MUSEO DEL ARTE/ PIERRE-AUGUSTE RENOIR, JOAN MIRÓ, BOUCHER, BRAMANTINO Y DIERICK BOUTS EL VIEJO
Museo del Arte
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- Mujer de Argel (Odalisca) / Pierre-Auguste Renoir
- La siesta / Joan Miró
- La rosa / Joan Miró
- El desayuno / François Boucher
- Crucifixión / Bramantino
- Cristo en casa de Simón el fariseo / Dierick Bouts el Viejo
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Posted: 03 Mar 2013 07:58 AM PST
-Pierre-Auguste%20Renoir.jpg?psid=1) Pierre-Auguste Renoir
La modelo de este cuadro es Lise Tréhot, que posa con un vestido ricamente adornado. Su tez pálida es puesta de relieve por el pelo negro y los flecos rojos del sombrero, que se hace eco del color intenso y sensual de los labios. Cuando el cuadro fue expuesto en el Salón, el crítico Arséne Houssaye escribió una crítica en la revista L'Artiste donde sostenía que la tela podría haber estado firmada perfectamente por Delacroix, considerado uno de los padres indiscutidos del género orientalista.
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Posted: 03 Mar 2013 07:53 AM PST
 Joan Miró
Aquí se conserva todavía algún rasgo de realidad descrita, aunque muy esquematizada: el perfil de la montaña, el riachuelo con la nadadora y la silueta de la durmiente que se convierte en cuadrante solar señalando el mediodía, que queda remarcado con la expresión del número 12 en el ángulo superior derecho.
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Posted: 03 Mar 2013 07:50 AM PST
 Joan Miró
Los trazos fuertes, plasmados con decisión y siguiendo un impulso interior, se desparraman por toda la superficie haciendo contrastar los volúmenes y dotando al cuadro de una sensación de vorágine, de la cual surge la rosa que le da nombre. El color produce también la misma sensación de vértigo y de furia contenida que expresan las primeras labores de Miró.
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Posted: 03 Mar 2013 07:18 AM PST
 François Boucher
Esta reunión matinal está bañada por una claridad serena. La luz impregna de colores dorados el elegante ambiente, y exalta la juventud, la belleza y la despreocupación de los personajes representados. Pero la impresión de armonía es engañosa: los gestos, las miradas y las acciones dispersas dan a entender un gran distanciamiento.
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Posted: 03 Mar 2013 07:20 AM PST
 Bramantino
En esta representación monumental es posible advertir la tendencia de Bramantino hacia el manierismo durante su última etapa creativa. El cuadro se caracteriza por una expresividad dura y rígida. La ordenación estricta de las figuras frente a un fondo arquitectónico imaginario es típica de su personal estilo.
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Posted: 03 Mar 2013 07:08 AM PST
Dierick Bouts el Viejo
Esta obra representa el episodio del Nuevo Testamento en el que interviene María Magdalena. Jesús es invitado a comer y se sienta a la mesa con Simón, Pedro y Juan. Ante él se inclina la pecadora, que humedece sus pies con sus lágrimas y luego los seca con sus cabellos. A la derecha, en el marco de la puerta, aparece el donante del cuadro, un monje cartujo. La crítica artística asigna a veces esta pintura al hijo del pintor, Dierick Bouts el Joven. |
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Una muestra del catalán Joan Miró se exhibe en el Timoteo Navarro
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El Jardín de las Maravillas se denomina una muestra de más de medio centenar de grabados -xilografías, litografías y aguafuertes- del célebre artista catalán Joan Miró (1893 – 1983) que se encuentra habilitada en la sala central del Museo Timoteo Navarro, 9 de Julio 44, organizada por el Ente Cultural de Tucumán conjuntamente con el Ateneo de la Militancia y el Viceconsulado de España.
23/08/2013 09:38 AM | El Jardín de las Maravillas se denomina una muestra de más de medio centenar de grabados -xilografías, litografías y aguafuertes- del célebre artista catalán Joan Miró (1893 – 1983) que se encuentra habilitada en la sala central del Museo Timoteo Navarro, 9 de Julio 44, organizada por el Ente Cultural de Tucumán conjuntamente con el Ateneo de la Militancia y el Viceconsulado de España.
La curaduría es de Massimo Scaringella, destacado curador italiano.
La muestra, que estuvo expuesta en el Cabildo de Córdoba y el Museo de Arte Contemporáneo de Mendoza, estará habilitada en nuestra provincia hasta el 8 de setiembre, y se hace en conmemoración del 120º aniversario del nacimiento del artista catalán.
elsigloweb.com
Bartolomeo Suardi, mejor conocido como Bramantino (¿Milán?, c. 1465 - Milán, 1530). Nació en Milán, hijo de Alberto Suardi, aunque registros de su vida permanecen aún poco claros. Hay una mención de Bramantino da Milano en las biografías de Piero della Francesca, Benvenuto Tisi (Garofalo), Girolamo da Carpi, y Jacopo Sansovino escritas por Giorgio Varesi. Fredberg cita a pseudo-Bramantino activo en Nápoles a principios del s. XVI siendo probablemente Pietro Sardi. El Bramantino de Vasari, si es que existió, trabajó para el papa Nicolás V entre 1450 y 1455. Si esto es verdad, trabajó entonces antes de la aparición de las obras citadas por Bartolomeo Suardi. Por otro lado, está documentado que Suardi participó a finales de 1508 en la decoración de la Estancia del Vaticano (aunque para 1509 ya estaba de vuelta en Milán). Además, este Bramantino tiene la serena y en ocasiones artificial quietud del clasicismo de Piero della Francesca, Leonardo, y de Ercole de' Roberti (Ercole Ferrarese). Freedberg sostiene que Bartolomeo Suardi, nació alrededor de 1465, fue educado por Donato Bramante, quien fue influenciado por la tradición propia del quattrocento, de Urbino, conocida como realismo inmóvil.
ResponderEliminarObras de madurez. En 1508 se comprometió en Roma. Donato Bramante pensó en la arquitectura de Bramantino, y el pupilo asistió al maestro en la realización del interior de la iglesia de Santa Maria presso San Satiro en Milán.
En pintura, realizó retratos de personajes célebres del Vaticano. Sus obras más tempranas que se conocen son Natividad (década de 1490, Brera) y Ecce Homo (hacia 1495, Museo Thyssen-Bornemisza). Una de sus obras más conocidas es la lúgubre Adoración de los magos (1495-98), en la National Gallery de Londres. En añadidura al clasicismo impasible y sin emoción, y al simétrico purismo lógico geométrico, esta figura es significativa por el corte imaginativo del edificio que revela una montaña extravagante en el último plano. www.foroxerbar.com
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La subasta "El Renoir Desconocido: el hombre, el marido, el padre, el artista" cuenta con 143 lotes.
Foto: AFP
La subasta "El Renoir Desconocido: el hombre, el marido, el padre, el artista" cuenta con 143 lotes.
La colección personal completa de documentos, cartas, objetos privados y artísticos del gran pintor francés Pierre-Auguste Renoir saldrá a la venta el próximo 19 de septiembre en Nueva York, por un valor total estimado en 3 millones de dólares, anunció la casa de subastas Heritage Auctions.
"La colección es un vistazo íntimo en la vida privada y profesional del magistral pintor a través de un tesoro de importantes documentos, incluyendo su certificado de matrimonio, fotografías y cartas escritas por Renoir a amigos y contemporáneos como Monet, Manet y Rodin", indicó Heritage Auctions en un comunicado.
Heritage Auctions espera recaudar unos "3 millones de dólares" por los 143 lotes de la subasta titulada "El Renoir Desconocido: el hombre, el marido, el padre, el artista", señaló un responsable de prensa de la casa de remates, Noah Fleisher.
El archivo de Renoir permaneció en manos de sus herederos hasta 2005, cuando fue subastado y vendido en un solo lote a sus actuales propietarios, que han decidido confiarlo a Heritage Austions.
Entre los objetos de la "Renoir Estate Collection" que se subastarán se encuentra desde su conocido pañuelo a lunares hasta la maqueta de yeso de su escultura "La Grande Venus Victrix", recientemente hallada en Francia.
"La colección del nivel de la de un museo es extraordinaria en su conjunto y revela muchísimo sobre el hombre y su obra", dijo Brian Roughton, director de bellas artes de Heritage Auctions.
"Toca cada rincón de su vida y es la última vez que esta colección aparecerá entera", agregó.
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) ha sido a menudo identificado con el movimiento impresionista, aunque también produjo obras con otros estilos.
Entre sus trabajos más conocidos se encuentran "Baile en el Moulin de la Galette" (1876), "Almuerzo de remeros" (1881) y "Las grandes bañistas" (1884-1887).
En la subasta hay objetos de todo tipo, como los anteojos y el humidor de cigarros del pintor, documentos financieros personales y una medalla de honor que le otorgó Estados Unidos en 1883 durante la Exposición Extranjera en Boston.
También hay un álbum familiar de fotografías y una jarra de cerámica y una azucarera pintadas con su hijo Jean cuando éste se recuperaba de las heridas sufridas durante la Primera Guerra Mundial.
En total hay 20 maquetas, entre las que se destaca, además de la de "La Grande Venus Victrix", una de Claude, otro de los tres hijos de Renoir.
Según Heritage Auctions, estas maquetas de yeso "no son vehículos para bronces sino más bien obras de arte individuales con su propio mérito artístico".
En su vejez Renoir fue afectado por una gravísima artritis, que no le impidió sin embargo manejar el pincel, el cual se ataba a las manos.
En esa época, colaboró con él un joven artista, Richard Guino. La mayoría de las maquetas que saldrán a subasta fueron ejecutadas por ambos en la casa de Renoir en Cagnes (Francia), donde el pintor falleció a los 78 años.
Por: Mariano Andrade / www.elespectador.com
Dieric Bouts: Pintor holandés de estilo gótico flamenco que pasó la mayor parte de su vida en la ciudad de Lovaina en la que desarrolló su carrera.
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1 Síntesis Biográfica
1.1 Trayectoria profesional
1.1.1 Pinturas
1.2 El problema de Munich
1.3 Otros trabajos
1.4 Dieric hijo y Aelbrecht
2 Fuentes
Síntesis Biográfica
Nacido en Holanda, hacia 1415, en Harlem. Su hijo Dieric Bouts el Joven fue también pintor aunque no alcanzó su categoría así como su otro hijo Aelbrecht que tuvo mayor éxito.
Trayectoria profesional
Bouts se formó en Harlem y más tarde acudió a la Universidad de Lovaina donde trabajó para la Iglesia de San Pedro. Fue nombrado pintor de la ciudad en 1468 cuando ya pasaba de cincuenta años. Su gran inspirador y probablemente maestro fue Roger Van der Weyden, aunque también se aprecia la influencia de Jan Van Eyck.
Gran pintor de interiores y retratista, utiliza al igual que el resto de pintores flamencos el óleo sobre tabla. Interesado por la luz, que le hace utilizar colores brillantes, y la perspectiva, siendo uno de los primeros que sitúa un punto de fuga al fondo de la escena que le permite estudiar la perspectiva lineal. Sus figuras son estilizadas y sus rostros ovalados, llenos de sentimiento.
A la hora de pintar figuras humanas muestra más interés en el estudio de los voluminosos ropajes con los que los cubre que por el estudio anatómico. Cuando pinta cuerpos desnudos estos son cadavéricos y sin interés por el estudio naturalista de éstos. Cuando pinta interiores suele abrir ventanas en los laterales que iluminan parcialmente las escenas, resaltando aquello que más le interesa mostrar, al tiempo que estudia el claro-oscuro. Cuando pinta exteriores la profundidad de los paisajes queda patente, como es tradicional entre los pintores flamencos. Se inspira en los paisajes que le rodean por lo que los tonos verdosos abundan.www.ecured.cu
ResponderEliminarFrançois Boucher
(París, 1703 - id., 1770) Pintor francés. Salvo una breve estancia en Italia de 1727 a 1731, donde conoció el arte de G. B. Tiepolo, residió y trabajó siempre en París, donde fue una de las grandes figuras del rococó. Su estilo cautivador, brillante y superficial, totalmente desvinculado del natural, constituye un fiel reflejo de la corte francesa de mediados del siglo XVIII. Esta comunión entre sus tendencias estilísticas y los gustos de la época está en la base de la enorme fama de que gozó y de los numerosos cargos y honores que recibió, los más prestigiosos de la época. Madame de Pompadour, la célebre amante de Luis XV, lo consideró su artista preferido. Entre sus obras destacan las de tema alegórico y mitológico, en las que Boucher se recreó en la sensualidad del cuerpo femenino, acentuando sus formas redondeadas. El triunfo de Venus y El baño de Diana se inscriben en esta línea.
François Boucher
En su libro Painting and Sculpture in France (1700-1789), Michael Levey escribió que los años centrales del siglo XVIII fueron "propiedad de Boucher", frase que plasma el enorme prestigio que alcanzó este pintor entre la aristocracia, pese a que en la última etapa de su vida los intelectuales de la Ilustración, entre ellos Diderot, desacreditaron públicamente a Boucher, al tiempo que defendían la estética neoclásica. Pintor y grabador, gozó de la amistad y protección de Madame de Pompadour y fue uno de los decoradores más famosos de la época.
Tras estudiar con Lemoyne, François Boucher aprendió el oficio de grabador en el taller del maestro Cars, convirtiéndose en el grabador habitual de las obras de Watteau. En 1723 ganó el Premio de Roma de la Academia y más tarde, en 1727, se trasladó a Italia, donde contactó con Giovanni Battista Tiepolo. Tras regresar a Francia en 1731, fue nombrado miembro de la Academia en 1734. La obra presentada para su admisión llevaba por título Rinaldo y Armida, un óleo realizado en 1734 que se conserva en el Museo del Louvre. Años más tarde, en 1765, fue nombrado director de dicha institución. Boucher fue también primer pintor del rey y director de la Manufactura de los Gobelinos.
Artista de gran versatilidad, François Boucher pintó techos y medallones para las mansiones nobles, decoró interiores, ilustró libros (fábulas de La Fontaine y obras de Molière), creó escenografías y telones teatrales, realizó cartones para tapices y adornó abanicos. Además, los modelos de las figuras de porcelana de la famosa fábrica de Sèvres se realizaban a partir de sus dibujos. Demostró también una enorme capacidad para representar una gran variedad de temas: retratos (entre ellos varios de la marquesa de Pompadour), escenas de la historia antigua, imágenes religiosas o paisajes de delicados coloridos.www.biografiasyvidas.com
"Siesta" Miró
ResponderEliminar"Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación." Joan Miró