IMÁGENES DEL MANICOMIO QUE INSPIRÓ A DUBUFFET / INSTALACIONES
Nelly Nahmad Gallery en Frieze Art- Londres
Artaud ha sobrevivido a los electroshocks durante sus internaciones psiquiátricas. Pero la "medicina"
de la descarga violenta no consiguió que dejara de escuchar la otra electricidad.
El quejido eléctrico del trueno. Artaud sobre-vive, vive por encima, fuera de lo razonable, del jorobado deambular del burgués vencido por la angustia de no ser hundida en sus hombros.
Artaud prepara el mejor modo del grito. Piensa por un lenguaje poético. Aquél que salva al lenguaje, lo libera de su condición de ley, norma autoritaria. El lenguaje liberado se dice como poesía.
Por el grito, la onomatopeya y por la glosolalia, provoca un desorden de la palabra y de los significados. Las letras se combinan no por la exigencia de la gramática o del diccionario.
Las letras se unen libremente. Como expresaría Kurt Schwitters, en 1924: "el material básico de la poesía no es la palabra sino la letra". Y lo dirá él con una palabra inventada Merz que significa estar libre de convencionalismos, en beneficio de la creación artística, realizando la primera Instalación en (1927-1933) Merzabau que llegó a ocupar ocho habitaciones de su casa de Hannover.
La instalación precisa que el espectador transite por la obra y la experimente en su entorno. Es un tipo de teatro sin actuación en el que es posible interaccionar con el trabajo artístico.Una instalación puede ser un arreglo deliberado en un espacio cerrado, aunque no siempre un interior. Lo fueron las pinturas rupestres, las tumbas egipcias, el Salón de los Espejos de Versalles.El impacto de una Instalación como mise-en-scéne puede, resultar poderoso, como difícil de representar.
Referencias: Michael Bird, 100 ideas que cambiaron el Arte.
Artaud, El arte y la muerte y Otros escritos. Prólogo de Esteben Ierardo.
Kurt Schwitters 1987-48. Pintor alemán, escultor, tipógrafo y escritor. Nacido en Hannover. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Hanover 1908 a 9 y en Dresden Academia 1909-1914. Influenciado por el expresionismo y el cubismo desde 1917 hasta 1918. En 1918 creó su propia forma de Dada en Hanover llama "Merz", utilizando materiales de basura, tales como etiquetas, billetes de autobús y trozos de madera rota en sus collages y construcciones. Amistad con Arp, Hausmann y van Doesburg. Publicada la primera edición de Anna Blume (una colección de poemas y prosas) en 1919 y la revista Merz 1923/32. Primera exposición individual en la Galería Der Sturm, Berlín, 1920. Comenzó en 1923 para construir fantásticas construcciones Merz en su casa de Hanover (el primer 'Merzbau'). Pasamos los veranos en Noruega desde 1931 y emigró en 1937 a Lysaker cerca de Oslo. Huyó a Inglaterra en 1940, pasó diecisiete meses en campos de internamiento, luego vivió 1941-5 en Londres. Trasladado en 1945 a Ambleside en el Lake District. En los últimos meses de su vida, comenzó una construcción más Merz en un antiguo granero en Langdale. Murió a Kendal.
ResponderEliminarArte de la Redención Kurt Schwitters
Kurt Schwitters fue uno de los disidentes más atractivas del arte del siglo 20. Su arte es invariablemente agrupa con el dadaísmo, aunque los enfrentamientos personales le impidieron ser admitido formalmente a la adhesión, y por la naturaleza que nunca sería totalmente comprometidos a cualquier movimiento colectivo, incluso uno de la protesta: su falta de interés por la política lo diferenciaba de la principal grupo de dadaístas alemanes, como lo hizo su residencia en Hanover en lugar de Berlín. Sin embargo, paradójicamente Schwitters era intrínsecamente un Dada: el poeta dadaísta Tristan Tzara escribió que Schwitters fue "una de esas personalidades cuya estructura interna fue siempre Dada la naturaleza Todavía habría sido Dada incluso si la llamada Dada no había sonado.". En 1918, a la edad de 31, él había descubierto que no era en el fondo un pintor, pero que para él la esencia del arte residía en la combinación de los materiales existentes. En 1919 se nombró a su forma personal de collage "Merz", para señalar que sus cuadros eran distintos de cubismo, el expresionismo, el dadaísmo o incluso, y con el tiempo extendió el nombre a todas sus actividades, incluyendo la poesía y el rendimiento.www.dada.com
El término «antipsiquiatría», sin embargo, debutó recién a fines de los años 1960 y fue usado por vez primera por David Cooper en 1967, quien definió un movimiento que desafiaba abiertamente las teorías y prácticas fundamentales de la psiquiatría convencional. Este médico inglés y principal teórico de los inicios del movimiento en Gran Bretaña publicó en 1967 la obra Psiquiatría y antipsiquiatría que define el término. Fuertemente influenciado por el marxismo, Cooper plantea que la psiquiatría no es más que un instrumento del capitalismo, que tiene por objetivo reprimir a los rebeldes, a quienes no sucumben al conformismo burgués. Después de publicar una crítica a la familia con su escrito de 1971 (Muerte de la familia) se dedicó de lleno al estudio de la esquizofrenia e hizo también algunos aportes teóricos con su análisis de la gramática del discurso psicótico. Cooper mantuvo además una postura crítica frente al psicoanálisis institucional.4
ResponderEliminarOtro destacado autor de esa misma década, revolucionario de las prácticas médicas y psicoterapéuticas y radical crítico de los conceptos de la psiquiatría convencional, fue el psiquiatra Ronald D. Laing, quien, sin embargo, jamás se llamó a sí mismo «antipsiquiatra» y mantenía diferencias importantes con la postura de Cooper, principalmente en la dimensión política de sus propuesta.3
También hubo considerable oposición a la institución de los hospitales psiquiátricos, y se hicieron intentos de regresar a la gente a la comunidad y ofrecerles en cambio una red de instituciones comunitarias de apoyo. Este enfoque postulaba poner en el centro de todo el respeto de los derechos de los pacientes psiquiátricos, quienes debían ser vistos en primer término como personas y no únicamente como portadores de una mente enferma. Los principales exponentes de este movimiento son los psiquiatras italianos Franco Basaglia y Giorgio Antonucci.
El punto básico del enfoque antipsiquiátrico es el cuestionamiento de los diagnósticos y de las evaluaciones realizadas por los médicos y psiquiatras. Se plantea que el establecer un diagnóstico psiquiátrico implica etiquetar no solo un comportamiento determinado, sino a la persona en su conjunto, asignándole en la sociedad el papel de la etiqueta, por lo que todos quienes la rodean se comportan de acuerdo al papel que el médico le asignó. Por este motivo, la antipsiquiatría rechaza la postura del modelo médico y las teorías psiquiátricas enfocadas hacia las enfermedades mentales, ya que estas verían a la persona como una mente enferma antes de verla como persona. Laing y Cooper señalan que su principal interés es intervenir con la persona diagnosticada como esquizofrénica mediante un tratamiento particular llamado psicoterapia radical y enfatizan que las causas del estado mental se encuentran principalmente en las condiciones de la estructura de los vínculos familiares. En este contexto se postuló que la esquizofrenia podía entenderse como una lesión en el yo interno infligida por padres demasiado intrusivos psicológicamente ("esquizógenos").
El psiquiatra Thomas Szasz aseveró que la enfermedad mental es una combinación incoherente de conceptos médicos y psicológicos, aunque popular debido a que legitima el uso de fuerza psiquiátrica para controlar y limitar el desvío de las normas sociales. Los adherentes a esta perspectiva hablaron del "mito de la enfermedad mental" a causa del controvertido libro de Szasz con ese título, por lo tanto proponía, una diferencia entre la enfermedad mental y la física. La enfermedad dice Sasz pertenece al cuerpo y no a la mente, como si la mente fuera una esencia inviolable y esta separada del cuerpo y de sus enfermedades, no pertenece a la enfermedad física, sino que está en el área de los fenómenos existenciales de la persona y que no deberían atenderse con medicamentos, sino ayudarle a hacer una autoexploración de sus conductas y de sus situación existencial para lograr un equilibrio físico y mental..
Este movimiento estuvo en gran parte inspirado por Artaud.
. .es.wikipedia.org
Libanesa de origen palestino y nacionalidad británica, vive desde 2003 entre Londres y Berlín, y vuelve con esta retrospectiva al mismo lugar donde hace 21 años tuvo su "primera verdadera exposición en un museo", subraya en declaraciones a Efe,
ResponderEliminarAgradecida por el apoyo recibido entonces, que marcó su carrera, recuerda que aquella muestra no era tan importante como la organizada ahora en la sexta planta del Pompidou, donde triunfaron recientemente las retrospectivas dedicadas a Dalí, Marcel Duchamp o Jeff Koons.
"Un reconocimiento así en un espacio como este es un poco increíble", afirma Hatoum, que instaló junto a los ventanales de la última planta del edificio, ante los típicos tejados de París, uno de sus últimos y más monumentales mapamundis, "Map (clear)", obra de 2014 hecha con canicas de vidrio transparente de 20 mm de diámetro.
En el intento de mostrar las dimensiones de las regiones del planeta con la máxima proporcionalidad, la artista resalta que utilizó la proyección cartográfica de Peters, en oposición a la habitual representación eurocéntrica, que hace parecer a los países del hemisferio norte mayores de lo que son en realidad.
Esta misma visión del planeta puede verse en otros soportes, con los continentes devorados en el centro de una antigua alfombra persa de Bujará; sobre un tejido blanco de algodón y abacá, o sobre un textil de seda y acero gris.
El mundo y sus representaciones, planas o esféricas, así como los mapas en general son, de hecho, temas recurrentes en la obra de esta creadora que gusta recordar la fragilidad e inestabilidad del planeta, de sus fronteras, de los países que lo componen, así como algunas de sus más terribles perturbaciones.
Una de ellas, la guerra del Líbano, transformó su vida en 1975, al estallar cuando se encontraba en Londres, en un viaje de una semana que se prolonga ya desde hace décadas.
Las esculturas-jaula, recuerdo de las viviendas masificadas que rodean las grandes ciudades del mundo; las cunas de tubos de laboratorio, o de acero; el cuerpo humano, el pelo, y los más banales utensilios de cocina sacados de su contexto, forman parte igualmente de su abecedario vital y artístico.
La propia Hatoum (1952), que gusta experimentar una gran multiplicidad de formas, soportes y materiales, incluido el más delicado cristal de Murano, estima no poder hablar de evolución en su obra en sentido lineal, pues afirma "trabajar en círculos", con temas sobre los que vuelve cada cierto tiempo.
En su opinión, sólo se puede ver una progresión lineal al hablar de vídeo y la performance, narrativas de las que se alejó progresivamente a partir de los años 90.
Lo hizo en beneficio de la escultura y de la instalación monumental, articuladas con lenguajes procedentes de la abstracción, la geometría, el minimalismo, el arte cinético, conceptual y surrealista.
Como en 1994, su trabajo tiene por comisaria a Christine Van Assche, quien junto al raro carácter multidisciplinar de Hatoum subraya su compromiso político y su deseo de hablar "de un mundo en movimiento y bastante perturbado".
Por María Luisa Gaspar
Niki de Saint Phalle con la instalacióón ELLA el 12 de abril de 2012 en este blog.
ResponderEliminarOlafur Eliasson Instalación en la Tate Modern el 15 de julio de 2015 en este blog.
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Whistler
Habitación de los pavos reales
Autor: Whistler
Fecha: 1876-77
Museo:
Características:
Estilo: Art Nouveau
Material:
Copyright: (C) ARTEHISTORIA
Habitación de los pavos reales
Comentario
Schmultzler considera la sala un marco ampliado de su "Princesse du pays de la porcelaine" decorándolo con colores y formas apropiadas a la pintura. Al parecer Beardsley vio este comedor en 1891 con lo cual su japonesismo pasaría inevitablemente por la obra de Whistler. En las paredes y contra ventanas se aprecia la ambigüedad entre fondo y figura, la disposición asimétrica de llenos y vacíos, la combinación de elementos abstractos y figurativos. Armonía de azul y oro (los dibujos dorados sobre fondo azul alternan con los dibujos azules sobre fondo dorado), distribución espacial que nada tenía que ver con la sensibilidad de la vieja Europa.
artehistoria.com
Jean Dubuffet
ResponderEliminar(Francia, 1901-1985 )
"Para mí, la locura es super cordura. Lo normal es psicótico. Normal significa falta de imaginación, falta de creatividad".
Dubuffet fue un pintor tardío, que comenzó su carrera artística a los 41 años.
Si bien comenzó a los 17 años a estudiar pintura en la Académie Julian, de París, luego de seis meses la abandonó para estudiar de forma independiente.
En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura en la década de 1930, pero volvió a interrumpirla, para continuarla por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.
Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte popular, el de enfermos psiquiátricos, prisioneros y niños.
Privilegió una forma de creación en la que la espontaneidad y el instinto prevalezcan sobre la razón y la formación técnica. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas como Aloïse Corbaz y Adolf Wölfli.
La importancia del arte de Dubuffet radica en haber sido uno de los primeros artistas modernos en renunciar a los materiales y técnicas tradicionales.
Esta actitud provocó en los comienzos un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet gozaba ya de prestigio internacional.
Dubuffet pretendía crear un arte libre de las preocupaciones intelectuales, creando figuras elementales y pueriles y, a menudo, crueles, inspirado en los dibujos de los niños,los criminales y dementes. Personajes bufos, morbosos,como las mujeres de su serie "DAMES"; o seres infrahumanos,figuras deformes,absurdas y grotescas como los ciclos "BARBAS".
Muchas de sus obras fueron realizadas con óleos, sobre un lienzo reforzado con diversos materiales -arena, alquitrán, paja, barro, yeso o detritus orgánicos- que aportaban una inusual superficie texturada.
Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul.
Calificado como uno de los artistas más enigmáticos de la segunda mitad del siglo XX, no cesó de evolucionar y de expandir su arte.
A los 61 años, comenzó a trasladar sus pinturas bidimensionales a las tridimensionalidad, buscando corporalidad, logrando lo que se conoce lo que se conoce como su periodo “Hourlope” (1962 – 1974), en el que realizó esculturas en poliestireno pintadas con vinílico.
Estas esculturas o “dibujos que se expanden en el espacio” -como él mismo quería que fueran conocidas- se caracterizan por el uso de cuatro únicos colores -rojo, blanco, negro y azul.
Reflejan el interés de Dubuffet por la arquitectura y también, por la idea de crear obras que pudieran estar en la calle, a la vista de los paseantes circunstanciales, constituyendo un precedente del street art o arte urbano.
"No aspiro a la exclusiva delectación de un puñado de especialistas, me interesa mucho más que mis lienzos diviertan e interesen al hombre de la calle cuando sale de su trabajo y en ningún caso al maniático, al iniciado, sino al hombre que no tiene ninguna instrucción ni disposición particulares"
revistadearte.com.ar
A Jean Dubuffet se lo encuentra en este blog el 20 de febrero de 2012 y el 15 de octubre de 2015-
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