España y Argentina vuelven a liderar Pinta Londres
28 Mayo de 2014
España y Argentina vuelven a liderar Pinta Londres
Pinta Londres 2014
España y Argentina volverán a liderar el programa general de la próxima Pinta Londres 2014, al repetir con 14 y 8 galerías, respectivamente. Por contra, Brasil, que en la pasada edición tuvo 6 galerías, siendo el tercer país al duplicar sus 3 galerías de 2012, no contará con ninguna, lo mismo que México y Costa Rica, que no tendrán representantes tras haber tenido dos y uno, respectivamente. Del resto de países iberoamericanos, repite Portugal, que suma una galería teniendo tres representantes, Colombia, que tendrá de nuevo dos, y, finalmente, Perú y Cuba, que se incorporan con una galería cada uno. Además, en la quinta edición de esta feria londinense, a celebrar del 12 al 15 de junio, habrá dentro de las 45 galerías de su programa general -56 en 2013-: 7 galerías del Reino Unido -9 en 2013-, 2 de Estados Unidos -10 en 2013-, 2 de Italia, 2 de Francia, 1 de Alemania y 1 de Bélgica. También cabe destacar que media docena de galerías que se estrenan en las diferentes secciones de esta feria londinense han acudido a alguna edición de Pinta Nueva York, la hermana mayor de Pinta Londres, que actualmente está dirigida en solitario por empresario argentino Diego Costa Peuser (Buenos Aires, 1964), quien creo junto a los también empresarios y coleccionistas argentinos Alejandro Zaia (Buenos Aires, 1961) y Mauro Herlitzka (Buenos Aires), Pinta Londres, siendos estos dos últimos sus actuales directores.
Comenzando por las participantes de España, en primer lugar, señalar los estrenos de siete galerias: las madrileñas Alvaro Alcázar, Oliva Arauna, Bacelos y el dúo La New Gallery & Twin Gallery; la valenciana Alba Cabrera y la barcelonesa Victor Lope. Además, estarán otras siete que acudieron en la pasada edición, la mayoría de ellas fijas a esta cita, como son: las madrileñas Aina Nowack, Blanca Soto, Espacio Mínimo, Fernando Pradilla -también con su galería bogoteña El Museo- y Jose de la Mano-; la sevillana Rafael Ortiz, y por último, la valencia Set Espai D'Art. Por contra, no vuelven este año: pazYcomedias de Valencia, La Caja Negra, Ivorypress, Nieves Fernández, Paula Alonso y ArtePaso de Madrid y Balaguer de Barcelona. Las últimas cinco se estrenaron el pasado año.
En cuanto a las 8 participantes de Argentina, encontramos en ellas, 4 estrenos -Pabellón 4, C-Arte y El Mirador Espacio de Buenos Aires y Ungloborojo de Córdoba- y 4 regresos -Espacio Makarius, Document Art Gallery, La Argentina by Argentinartes y Cecilia Caballero de Buenos Aires-. En cambio, no vuelven: Aldo de Sousa, Dacil Art y Gachi Prieto de Buenos Aires y Artis de Cordoba. Del resto de países iberoamericanos: de Portugal, siendo las tres de Lisboa, se estrena 3+1 Arte Contemporanea y repiten Filomena Soares y Graça Brandao; de Colombia, repiten las bogoteñas El Museo y Nueveochenta; de Cuba se estrena Acacia Gallery de La Habana; y de Perú se estrena Forum de Lima. Además, hay que señalar, la vuelta a la feria de PSH Project, iniciativa conjunta que integran las galerías Christopher Paschall S.XXI (Bogota), Salart Gallery (La Paz) y Hardcore Art Contemporary (Miami).
Como en ediciones anteriores Pinta Londres 2014 se completa con distintas secciones paralelas. Así, este año, en Pinta Projects participan con un artista destacado nueve galerías -4 españolas, 2 brasileñas, 1 venezolana, 1 estadounidense y 1 sin identificar su nacionalidad-: la murciana Aural (se estrena) presenta a Anna Bella Geiger (Río de Janeiro, Brasil, 1933), la madrileña Casado Santapau (regresa) presenta a Tatiana Echeverri (San José, Costa Rica, 1974 - reside en Belín), la bilbaína Vanguardia (se estrena) junto con la barcelonesa Senda (repite) presentan a Anna Malagrida (Barcelona, España, 1970 - reside en París), la paulista Leme (se estrena) presenta a Sandra Gamarra (Lima, Perú, 1972 - reside en Madrid), la también paulista Marilia Razuk presenta a Ana Luiza Dias Batista (São Paulo, Brasil, 1978), la caraqueña Oficina #1 (se estrena) presenta aLucia Pizzani (Caracas, 1975 - reside en Londres), la neoyorquina Y Gallery (repite) presenta a Jazmín López (Buenos Aires, Argentina, 1984) y Atelier MK (se estrena) a Cibelle (São Paulo, Brasil, 1978 - reside en Londres).
La sección Gaur Special Pinta Project, dedicada al vídeo y bajo el comisariado de la española Nekane Aramburu, directora de Es Baluard Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma de Mallorca, incluye trabajos de los artistas vascos: Alaitz Arenzana & Maria Ibarretxe, Larraitz Torres (Irún, Guipúzcoa, 1979 - reside en Holanda) y Sandra Cuesta (Urretxu, Guipúzcoa, 1976), Ixone Sadaba (Bilbao, 1977), Aitor Lajarin (Vitoria, 1977), Juan Aizpitarte (San Sebastián, 1974), Iratxe Jaio (Markina-Xemein, País Vasco, 1976) & Klaas van Gorkum (Delft, Holanda, 1975) -residen en Róterdam-, y Saioa Olmo (Bilbao, 1976).
La sección Pinta Media Art, una vez más comisariada por Rolando Joshua Carmona, comisario venezolano afincado en París, contará con la obra del artista brasileño Eduardo Kac (Río de Janeiro, 1962), pionero de la Bio-arte y la telepresencia, quien actualmente presenta su primera exposición en la galería Henrique Faria de Nueva York. Y la tercera edición de la sección Pinta Design, nuevamente comisariada por Manuel Diaz Cebrian, se centrará en el diseño industrial y contemporáneo producido en Mexico y Brasil. Finalmente, señalar la exposición "Black and White in Spanish Geometry from 1950 to 1970" que cuenta con un conjunto de obras de varios artistas españoles -Manuel Calvo, José Luis Gómez Perales, José María de Labra, Ángel Luque, Pablo Palazuelo, Eusebio Sempere y Jesús de la Sota-, que pertenecen a los inicios de su práctica artística y que se centran en la experimentación del espacio y la geometría. ARTEINFORMADOwww.arteinformado.com
ResponderEliminarFESTIVAL DE VENECIA
La hora argentina
La realizadora Jazmín López presentó su opera prima, “Leones”, una película volcada a lo fantástico, en la sección Horizontes.
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Festival de cine de Venecia
03.09.2012
La joven realizadora argentina Jazmín López presentó ayer Leones , su opera prima, en la sección Horizontes, del Festival de Venecia. La película, una coproducción de la Argentina, Francia y Holanda, tiene un estilo arriesgado, que apunta a lo conceptual, a lo simbólico, más que a lo narrativo.
“Estaba interesada en hacer un cine más fantástico que lo que suele ser el cine argentino. Incluso el que me gusta, tiende a ser un poco naturalista. Mi película nunca fue pensada para un público masivo. Fue una composición audiovisual que fuimos haciendo. Jamás hubo especulación con respecto a la audiencia o al público”, afirmó la joven cineasta.
La historia, de poco diálogo, cuenta sólo con cinco personajes, integrantes de una especie de jauría humana zombi a los que dan vida Julia Volpato, Pablo Sigal, Macarena del Corro, Diego Vegezzi y Tomás Mackinlay. A través de largos planos secuencias vemos a estos personajes deambulando por un bosque sin un rumbo fijo, inmersos en sus juegos de palabras y envueltos por un halo de misterio que los sitúa a medio camino entre la vida y la muerte, entre el realismo y el surrealismo.
“Era una mezcla contradictoria entre búsqueda de espontaneidad y un movimiento específico. Sabíamos que teníamos que capturar ciertos gestos, objetos, movimientos y diálogos. Lo que hacíamos era ir llegando a una especie de postas que nos marcamos. Y lo que pasaba entre medio era lo que le daba la naturalidad”, explicó López, acerca de la técnica de trabajo utilizada con los actores.
Y señaló: “La película es en memoria de gente que está muerta. Todos los que están ahí son personajes que me han inspirado mucho para hacer esta película, pero son personas que se suicidaron. Para mí esta película es un poco también sobre la posibilidad de decidir la muerte propia, a pesar de que es un accidente lo que ellos tienen. Siempre traté de evitar la “pornografía” de la imagen. Creo que siempre muestra más de lo que debería”.
En la competencia oficial, hubo realizadores importantes. El francés Olivier Assayas presentó Après mai , una película con tintes autobiográficos ambientada en los años posteriores al mayo francés; el japonés Takeshi Kitano, Outrage Beyond , secuela de su previa Outrag e, acerca de la lucha entre dos bandas mafiosas.
“En mi película hay mucho amor, naturaleza, ternura... pero la adolescencia se suele retratar casi como una caricatura, llena de fiestas, cuando yo la recuerdo como algo mucho más melancólico. Aquella fue una época seria y triste para la juventud, una época de obsesión constante por la política”, dijo Assayas.
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Cuando se trata de buscar los orígenes del videoarte, la versión más común repite que los pioneros son el Alemán Wolf Vostell (1932- 1998) y el coreano Nam June Paik (1932-2006). Pero existe un tercer personaje con investigaciones referenciales en la aparición del arte en video: el artista franco Húngaro Nicolas Schöffer (1912-1992).
ResponderEliminarAhora, el espacio ARTEPLATFORME de París exhibe el trabajo de Nicolás Schöffer en una muestra que lleva por nombre Du cinéma expérimental à l’expérience cathodique 1956-1973. Curada por Rolando Joshua Carmona, la exhibición incluye piezas audiovisuales y diapositivas pertenecientes a los tres momentos clave en la obra multimedia del artista: cinema expandido, proyectos para televisión y videodanza.
01. Cinema expandido
En un primer momento, Schöffer exploró la disolución de las formas en movimiento. En obras como Mayola (1958) y Fer Chaud (1957), el sonido está fuera de sincronía respecto a la edición de las imágenes. Míra los videos aquí: Mayola, Fer Chaud.
02. Proyectos televisivos
Variations Luminodynamiques 1 (1961) es la pieza central de la muestra, un hito en los orígenes del videoarte no sólo por ser una propuesta audiovisual transmitida de forma masiva o por los experimentos técnicos que implicó, sino por ser uno de los primeros clips para televisión, donde los movimientos corporales, los efectos y el sonido están sincronizados.revistacodigos.com
El artista Manuel Calvo (Oviedo, 1934) posa entre dos de las obras que acerca al público navarro en la Fundación Museo Jorge Oteiza.
ResponderEliminarContemplando la pintura de Manuel Calvo, uno siente que está ante una obra del aquí y ahora. Una expresión universal de la necesidad de vitalidad social y cultural, de la necesidad de amistad, de diálogo, de esas conversaciones en círculos abiertos, ahí donde surgen las relaciones humanas más honestas.
Todo esto late en la exposición El Silencio. La pintura en blanco y negro de Manuel Calvo (1958-1964), que alberga hasta el 1 de junio la Fundación Museo Oteiza de Alzuza. Un conjunto de 34 obras procedentes del taller del artista asturiano, muchas inéditas y que pertenecen a la primera parte de su recorrido artístico, centrada en la experimentación en torno a los lenguajes geométricos y especialistas. El trabajo que descubre al público navarro esta muestra, que del 18 de septiembre al 9 de noviembre recalará en la Galería de Arte José de la Mano de Madrid, forma parte del periodo de la obra de Manuel Calvo vinculado a la gestación del arte concreto, que revolucionó el panorama del arte de principios de los 60 y que obtuvo su mayor visibilidad a partir de la primera exposición de arte normativo español. Dicha cita, celebrada en 1960 en Valencia y en la que participó Calvo junto con los artistas del Grupo Parpalló, Equipo 57, Equipo Córdoba y José María de Labra, estuvo auspiciada por Aguilera Cerni y Antonio G. Pericás y constituyó el germen del desarrollo del arte geométrico en España, en unos años difíciles, en una sociedad depauperada y con hambre de libertad creativa.
"Durante algún tiempo defendí con vehemencia la riqueza de la utilización del color en contraposición a lo infantil, repetitivo, triste e invasor de la moda pictórica, tan en boga entonces, en la que se abusaba de los tonos pardos, sobrios y destacadamente del negro. Se trataba, según sus autores, de expresar el drama y el sentido trágico de la España Negra. Casi contradiciéndome a mí mismo, sentí la necesidad de arriesgar y emplear con rotundidad el blanco y el negro para mayor protagonismo del espacio y el movimiento. Y apareció ante mis ojos otro mundo, otro perfume, una musicalidad que, sin pretenderlo, sonaba a silencio… es que eran tiempos de silencio". Así explica Manuel Calvo la esencia de estas obras, que escapan a la ortodoxia expositiva. De hecho, sus cuadros están hechos para contemplarse desde cualquier dirección, para colgarse en cualquier sentido -y en este montaje expositivo deleitarán especialmente a los niños, que podrán disfrutar de algunas de las obras colocadas a la altura idónea para ellos-.
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