RAÍCES, VIBRACIONES Y VOCES DEL ARTE SONORO
Raíces, vibraciones y voces del arte sonoro
Cacofonía, sonido, ruido y silencio
¿qué es el arte sonoro?
Armonía, melodía y ritmo son las bases fundamentales de la música, entendida tradicionalmente como el arte de organizar de manera lógica y coherente sonidos y vibraciones. Sin embargo, desde comienzos del siglo XX, músicos y artistas cuestionaron esta idea canónica y plantearon otras ramas del arte del sonido que escapaban a la noción musical.
Hoy en día, conocemos a esas otras expresiones como arte sonoro. La antisinfonía, el arte avant-garde, el silencio como medio de expresión, la distorsión y la escucha reducida son algunos de los conceptos que se han desarrollado en el siglo XX y que han dado origen a la idea de arte sonoro. Actualmente, esta tendencia colma galerías e inspira festivales alrededor del mundo como FASE en España, SONOM en México, PNEM en Holanda y RADAR, festival nómada que estará en Bogotá del 10 al 29 de abril.
Bueno, pero, ¿ y cuál es la relevancia del arte sonoro? Unos dirán que es solo ruido, otros que no tiene ningún sentido porque carece de armonía, ritmo y melodía. Pero para Ricardo Arias, músico, artista y profesor de sonido en la Universidad de los Andes, el arte sonoro es importante porque: "El campo artístico se ha concentrado excesivamente en lo visual y la exploración del sonido es clave para producir nuevas formas de comunicación". "¡Todos tenemos orejas además de ojos!"- exclama Arias. Y sí, es claro que además de ver también oímos, pero el punto de este artista sonoro es que normalmente dedicamos este sentido a la exploración musical y tenemos demasiados prejuicios con el ruido o el sonido real. Lo que proponen los integrantes del arte sonoro es que los artistas y espectadores se enfrenten a lo que oyen sin prejuicios y sin ideas preconcebidas de lo que debe y no debe ser el buen sonido.
A menudo el ruido se opone a la música y sin embargo, desde siempre, ha sido parte inteligente del arte sonoro. Los tambores emiten sonidos sin elevación y no son otra cosa que ruidos, como los silbidos y los gritos– Antonio Casales Navarrete
Sin embargo, esta idea no nació ayer. Todo esto es el resultado de un largo proceso histórico que comienza con los movimientos futuristas (1909) y dadaístas (1916) de comienzos del siglo XX. El dadaísmo, corriente que se oponía a todo tipo de razón, introdujo al arte sonidos sin ninguna lógica y propuso el ruido como medio de expresión. Una de las obras fundadoras de esta propuesta fue el concierto Anti-Symphony (1919) por el violinista ukraniano Yefim Golyscheff y los trabajos de Kurt Schwitters, Francis Picabia y Georges Ribemont-Dessaignes. Posteriormente, en 1920, la corriente surrealista planteó dentro de la música técnicas como la sobre-posición de sonidos en la edición y montaje que fueron muy importantes dentro de todo este proceso.
Catorce años más tarde, el trabajo sonoro Sintesi radiofoniche [Síntesis radial] de F.T. Marinetti, simultáneo al Manifiesto Futurista, propuso la abstracción y el estilo programático como posibilidad de hacer música disidente y arte avant-garde. Con el futurismo, llegaron también mejores técnicas para producir sonidos con herramientas tecnológicas que llamaron la atención de muchos músicos de batuta y violín. Y es que, no podemos olvidar que: "El arte sonoro viene de la mano con la revolución electrónica que permite grabar el sonido, que antes era efímero. Todas estas técnicas de grabación han transformado también nuestra manera de oír y esto es lo que rescata lo que ahora llamamos arte sonoro"-comenta Arias.
Por otra parte, el arte sonoro también se ha consolidado teóricamente por medio de reflexiones como las de Pierre Schaeffer. Este escritor, musicólogo e ingeniero francés propuso el término escucha reducida, para referirse al placer que encontramos en los sonidos aleatorios de nuestra vida cotidiana: "El sonido es el vocabulario de la naturaleza"-afirmó Schaeffer. Por eso, utilizó ruidos de trenes para crear la primera pista de musique concrète [sonido concreto o real], Etude aux chemins de Fer, en 1948. Para muchos, esta obra no solo es un pilar del arte sonoro, sino que es también la base de lo que ahora llamamos música electrónica. Pero hay algo que nos recuerda el trabajo de Shaeffer: "El músico y el artista de hace algunas décadas se esforzaba intelectualmente para plantear nuevos retos y problemas que necesitaban soluciones complejas. Como la grabación de trenes de Shaeffer. Y ¿hoy en día? Creo que el problema del arte sonoro en nuestros tiempos es precisamente la ausencia de problemas. Parece que ya todo está inventado y la falta de reflexión puede hacernos caer en un limbo de superficialidad"-critica Arias.
A mediados de siglo XX, aparece en el panorama el músico John Cage quien por sus composiciones y escritos se convierte en una figura icónica y en un pionero dentro de lo que décadas después se llamará arte sonoro. Este músico sostenía que: "No hay cosa alguna como el espacio o el tiempo vacío. Siempre hay algo que ver, siempre hay algo que oír. De hecho el silencio es imposible de lograr". ¿Cómo olvidar entonces su obra maestra 4''33' donde el silencio y la imposibilidad de experimentarlo fueron su eje conceptual y estético?
Juan Pablo Villegas es un cineasta mexicano, y actual profesor de objetos interactivos en el Campus CENTRO en el DF. Este intelectual se ha dedicado a investigar el sonido a través de las herramientas cinematográficas. Una de sus más grandes influencias es justamente el trabajo de Jhon Cage sobre el silencio. "El silencio solo existe conceptualmente y nos ayuda a entender la realidad. Pero orgánica y físicamente, el silencio es el conjunto de fenómenos vibratorios que escapan al espectro de la audición humana". Por esa razón, el silencio sería el sonido que no podemos oír, pero que existe. Justamente, el trabajo "Sonámbulo", de Juan Pablo, es la grabación del silencio en una cámara anecóica (que está completamente aislada de todo sonido). La grabación es después pasada a diferentes formatos de registro como vinilo y casete y el resultado es la paradójica ausencia de silencio: "La idea de silencio se rompe justamente por la sonoridad del formato mismo"-concluye Juan Pablo.
Ya mas avanzado el siglo XX, aparece también Fluxus, reconocido movimiento cultural de los años 60 que se reveló contra las formas y objetos tradicionales del arte como mercancía, entre ellos la música. Esta idea de distorsión y ausencia empapó las obras de músicos como La Monte Young, americano considerado el primer compositor minimalista y figura clave en la comprensión del arte sonoro.
Durante los años 70, el concepto de arte sonoro se consolidó con creaciones míticas como las del compositor americano Alvin Lucier, 'I Am Sitting in a Room'. Para Lucier el tema del espacio y del sonido como fenómeno físico fueron fundamentales. En esta obra, la voz de Lucier explicando que va a repetir una y otra vez la misma grabación es la instalación artística en sí misma. De esta manera, con el arte sonoro, ahora como disciplina, nacen también nuevos formatos como la instalación, la escultura o la obra sonora. Pero, ¿qué es una instalación sonora? "Es la misma instalación que el arte plantea: objetos dispuestos en el espacio para responder a una idea, crítica o concepto. Hacemos lo mismo con y a través del sonido"- comenta Arias.
Otro formato del arte sonoro es la escultura sonora, manifestación artística muy fuerte en los 70 que mezcla la clásica escultura con el sonido. El resultado son obras como la del americano Bill Fontana, "Sonic Mapping" que fue presentado en el museo italianoMAXXI y se inspira en la arquitectura de Zaha Hadid y los acueductos Romanos. Fontana mapeó con su grabadora los múltiples sonidos de los acueductos de Roma capturando el sonido del agua que corre por los túneles y fuentes. "Sonic Mapping" simboliza la idea de escultura sonora: una imagen moldeada auditivamente que crea volúmenes y conforma espacios.
Sin embargo, ¿pueden obras como Sonic Mapping ser equivalentes al David de Miguel Ángel o la Pietà de Da Vinci? "Para que una expresión sea considerada artística necesita pasar por un sistema de validación y pasar barreras intelectuales para considerarse arte. Lo mismo pasa con el arte sonoro, existen artistas y obras que entrarán en los anales de la historia como Sonic Mapping. Pero al mismo tiempo hay que tener en cuenta que la búsqueda inicial del arte sonoro implica romper con esta figura del artista prodigio y la escultura canónica"-argumenta Villegas. En pocas palabras encontrar la Pietà en esta disciplina sonora no tiene ningún sentido y más bien contradice su función principal, la desmitificación del arte.
En los 80, el compositor alemán Bernhard Günter propone con "Un peu de neige salie" [un poco de nieve sucia] un trabajo con edición minimalista y con sonidos subsónicos que se convertirán en influencias claves para el arte sonoro como tendencia artística.
"Mierda estúpidamente pretensiosa", "No es música" y "el mejor ejemplo de silencio orgánico absolutamente relajante" son algunos de los comentarios que acompañan el clip de Günter. A unos les gusta y a otros no, otros lo entienden y otros no le encuentran ningún sentido. "Exactamente, no es música. Creo que el arte en sí mismo es elitista porque por naturaleza se sumerge en esferas pequeñas. No creo que Günter pensó su pieza para ser masificada y, justamente, no podemos entenderla si no están claras sus intenciones. Son estas últimas las que le dan valor al arte sonoro"-cuenta Villegas.
Los computadores, softwares de producción musical y equipos de grabación portátiles se vuelven especialmente accesibles en los 90. Esto democratizó la música experimental y permitió a los interesados hacer sus propias composiciones de manera independiente y libre. ¿Demasiado libre? ¿Cómo se juzga y se imponen parámetros en algo tan libre y complejo como el arte sonoro? "Recuerdo que hace dos años estuve en una instalación sonora hecha por un artista y visitada por muchos músicos. La exposición les pareció malísima porque no respetaba la noción de composición. Pero la cosa con el arte sonoro es que es difícil de juzgar porque las motivaciones y los objetivos son muy diversos. Yo diría que este tipo de disciplina es una sombrilla gigante y abajo están los músicos, el arte, los lingüistas y demás intelectuales que se preocupan y le dan un lugar al sonido, al silencio y al ruido en sus creaciones"-comenta Ricardo Arias.
En la línea de tiempo que venimos trazando llegamos ya a los 2000, donde aparecen artistas como Chris Watson, Francisco López y Marc Behrens que hacen gran énfasis en el uso de grabaciones de campo dentro de la composición y consolidan el arte sonoro como lo conocemos hoy en día. En Colombia el tema de lo sonoro y el arte se encuentra en un momento interesante. "Hemos podido ver un acercamiento de la plástica a lo acústico y de la música experimental a la plástica. Los resultados han sido atrayentes pero también se ha caído en obras que le dan al sonido una función accesoria y decorativa sin mayor profundidad"-dice David Velez, curador y organizador del Festival RADAR, actualmente en Bogotá.
A fin de cuentas, el arte sonoro por su extrema complejidad puede parecer absolutamente incomprensible. Pero para otros este tema es el pan de cada día de la experimentación musical y la búsqueda de nuevas formas de expresión. "El arte sonoro, y su historia guardan la esencia del mundo contemporáneo que se debate entre la practicidad de las herramientas tecnológicas y la necesidad de encontrar problemas y soluciones nuevas"- dice Ricardo Arias.
Arte sonoro. ¿Qué es? ¿Qué implica? ¿A qué suena? ¿Cómo se hace?
Quizás la mejor manera de responder a estos interrogantes es, precisamente, verlo y oírlo y para hacerlo estaría bueno darse una pasada por el Festival Radar.
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Para conocer más sobre Ricardo Arias y su trabajo sonoro clic aquí.
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www.ramona.org.ar
por Camila Rodas (Vice - Colombia)
Vibraciones y sonido
ResponderEliminarA continuación podrás repasar la materia de física que trata sobre vibraciones y sonido. Encontrarás la definición de timbre, además de los fenómenos del sonido, entre otras cosas.
Vibraciones y sonido
Pese a que el sonido puede definirse de diversas formas, su concepción más básica, se relaciona con su capacidad de estimular nuestra percepción auditiva. En otras palabras, aunque suene obvio, sonido es lo que escuchamos, es decir, aquellas perturbaciones y/o estímulos que activan nuestros tímpanos haciéndonos oír.
De una u otra forma, todos los sonidos se originan en la vibración de un cuerpo o porción de sustancia (sólido, líquido o gas) que vibra y transmite esta vibración al medio que le rodea o a los objetos con los que están haciendo contacto. Por ejemplo, si golpeamos la superficie de una mesa, esta vibrará y trasmitirá dicha vibración al aire y al suelo. Las vibraciones que se transmiten por el aire hacen estimulan nuestros tímpanos, los que trasmiten el movimiento a la cadena de huesecillos, etc., produciendo finalmente la sensación sonora. No obstante, tal como señalaremos más adelante, no todas las vibraciones son capaces de producir sonidos.
Habitualmente, al estudiar el sonido clasificamos los objetos que vibran en: cuerdas, láminas y cavidades, aun cuando muchas veces los sonidos que escuchamos provienen simultáneamente de estas tres fuentes. Así ocurre en una guitarra acústica, un violín y en un piano.
Desde el punto de vista físico, un sonido tiene tres características que permiten identificarlos y diferenciarlos de otros, dichas características se denominan cualidades del sonido, y corresponden a la altura, la intensidad y el timbre. La altura corresponde físicamente a la frecuencia de la vibración, la intensidad está asociada a la amplitud de la vibración y el timbre a la forma de la vibración.
¿Qué significa cada uno de estos términos?
Revisemos primero la idea de frecuencia.
Si cuelgas de un hilo una piedra y la haces oscilar como un péndulo, podrás reconocer fácilmente la frecuencia de la oscilación y su amplitud. La frecuencia corresponde al número de oscilaciones que realiza en la unidad de tiempo, esta unidad de tiempo en el sistema internacional de unidades, corresponde al segundo. Por ejemplo, si realiza el péndulo realiza 15 oscilaciones en medio segundo (30 s), su frecuencia será 0,5 oscilaciones por segundo, que resulta de dividir el número total de oscilaciones por el tiempo empleado en producirlas:
oscilaciones por segundo
Dado que la frecuencia puede expresarse en oscilaciones/segundo; ciclos/segundo; vibraciones/segundo, etc. es conveniente uniformar estas expresiones empleando la unidad del sistema internacional, que es el Hertz [Hz], de modo que podemos escribir:
FRECUENCIA= 0,5 [Hz]
f igual a uno partido por T
Es decir, frecuencia y período de oscilación son magnitudes inversamente proporcionales. Esto, que es muy claro para el caso del péndulo, también es válido para las vibraciones de las cuerdas, láminas y de las partículas del aire.
Es muy común que en nuestro lenguaje cotidiano, al hablar de altura o tono de un sonido, confundamos algunos términos o bien al referirnos a esta cualidad, lo hagamos de manea errónea. Por ejemplo, ¿te has fijado que en ocasiones, cuando hablamos con voz fuerte o potente, nos dice que “bajemos el tono”? o bien… ¿no hables “tan alto”?. Pues bien, en ambos casos la idea de tono o altura se usa de manera errónea. Efectivamente tono y altura son equivalentes, pero no corresponden a la potencia, sonoridad o “volumen” de un sonido. La altura de un sonido o tono, corresponde a la percepción sicoacústica que tenemos de la frecuencia. De esta forma, decimos que un sonido es alto (o tiene tono alto), cuando tiene una frecuencia alta.
De manera análoga, un sonido es bajo (o tiene tono bajo) cuando su frecuencia es baja.
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