como hechos.
Weiner destaca con énfasis el aspecto libre e igualitario de su propuesta en un tecxto de 1969; "Al comprar mis cosas, la gente puede llevarlas a donde vaya o puede rehacerlas si lo prefiere. Si las guarda en su cabeza, perfecto. No tiene que comprarlas para tenerlas; las tiene justamente conociéndolas(...). Esta posición suya, considero que favorece la actitud creadora del coleccionista de arte, o, del concurrente a una galería, del público en general, ya que no existe otro lugar para guardar las cosas que en la cabeza,más allá de que uno sea habitante de Atenas o de Buenos Aires, o, de cualquier lugar del mundo.
"El arte que impone condiciones-sean humanas o de otro tipo- al receptor para apreciarlo es, en mi opinión, fascismo estético"
Fuente: "Arte Conceptual", Daniel Marzona, Uta Grosenick(ED), 2005,www.taschen.com
La piezas de Weiner están determinadas linÜísticamente. No se plantea su existencia como idea hasta que se formulan como declaraciones,y tampoco se plantea su existencia, en tanto que "piezas" hasta que estas formulaciones se plasman en algún tipo de comunicación, en este caso la escritura.
ResponderEliminarWeiner opinaba que el lenguaje es un " material escultórico" que adquiere "sus cualidades escultóricas al ser leído." Por este motivo, le encuentro mucha relación con la poesía concreta, generando una percepción de la forma en la mente del lector.
En América Latina los artistas teorizaron menos sobre el arte y más sobre la política, de manera de que fue la política la que se fue infiltrando hasta ser arte. Pablo Suárez,argentina(1937-2006) escribió una carta fundamentando políticamente el porque se rehusaba a participar en una muestra. Luego decidió que la carta sería su contribución a la exposición. Suárez, "Carta a Romero Brest" (mayo 13, 1968). Transcribiré un párrafo, dice así: (...)"Es evidente que, de plantear situaciones morales en las obras, de utilizar el significado como una materialidad, se desprende la necesidad de crear un lenguaje útil. Una lengua viva y no un código para citas. Se ha inventado un arma. Un arma recién cobra sentido en la acción. En el escaparate de una tienda, carece de toda peligrosidad."(...). La carta hace referencia a "Margarita Parsa, Carreira, Rodríguez Arias, Peralta Ramos, Bony, Stoppani, Trotta, Palacios, Renzi, Renart, Ruano, Lamelas y Plate, por sólo nombrar algunos de los excluidos de esta muestra".
ResponderEliminar"El siglo XX fue el siglo de la furia contra la obra. Nosotros pensábamos que todas las obras eran como mojones que iban señalando algo que sin embargo era mucho más importante: un diseño de vida. Para nosotros, en los sesenta, esto implicaba una relación mucho más profunda con el entorno. Las obras iban quedndo más bien como señaladores. La historia del arte era como un libro de señaladores, más que de páginas escritas."Pablo Suárez
Como señala Rafael Cippollini los manifiestos recogen un mensaje artístico, que no se incorpora en la obra y sí, en el manifiesto. Trataben se salirse de los esquemas formales importados.
Fueron importantes los escritos de Oscar Masotta, influyente crítico quien afirmaba, "Luego del Pop art nos desmaterializamos". La discusión llevó a una larga elucubración de Roberto Jacobi en Ramona. Luego Masotta publicó su conferencia en su libro "Conciencia y estructura" e incluyó una cita del texto de El Lissitsky "La idea que mueve a las masas hoy en día es el materialismo: sin embargo, es la desmaterialización lo que caracteriza a la obra."
La ocasión para este texto había sido el "anti-happening" que los artistas Eduardo Costa, Raúl Escari y Roberto Jacoby hicieran en Buenos Aires en 1966, una acción en la que también estuvo involucrado el propio Masotta. Fue un evento que nunca tuvo lugar en la vida real, pero que cobró vida a través de a través de notas y reportajes en la prensa, igual que si hubieran tenido lugar. Fue una información dónde la información se convirtió en obra.
Lo mismo sucedió con Pablo Suárez, su carta se constituyó en material de la muestra de arte que rechazaba.
En una tautología extrema, la teoría del arte se convirtió en obra de arte.
Lo que distinguió a los artistas argentinos teorizaron menos sobre el arte y más sobre la política.
En América Latina, el arte, la educación, la poesía y la política convergen y lo hacen por motivos enraizados en la propia América Latina.
Fuentes: Cippolini, Rafael, Manifiestos argentinos; política de lo visual 1900-2000 www.adrianahidalgo.com
Camnitzer, Luis "Didáctica de la Liberación", arte conceptual latinoamericano-2008
Las características de la obra conceptual de Lawrence Weiner se han desarrollado a lo largo de una primera trayectoria pictórica desconocido. En el contexto artístico americano de los años 60, dudando entre un concentrado problemática sobre el poder de la pintura y, por el contrario, la introducción de objetos de uso cotidiano en el campo del arte, Lawrence Weiner eligió una solución de híbrido que comprende desmitificar pintura igualando la matriz a un tema actual. Por ejemplo, en 1964, expuso en la galería dirigida por Seth Siegelaub Nueva York de pinturas de hélices visto en la televisión, por lo que cambia tomar en colores, tamaños y materiales.
ResponderEliminarEsto es para el artista para cuestionar la idea de que un cuadro es un objeto precioso, el cuadro pintado no es un ejemplo de "lo que debería ser una pintura."
Más tarde pintó cuadros a la manera de Pollock pero a diferencia del inventor de goteo , no es una cuestión de extraer la mejor parte, pero para indicar la aleatoriedad de la obra en su materialidad . Además, entre Weiner, el color, el formato, el tamaño está determinado por el Patrocinador. Así, el trabajo incluye la participación del receptor, que más tarde se convierte en un decisivo y original de su factor de producción conceptual.
En 68, Lawrence Weiner presente en un espacio público una obra hecha de cuerdas y estacas clavadas en el suelo. Destruida por los transeúntes, sin saber que era el arte, el artista decidió no producir e implementación de hardware de esta anécdota viene su práctica conceptual. Él publicó el mismo año Declaraciones , que es a la vez una colección de obras de títulos posibles, y una exposición, ya que el arte conceptual ya no vive en el otro lugar que el espacio mental.
mediation.centre pompidou.fr