LETHA WILSON
15-MINUTOS DE "INTERRUPCIÓN" EN LA BIENAL DE ESTAMBUL
Plan de Bienal de Estambul Artistas 15-Minute "Interrupción" 01 DE SEPTIEMBRE 2015 Bienal de Estambul de Carolyn Christov-Bakargiev abre esta semana, y un grupo de artistas tienen la intención de infundir la abertura con un reconocimiento de la reciente agitación política que aflige a la minoría kurda de Turquía. Una carta enviada esta mañana a todos los participantes bienales "proponer [s] que todos suspendemos presentación de nuestros trabajos durante 15 minutos durante la inauguración de la Bienal" en reconocimiento a la ruptura violenta en las conversaciones de paz entre el Partido de los Trabajadores del Kurdistán (PKK) y el gobierno de Turquía en las últimas semanas. Firmado por participante bienal basado en Mardin Pelin Tan y su Colectivo ArtikIsler, junto con el editor de artista y e-flux Anton Vidokle, la misiva pretende infundir un sentido de urgencia en lo que ya es un programa bienal políticamente sensible. "Con Anton, pens
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NOTICIAS DE ARTE
Letha Wilson: Foto de materiales
Por Raquel MacFarlane · El 24 de septiembre 2013
Letha Wilson nació en Honolulu. Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, NY. Ella recibió un BFA de la Universidad de Syracuse y un MFA de Hunter College. Su trabajo ha sido mostrado en los EE.UU., Austria y Corea del Sur. Wilson ha sido artista en residencia en La Corporación de Yaddo, Saratoga Springs, Nueva York, La Fundación Farpath, Dijon, Francia, Bemis Center for Contemporary Arts, Omaha, NE; y la Escuela de Skowhegan de Pintura y Escultura, Skowhegan, ME.
Letha Wilson manipula el formato de la fotografía y desafía su capacidad para convertirse en escultórica. A través de la utilización de bajo cejas medios escultóricos como el hormigón y yeso que permite impresiones fotográficas a convertirse física en una estrategia que parece sin esfuerzo. Wilson crea montajes fotográficos y esculturas que recuerdan el espíritu del arte de la tierra americana y el minimalismo con una estética contemporánea relajado y limpio.
En la colección actual de trabajo que ha tomado fotografías de excelencia paisaje americano e intervenido con la pantalla de formato plano tradicional de los medios de comunicación. En lo que, me imagino, está motivada con una frustración con la calidad superficial de profundidad fotográfica, Wilson ha intervino valientemente elementos escultóricos en el scape imagen. También ha menudo tomado la fotografía de sí mismo y plegado, doblado, rasgado, desmontado, cortado y reformado él. Esto habla a la fotografía como material y por lo tanto también su artificialidad, que apunta a la falta de conexión entre el aspecto físico del paisaje y su representación.
El cortejo de Wilson con cada fotografía se convierte en transformadora. Ella toma una escena banal y común y interpone con propósito elevado. A resplandores más audaces con el más simple de reconfiguración, una imagen de la ladera de la montaña se derrama fuera del plano de la imagen, y un árbol se presenta como un dos por cuatro incrustada en una pared real. Wilson desafía descaradamente las restricciones impuestas a los medios de comunicación y termina con resultados casuales pero mágicos pendientes.
- Raquel MacFarlane
studio-beat.com
El mundo después de la invención de la fotografía , como la ha llamado el artista conceptual norteamericano Robert Smithson, se convierte en sí mismo en una especie de museo. La fotografía geometriza, nivela y clasifica. El mundo permanece en la fotografía únicamente de la manera en que alguna vez fue.
ResponderEliminarY, movilizan el aparato simbólico, de una manera que hay que reacomodar sus eslabones, como en los duelos ante las pérdidas.
El mundo en la fotografía se convierte en un archivo de imágenes.
La" Great American Magazine" que se publicaba con el título "Life", y que fue fundada en el año 1936, formó la mirada fotográfica de toda una generación. Llegó a tener una tirada de ocho millones, y no obstante tuvo que suspender su aparición en 1972, debido a que sus reportajes en imágenes de la guerra de Vietnam fueron superadas por un medio más joven: la televisión. Benjamin, no se podía enterar a lo que llegarían sus visiones.
Edward Steichen en la década de 1950 realizó la exposición The family of man, que recorrió el mundo entero. Fue un reporter en imágenes del país, el resultado se publicó en el libre The American, apareció en 1959, después de una tenaz resistencia, y con una introducción de Jack Kerouac. Robert Frank participó en esta exposición con siete trabajos, en las que enfocó también la subcultura de Estados Unidos. Se puede encontrar en este blo en 2010.
Fuente:José Fernández Vega, "Lo contrario de la infelicidad" Promesas estéticas y mutaciones políticas en el arte actual- Buenos Aires, Prometeo Libros 2006
Hans Belting, "Antropología de la imagen" Buenos Aires, www.katzeditores.com-2007
ResponderEliminarDe la serie Tipologías.
Comparada con la historia del arte, la historia de la fotografía es bastante corta: comenzó en el año 1839 con la patente de una máquina que inmediatamente fue considerada como la competidora de la pintura. Su autonomía artística no fue aceptada hasta principios del siglo XX, pero la propaganda fascista abusó de ella como medio de comunicación hasta tal punto que hubo que esperar a los años 70 para que la fotografía experimentara un verdadero renacimiento como género artístico. Hilla, nacida en 1934, y su marido Bernd Becher, nacido en 1931 y fallecido en 2007, son unos de los precursores más importantes de esta emancipación artística de la fotografía de alcance internacional.
Se conocieron en 1957 y empezaron a trabajar con gran rapidez en la documentación fotográfica de la arquitectura industrial, tema que seguirán tratando de forma consecuente durante casi medio siglo a un nivel no superado hasta ahora. Pero su importancia no se debe únicamente a su propia obra sino también a su actividad docente en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf. En 1976 Bernd Becher se convirtió en el primer catedrático de fotografía artística que daba clases en una academia de Bellas Artes alemana. Su mujer, Hilla, también desarrolló una labor muy importante en el campo de la enseñanza. Los primeros estudiantes de sus 30 años de actividad docente fueron Candida Höfer, Axel Hütte, Thomas Ruff y Thomas Ströth, a los que se sumaron Petra Wunderlich, Andreas Gursky y Jörg Sasse. Ellos constituyen el núcleo de lo que en el mercado del arte se conoce como la “clase Becher”.
Pero empecemos por el principio: en las postrimerías de los años 60 y primeros 70 la obra de los Becher fue cobrando importancia dentro del panorama artístico internacional con gran rapidez. Su concepción de la fotografía se definía por ser fácilmente reconocibles y por su carácter estricto. Estas imágenes en blanco y negro muestran instalaciones y objetos industriales: torres de agua, de refrigeración y de extracción, depósitos de gas, hornos de cal, silos de cereal y naves de fábricas. Los motivos se presentan sobre un cielo gris claro, evitando las sombras intensas y los objetos se muestran con gran nitidez impidiendo casi siempre que aparezca como contexto el entorno vital, de tal forma que la atención se centre en los objetos concretos. Sus fotografías se muestran, además, siempre formando parte de un grupo, dentro de una “tipología” compuesta por varios elementos, lo cual implica el abandono del mensaje de la clásica obra individual. Todas ellas surgen de largos viajes por Europa y América del Norte donde los Becher pudieron rastrear todas esas construcciones industriales antes de que fueran abandonadas y acabaran convertidas en ruinas. En su empeño estaba encontrar “parecidos de familia” y llegaron a sumar al final más de 20.000 negativos que remiten a una larga tradición existente no sólo en la historia de la fotografía sino también en la de la ciencia. (...)
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