FRANCESCA THYSSEN-BORNEMISZA PRESENTA SU COLECCIÓN EN LATIONOAMÉRICA
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Francesca Thyssen-Bornemisza presenta su colección en Latinoamérica
22 Mayo de 2014
Francesca Thyssen-Bornemisza presenta su colección en Latinoamérica
Francesca Thyssen-Bornemisza. Cortesía de TBA21
El MAZ - Museo de Arte de Zapopan, en México, acoge, hasta principios de octubre, la muestra "Atopía. Migración, legado y ausencia de lugar", que sirve para que la coleccionista austriaca, Francesca Thyssen-Bornemisza, hija del fallecido Baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, presente, por primera vez en Latinoamérica, una selección de obras de su colección Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21). En la exposición se podrán ver las creaciones de casi una veintena de artistas, entre los que cabe destacar la presencia de los mexicanos Abraham Cruzvillegas (Ciudad de México, 1968) y Mario García Torres (Monclova, México, 1975), los brasileños Jonathas de Andrade(Maceió, 1982), Paulo Nazareth (Governador Valadáres, 1977) y Rivane Neuenschwander (Belo Horizonte, 1967), el colombiano Alex Rodríguez(Cali, 1981) y los dúos artísticos Allora & Calzadilla -Jennifer Allora (Filadelfia, Estados Unidos, 1974) y Guillermo Calzadilla (La Habana, Cuba, 1971) que residen en San Juan, Puerto Rico- y Los Carpinteros -Marco Antonio Castillo Valdés (Camagüey, Cuba, 1971) y Dagoberto Rodríguez Sánchez (Caibarién, Cuba, 1969)-. A la inauguración de esta exposición, desarrollada conjuntamente entre el MAZ y TBA21, asistieron distintos profesionales del mundo del arte, como el mexicano Patrick Charpenel (Guadalajara, 1967), director de la Colección/Fundación Jumex de México, propiedad del empresario Eugenio López Alonso, las galeristas españolas Inés López Quesada y Sivia Ortiz, propietarias de la galería Travesía Cuatro, con sedes en Madrid y Guadalajara (México) o la comisaria jefe de la colección TBA21, Daniela Zyman (Viena, 1964), entre otros.
TBA21 es una institución dedicada al arte contemporáneo con sede en Viena (Austria), que fue fundada en 2002 por Francesca Thyssen-Bornemisza para dedicarse a la producción, comisión y difusión del arte contemporáneo. Esta importante colección reúne obras de alrededor de 200 artistas, siendo 22 de ellos iberoamericanos: 11 brasileños -Beatriz Milhazes (Río de Janeiro, 1960), Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964), Iran do Espirito Santo (Mococa, Brasil, 1963), Jonathas de Andrade (Maceió, 1982),Mauro Restiffe (São José do Rio Pardo, 1970), Nuno Ramos (São Paulo, 1960), Paulo Nazareth (Governador Valadáres, 1977),Paulo Vivacqua (Vitória, 1971), Rivane Neuenschwander (Belo Horizonte, 1967) y su hermano Sergio Neuenschwander y Thiago Rocha Pitta (Tiradenes, 1980); 4 de cubanos -Jorge Pardo (La Habana, 1963 - reside en Los Angeles), Sandra Ramos (La Habana, 1969), Los Carpinteros -Marco Antonio Castillo Valdés (Camagüey, 1971) y Dagoberto Rodríguez Sánchez (Caibarién, 1969)- y Guillermo Calzadilla (La Habana, 1971 - reside en San Juan, Puerto Rico)-; 3 españoles -Jorge Otero-Pailos (Madrid, 1971 - reside en Nueva York), Roc Jiménez de Cisneros (Barcelona, 1975) y Sergio Prego (San Sebastián, 1969); 2 mexicanosAbraham Cruzvillegas (Ciudad de México, 1968) y Mario García Torres (Monclova, 1975); 1 argentino -Hernan Diaz Alonso(Buenos Aires, 1969 - reside en Los Angeles); y 1 colombiano -Alex Rodríguez (Cali, 1981)-.
Además de la adquisición de obras para su colección TBA21, Francesca Thyssen-Bornemisza, ha comisionado distintos proyectos, siendo dos de ellos: "The Ethics of Dust" del español Jorge Otero-Pailos para la 53ª Bienal de Venecia (2009) y "O Levante (The Uprising)" (2012) del brasileño Jonathas de Andrade. También desde su fundación ha organizado distintos eventos como 'Discusiones y demostraciones', un programa dirigido por el comisario suizo Hans Ulrich Obrist, co-director de la Serpentine Gallery de Londres, que tuvo lugar en enero de 2013 en las ciudades colombianas de Cartagena, Bogotá y Cali, reuniendo en distintas charlas y encuentros a 40 artistas, pensadores, investigadores y comisarios colombianos para analizar la escena artística colombiana. ARTEINFORMADO
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Hernán Díaz Alonso
ResponderEliminarDirector y fundador de Xefirotarch, Programas de Postgrado Cátedra en SCI-Arc
Considerada una de las voces más influyentes de su generación, antes de convertirse en los Programas de Postgrado Cátedra en SCI-Arc Díaz Alonso ha servido durante los últimos años como Distinguir Profesor de Arquitectura y el Coordinador de Tesis de Postgrado en SCI-Arc. Anteriormente, se ha dictado la cátedra de estudio de diseño en la Universidad de Columbia GSAPP y él es el profesor del estudio principal en el programa de postgrado "excesivo" de la Universitat fur Angewandte Kunst de Viena, Austria. Él fue honrado recientemente por la Universidad de Yale con el Louis I. Kahn asistente visitante Cátedra de Proyectos Arquitectónicos para el otoño de 2010.
Díaz Alonso ha dado numerosas conferencias en las principales instituciones de todo el mundo, y su obra ha sido incluir en numerosas ocasiones en la Bienal de Arquitectura de Venecia, Bienal de Arquitectura de Londres, Archilab,
Sus diseños de arquitectura han recibido numerosos premios y han sido expuestas en la arquitectura y el museo de arte exposiciones, tales como Nueva York MoMA, San Francisco MOMA, el Instituto de Arte de Chicago, Artista Espacio en Nueva York. Su trabajo ha sido publicado ampliamente en revistas y periódicos de todo el mundo y varios libros, entre ellos la monografía "excesiva" y una próxima monografía de Thames and Hudson.
En 2005, Díaz Alonso fue el ganador del Programa de Jóvenes Arquitectos de PS1 MoMA competencia (YAP). Su trabajo ha sido desde entonces objeto de exposiciones individuales en el MoMA de San Francisco en el año 2006, el Instituto de Arte de Chicago y el Centro MAK, Wien en 2007.
Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Centro de FRAC, el San Francisco MOMA, Nueva York MoMA, el Museo Thyssen Bornamiza Collection en Viena, Museo MAK en Viena y el Instituto de Arte de Chicago.5dinstitute.org
Se puede encontrar a Rivane Neunschwander, artista brasileña el 31/10/2013. Ganadora del Yanghyun Prize 2013; comunicación de arteinformado.com
ResponderEliminar: ¿Cómo vives el proceso desde que tienes una idea hasta que esta idea se materializa en sonido?(...)
ResponderEliminarR: Depende bastante de la pieza o del disco, pero normalmente uno de los dos tiene una idea y la comenta, la dejamos aparcada una o dos semanas a ver como evoluciona, si es que evoluciona, y entonces empezamos a intercambiar material. Stephen vive en Escocia, o sea que normalmente tenemos que trabajar a distancia y cada dos o tres meses nos vemos en persona y aceleramos el trabajo, pero el proceso es así de sencillo. O sea, ir haciendo ping-pong, intercambiando ejemplos hasta que eso coge forma. Pero es muy difícil describir y simplificar este proceso, y no solo en nuestro caso. Quiero decir que, en general, cualquier proceso de creación musical que no sea absolutamente de improvisación es muy complejo porque influyen muchos factores… no todo pasa cuando te pones delante del ordenador, o del instrumento que sea, sino que igual estás a punto de irte a la cama y te viene algo a la cabeza que te das cuenta que puedes añadir a eso que estas intentando desarrollar. Es un proceso muy difuso. Para mí esa idea romántica del artista iluminado que se sienta y empieza a componer y tal me suena muy tramposa. Es mucho más complicado que eso. Las pelis que ves, la música que escuchas, los libros que lees y muchas otras cosas son parte de ese proceso, por ejemplo.
A: Yo me imagino que alguna vez, antes de hacer piezas como las que haces actualmente habrás intentado hacer esto que describes, quiero decir que habrás intentado un acercamiento a la música en un formato más tradicional, no?
R: ¿Quieres decir con un instrumento tradicional?
A: Por ejemplo.
R: No, nunca he tocado instrumentos tradicionales. De pequeño, mis padres intentaron que tocase el piano pero duró muy poco la cosa y después nunca tuve interés por tocar instrumentos tradicionales. Aunque los sintetizadores y los ordenadores ya son instrumentos tradicionales…
A: Incluso una caja de ritmos…
R: Sí. De hecho mi primer instrumento fue una caja de ritmos. Pero yo decía esto de la idea romántica porque tenemos muy incrustado eso del artista que se pone a escribir o componer algo como si estuviera totalmente aislado del universo, y eso es imposible. Todavía existe esta idea muy potente del genio, y creo que no tiene mucho sentido, por lo menos en nuestra generación…
A: Bueno, yo creo que siempre habrá sido igual, quizás antes había menos gente que tuviese la capacidad de demostrar sus cualidades artísticas y ahora está más dentro de las posibilidades de cualquiera.
R: Sí, sí…
A: Háblame un poco del LP que sacásteis en Editions Mego hace unos meses. Me pregunto si está igualmente relacionado con todas estas obsesiones que comentábamos…
R: Si, totalmente. En realidad el disco es un paso más en nuestro proceso de deconstrucción de la cultura rave, y de preguntarte qué pasa cuando la desmontas y la vuelves a montar con otra mentalidad. Y quizás es el disco más simple, estructuralmente, el más regular que hemos hecho, porque son 10 temas. Para mi pensar en temas de 3 minutos es muy raro, pero es una imposición que funcionó muy bien, porque primero empezamos a pensar en el disco como una pieza súper larga, de 50 minutos. Y en un momento dado nos dimos cuenta de que, aunque era una arbitrariedad, había algo interesante en el hecho de cortarlo en partes. Y es un disco muy simple en el que parece que no pasa nada pero mientras lo escuchas pasan cosas. No hace mucho hicimos una segunda parte del disco para la radio del Museo Reina Sofía.
A: Una cosa que hace tiempo que pensaba que sería gracioso preguntarte, a veces pienso “¿Stephen es una persona real? ¿Es un robot, es un concepto?”
(Risas)
R: Existe, existe, no es un concepto, Stephen Sharp existe…
A: ¡Yo no me lo creo!
R: Puedo enviarte fotos. Claro, esto tampoco demostraría nada, no? Podría ser mi primo.
R: Existe y nos conocimos hace mucho tiempo. Él formaba parte de un colectivo-sello que se llamaba Diskono, y nos conocimos en 2000 o 2001, cuando me invitaron a tocar a Glasgow.(...)
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Conectados por el denominador común de la exploración sonora menos convencional, Roc Jiménez de Cisneros y Arnau Sala son dos de los máximos exponentes de la experimentación electrónica en nuestro país, y en concreto en Cataluña; uno es el sabido 50% de EVOL, proyecto colaborativo de culto fuera de nuestra geografía y que lleva más de una década explotando lo que ellos llaman “computer music for hooligans”; el segundo es conocido por su personalidad como Ex-Con y su proyecto conjunto Vactor, que comparte con IVDB, artista con la que además gestiona la plataforma y editorial Anòmia.
ResponderEliminarEn esta extensa conversación, ambos giran en torno a los factores inspiradores, concepto y desarrollo del proyecto EVOL, invitado al Sónar Festival pasado y que recientemente ha encadenado una serie de trabajos soberbios para Entr’acte (“Wormhole Shubz”), eMego (“Proper Headshrinker”), su propio label ALKU o la Radio del Museo Reina Sofía (“Harder Posher Pinker”); se tratan obsesiones, puntos de vista filosóficos, el choque entre cultura de distintas categorías y entre lo popular y académico, además de darnos las primeras pistas de un próximo LP titulado “Something Inflatable”.
Arnau Sala: Algo que me parece interesante es que cuando explicas tu proyecto hablas de “obsesiones” y me parece gracioso porque creo que a todos más o menos nos pasa, pero me preguntaba sobre esas obsesiones. Cómo las canalizas y si intentas recrear experiencias que has vivido en el pasado o es algo más romántico…
Roc Jiménez de Cisneros: Hay un poco de todo. Y además, cuando hablo de obsesiones en realidad son muchas, no solo musicales. Hay un montón de cosas que me obsesionan y que son importantes en EVOL. Y como más obsesionado y más irracional eres con una de esas cosas, más al fondo llegas. Sí hay un componente de nostalgia, pero me parece que mirar al pasado es súper positivo y útil para construir otras cosas.
A: Sin intentar repetirlas…
R: Exacto. Creo que no tiene mucho sentido repetir por repetir, por nostalgia en el mal sentido de la palabra. Isabelle Stengers lo llama “reclamar el pasado”, que no es resucitar una tradición, sino reactivarla. A mi lo que me interesa es coger las cosas que me atraen del pasado, desmontarlas, coger las partes que quiero y llevarlas a un lugar completamente distinto, porque en su contexto original no llegaron a desarrollarse de ese modo. No porque estén mal, sino porque en ese contexto las cosas fueron como fueron.
A: Seleccionas un poco.
R: Sí, me interesa mucho desmontar cosas y ver cómo se pueden reconstruir, llevarlas a un terreno totalmente diferente. Por ejemplo, este último año hemos estado haciendo cosas que no solamente beben de la música de baile en cuanto a sonidos o referentes, sino que además utilizan estructuras como patrones rítmicos muy claros. Pero aún así es fácil llevarlo a un terreno distinto: si rompes cierta periodicidad y ciertas normas, aunque sea rítmico, enseguida te vas a otro lugar. Y eso es súper poderoso porque todavía confunde más. Los elementos y la estructura están ahí, pero algo no es del todo familiar, y esa es la idea…
A: Bueno, yo esto lo veía en tu concierto en el Sónar, donde había mucha gente que atendía al festival bailando y sintiéndolo, pero que en algún punto se sentían desconcertados hasta que el beat volvía… de alguna forma entraba y salía la cosa… Las últimas veces que te he visto me ha dado la sensación de que el público se familiarizaba más con el sonido que en otras ocasiones, me imagino que es por la parte rítmica, aunque esta fuera irregular.www.conceptoradio.net
ARTE
ResponderEliminarEl Festival Internacional de Arte de Toulouse acoge al cubano Jorge Pardo
La obra de Pardo, quien tras vivir 45 años en Estados Unidos se instaló en 2013 con su taller en Yucatán (México), sobresale por ser la única que no tendrá un carácter efímero y por el esfuerzo presupuestario que ha supuesto.
EL UNIVERSAL
jueves 22 de mayo de 2014 03:26 PM
París.- El Festival Internacional de Arte de Toulouse inaugura mañana su segunda edición, que hasta el próximo 22 de junio expondrá en algunos de sus principales museos y monumentos el trabajo de nueve figuras del arte contemporáneo, entre ellas el cubano Jorge Pardo (La Habana, 1963).
La obra de Pardo, quien tras vivir 45 años en Estados Unidos se instaló en 2013 con su taller en Yucatán (México), sobresale por ser la única que no tendrá un carácter efímero y por el esfuerzo presupuestario que ha supuesto.
Es un proyecto "muy ambicioso y monumental", destinado a poner de relieve los capiteles de arte románico del Museo de los Agustinos, "la colección más grande del mundo en su género", resaltó en una entrevista con Efe el artista plástico y director del comité de expertos que programa el certamen, Jean-Marc Bustamante.
Hasta ahora esos valiosos fondos se presentaban "de manera muy clásica" y para algunos visitantes hasta aburrida, "algo que la gran instalación de Pardo cambió", agregó Bustamante (Toulouse, 1952), quien acaba de exponer sus obras en la Galería Juana de Aizpuru de Madrid.
El trabajo de Pardo, que podrá verse en Los Agustinos durante al menos los diez próximos años, ocupa una superficie de 50 metros, en los que entre otras intervenciones se rehizo el suelo y toda la iluminación.
"Ha costado varios cientos de miles de euros" a la ciudad de Toulouse, apoyada en el mecenazgo privado, precisó Bustamante, mientras que Pardo destacó de su trabajo que "tiene que ver mucho con la luz y el espacio".
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