FELIPE COHEN
São Paulo, SP, 1976.
Vive y trabaja en São Paulo, SP.
Vive y trabaja en São Paulo, SP.
PIPA 2010, 2012 y 2013 nominado.
Acerca del artista
En 2000 los graduados en el dibujo y la escultura de la Fundação Armando Álvares Penteado - FAAP, São Paulo.
En seleccionado para el Programa de Exposiciones del CCSP, lo que le concede su primera exposición individual en 2001.
Presenta otras exposiciones individuales en la Galería Virgílio, en el Centro Universitario María Antônia - Ceuma, y al galeria Marília Razuk, todo en São Paulo.
En seleccionado para el Programa de Exposiciones del CCSP, lo que le concede su primera exposición individual en 2001.
Presenta otras exposiciones individuales en la Galería Virgílio, en el Centro Universitario María Antônia - Ceuma, y al galeria Marília Razuk, todo en São Paulo.
En 2009 presenta su primera exposición individual en Río de Janeiro, en la Galería Anita Schwartz.
En 2010 presenta una exposición individual en el Madrid International Art fairf, ARCO, beeing uno de los artistas invitados para el programa Solo-proyectos.
En 2010 presenta una exposición individual en el Madrid International Art fairf, ARCO, beeing uno de los artistas invitados para el programa Solo-proyectos.
Entre algunas muestras colectivas en bruja participó, son jóvenes artistas brasileños en Galeria André Viana, en 2003, en Porto, Portugal; Rumos Artes Visuales 2008/2009, en São Paulo y otras ciudades en Brasil y en 2010, Dimensões Variáveis en el Centro Cultural São Paulo, 8ª Bienal do Mercosul en MARGS en Porto Alegre y Economía de Means_Scottsdale en el Museo de Arte Contemporáneo de Arizona, EUA.
Se concede en el Fiat Mostra Brasil en 2006. Dos años más tarde se ha seleccionado como candidato a la beca de la Fundación Iberê Camargo y es uno de los aspectos más destacados en la revista digital de la institución. En 2009, gana el premio Adquisición Banco Espírito Santo en el SP Arte Feria, y su obra se mete en la colección de la Pinacoteca do Estado de São Paulo. En 2010 tiene dos piezas adquiridas por el Museo de Arte Moderno de São Paulo. En 2011 fue finalista en el Premio Marcantonio Villaça y participa en la exposición de la apertura Instituto Figueredo Ferraz en Ribeirão Preto.
Artista representado por Galeria Millan.
Vea la lista completa de PIPA Artistas. www.pipaprize.com
ResponderEliminar(...)Rob Gonzalves
¿ Cuáles son las características de la hibridación de la imagen en nuestra cultura de la imagen?
En primer lugar habrá de definirse los lugares preferenciales de su intervención: la fotografía, el cine, el arte digital. Es no sólo una cuestión de concepto sino también de tecnología. Pero, lo más importante, es el efecto que hace en la recepción. Provocar al receptor con una imagen híbrida es a la vez una invitación para participar en este acto combinatorio que descompone imágenes y reagrupa signos, desde una reflexión interpretativa. Porque el discurso de la hibridación incluye el porqué de las asociaciones de signos que se producen en la imagen híbrida. Este porqué es una interrogante dirigida directamente al receptor y es la plataforma de la praxis interpretativa.
En el proceso de interpretación, el receptor profundizará en el tema de la identidad, desde la mediación de los signos y superará los límites de la representación. En América Latina hará contacto con el paradigma del mestizaje y el paradigma de la transculturación, a la vez que desde el punto de vista del discurso expresivo hará contacto con el paradigma de la heterogeneidad.
Dana Salvo
semiotica-pucp.blogspot.com.ar
Reduce el arte a variantes de la forma del cubo. No imita nada, aunque queda delimitado el significado mismo de ese espacio que encuentran los objetos; el adentro y el afuera. A la dureza del mármol de los libros, contrapone la ligereza del papel corrugado en algunos casos. Es paradójica y enigmática su obra, como buscando un infinito sin origen. Pone en contraposición lo interior y lo exterior. Transmite la sensación de un espacio interior vuelto hacia el exterior. Un diseño que podría realizar un espacio virtual, se convierte en un espacio real.
ResponderEliminarEl papel, un invento chino de hace más de 2000 años, es muy utilizado por los artistas, para el dibujo, la pintura, la caligrafía, el collage, así como en la escultura y el arte conceptual.
El contraste con los libros de mármol, hace pensar en biblias medievales, o bien esculturas que remiten a la palabra de Dios tallada, considerándolo con poderes sagrados sobrenaturales.
En el arte contemporáneo fue Anselm Kiefer se dedicó a reclamar el libro de artista como una fusión multimedia entre el arte bi y tridimensional, para. en definitiva, dar un fuerte contenido a la palabra. Con distintos soportes, han seguido la tradición de las biblias medievales.
Lygia Pape nos ha dado esta declaración:
ResponderEliminar"Dividimos el hormigón de São Paulo Grupo porque querían crear un proyecto de diez años de trabajo para el futuro. El Grupo de Río se sentía que era demasiado racionalismo. Queríamos trabajar con la intuición, más suelto.
Intercambiamos una gran cantidad de información; había incluso una cierta impregnación como hablar el uno al otro. El Neoconcreto no viene por casualidad, también que no era algo que hemos preparado y luego comenzó a trabajar en él. Fue hecha antes de que las pruebas que llevaron a ella. Entonces el Gullar que era un poeta, "copy-desk" Jornal do Brasil, escribió muy bien y estudió la teoría del arte, fue acusado de escribir un texto que tenía que ver con el trabajo de todo el mundo _ un texto posterior a las obras .
Hubo total libertad, nada era dogmático. Todo el mundo estaba dispuesto a inventar. No trabaje únicas categorías convencionales. En la escultura, la idea era destruir la base _ crea un objeto de forma que se llamaba pero podría ser puesto en cualquier posición. La pintura también ya no rodeada por un marco, haría avanzar hacia el espacio. Incluso me inventé un libro llamado "Libro de la Creación", que narra la creación del mundo, sin palabras, a través del arte, a través de la poesía. Este sentido de la invención, la creación era lo que realmente caracteriza el movimiento. En ese momento todavía había la idea de una trama es una pintura en la pared, a la mera contemplación. No tenía sentido de la participación, el uso de diferentes materiales; así que todo esto tiene un gran sentido de la libertad. En el momento que no fue fácil, tenía el mundo en contra de nosotros ".
Mário Pedrosa señaló, con su agudeza habitual, el arte neo-concreto era "la pre-historia del arte brasileño." Esta definición, que no puede ser entendida literalmente, pone de relieve el carácter radical del movimiento neo-concreto: Prehistoria en la medida en que cuestiona los fundamentos del lenguaje artístico existente y propone una vuelta al "principio" del arte.
El Neoconcreto Manifiesto, el apoyo a la filosofía de Merleau-Ponty, la recuperación humana, la rehabilitación de la sensible, descalificado desde Platón y mirando lo haga una fundación real de conocimiento. Se tenía la intención de revitalizar la relación del sujeto con su trabajo.
Iconografía
7- Manifiesto Neoconcreto
Cf:. Catálogo de la exposición Neoconcretismo / 1959 a 1961, Banerj Art Gallery, de septiembre de 1984.
Se nota el diseño moderno del periódico Domingo Suplemento del Brasil del 23 de marzo de 1959.
No concebir una obra de arte como una "máquina" o como el "objeto", sino como un cuasi-corpus, es decir, un ser cuya realidad no se limita a las relaciones exteriores de sus elementos; un ser descomponible en partes para el análisis, sólo se da plenamente enfoque directo, fenomenológico. Creemos que la obra de arte supera el mecanismo de material sobre el que se apoya, no por una calidad extraterrestre: supera por trascender estas relaciones mecánicas (que Gestalt objetivo) y crear en sí mismo un significado tácito (Merleau-Ponty) emergente por la primera vez.
La obra de arte fue similar a un organismo vivo. La ausencia de marco o soporte traería en el espacio real _ llevar el arte de su pedestal, insertarlo en la vida _ para que los humanos se convertirían en una parte natural de la obra. Relaciones establecidas e intercambios hicieron el sujeto continuamente crear y recrear el trabajo todo el tiempo. Así pues, la ayuda dejará de ser la pantalla o la base de la escultura para el cuerpo. Este reemplazo de un apoyo acordado por un apoyo natural indica el carácter radical del arte neo-concreto. Tenía la intención de llevarse a cabo entre la naturaleza y la cultura, casi antes de que, en una primera formulación de la real.
(...) En esta corriente ubico el arte de Felipe Cohen. Un artista neoconcreto.
arte.online.arq.br
En este blog, el 5 de octubre de 2012.
ResponderEliminarAlgunos de sus conceptos principales, que guardan relación con su distanciamiento frente al arte concreto, son: la apología de la participación donde se busca una experiencia real de parte del espectador respecto a la obra; la teoría del no-objeto de Ferreira reeditando el cuerpo y lo sensorial en la experiencia artística; y el concepto de organismo vivo de Susanne Langer.
ResponderEliminarFerreira inicia el manifiesto neoconcreto con la siguiente definición que, más que definición objetiva acerca de su producción artística, hacía referencia a una búsqueda relativa a la de las vanguardias históricas (categoría de Peter Burger) por el acercamiento entre la vida y el arte, el arte a la praxis vital. “La expresión neoconcreto indica una toma de posición frente al arte no-figurativo “geométrico” (neoplasticismo, constructivismo, suprematismo, escuela de Ulm) y particularmente frente al arte concreto llevado a una peligrosa exacerbación racionalista. (…) ninguna de ellas “comprende” satisfactoriamente las posibilidades expresivas despejadas por esas experiencias. (…) Proponemos una reinterpretación del neoplasticismo, del constructivismo y de los demás movimientos afines, con base en sus conquistas de expresión y haciendo prevalecer la obra sobre la teoría.”
Disputas artísticas y filosóficas entre concretismo y neoconcretismo
Uno de los objetivos de los artistas paulistas (llamados así por su lugar de exposición y desarrollo cultural), era realizar una crítica al abstraccionismo geométrico y proponer nuevas prácticas de interacción y participación entre la obra y el espectador en relación a la experiencia estética.
¿Por qué este asesinato al concretismo y sus principios? En un primer momento el concretismo nació en respuesta a expresiones como el cubismo, alejadas de la experiencia que la modernidad y el avance tecnológico traía consigo. El cubismo, de este modo, como estudio de un objeto desde distintas perspectivas se queda corto; el concretismo se propone abordar un arte basado en la racionalización de la vida, proceso iniciado con la industria y que otorgó nuevos tiempos y experiencias de velocidad al sujeto. El concretismo por tanto buscó eliminar todo aquello que tuviera que ver con lo figurativo, lo expresivo y lo subjetivo en el arte; la geometría plana pasaría al frente con el objetivo de crear nuevas formas óptico – sensoriales que permitieran democratizar el arte y racionalizar la vida. El concretismo a su vez proponía por tanto un modelo epistemológico mecanicista, donde el ser humano y sus medios (de visión en este caso) podían ser fácilmente comparables con una máquina.
En oposición a esta visión de mundo, a su cientificismo y mecanicismo, el neoconcreto buscó levantar un sistema que ya no reprodujera el autómata de razón instrumental; sino que creara un sistema artístico y epistemológico que volviera a la sensibilidad, a la expresión corporal, a la interacción inmediata, sin distancias autoimpuestas por una sociedad degradada tras las guerras mundiales. Ferreira planteó en su manifiesto: “ni objeto ni máquina, sino un cuasi-corpus”.
Esta búsqueda de la vida desde el arte, de la expresión, de las sensaciones, de la experiencia del sujeto más allá de la sociedad industrial que tiende a mecanizar el arte y desligarlo de la cotidianeidad a través de formas regulares y universalizables (siguiendo el modelo de la moral kantiana); responde a su vez a un impulso por retomar la tarea vanguardista de una práctica artística que se confunda con la vida. El neoconcretismo surge entonces en oposición al concretismo, como superación vanguardista del mismo
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