TAKESHI MURATA / ENTREVISTA POR HEATHER JONES-2 DE JULIO DE 2015
Una exposición completa de la obra de la artista neoyorquina Takeshi Murata se encuentra actualmente en exhibición en Kunsthall Stavanger hasta el 5 de agosto de 2015. La exposición marca la primera encuesta institucional del artista, y cuenta con su icónica animaciones digitales y copias fotográficas. A continuación, comisario independiente Heather Jones habla con Murata acerca de sus influencias artísticas, Robocop, y trabajar con la animación digital en los albores de la era de Internet.
Takeshi Murata, I, Popeye, 2010.
Usted trabajo ha sido descrito como hiper-reales, animados bodegones, surrealismo del siglo 21, y ha sido comparado con el sueño lúcido, animado, novelas gráficas, cultura del juego, la cultura pop y las tradiciones pictóricas de todo el mundo a partir de maestros del barroco a Georgia O 'Keefe ... Cuando experimento su trabajo, que se siente al mismo tiempo totalmente único y vagamente familiar. ¿Puede describir sus influencias visuales y cómo llegó a esta estética muy particular?
Mi entorno inmediato siempre han tenido la mayor influencia. Mi esposa y yo nos mudamos a las montañas de Catskill hace unos ocho años. Habíamos vivido en Los Ángeles y Brooklyn, por lo que el movimiento tuvo un gran impacto en mi vida y el trabajo. Sesenta pinos pie rodean nuestra casa, y la vida silvestre son mucho más numerosos los humanos (aunque ratas superan en número a los humanos en Nueva York, así que quizás esto no fue un cambio tan grande). El nuevo entorno fue chocante al principio, pero fue fácilmente superado por la emoción de estar en un lugar nuevo. Desafió mi perspectiva inmediatamente. El Internet también ha desarrollado mucho desde nuestro movimiento, y cerró la mayor parte de la distancia de las ciudades. Yo soy mucho más consciente del arte contemporáneo, cine, música, comedia, etc. de lo que jamás fue cuando en realidad viven en las ciudades. Pero es también de una pequeña distancia. Y tal vez esta perspectiva externa crea la estética que usted describe.
Sé que has anotado previamente su tiempo en RISD como formativa en su proceso de trabajo. ¿Puedes contarnos un poco más sobre sus antecedentes y cómo llegó a la animación, CGI, y la manipulación digital de imágenes tan temprano?
La decisión de centrarse en la animación era algo natural. Siempre me han gustado los dibujos animados, y cuando finalmente vi animación experimental, y lo que los artistas independientes estaban haciendo fuera del sistema de estudios, sabía que es lo que yo quería hacer. La combinación de los estudios de arte, en el tiempo, con el sonido, y que tiene la ilusión de gran alcance para crear espacios narrativos de inmersión, es emocionante. Todavía me encanta.
Trabajar con CGI llegaron como una necesidad práctica al principio. Yo quería trabajar de forma independiente, y las computadoras ofrecí manera de hacer esto. Y a medida que continué aprendiendo, me encontré con la conexión más cercana a la innovación técnica emocionante también. Hay interminables nuevos territorios para explorar.
Takeshi Murata, Om Rider, 2013-14.
Además de exposiciones en galerías y otros lugares previstos para las bellas artes, sus videos han proyectado en ajustes más tradicionales de cine como el Festival de Cine de Sundance, el Nitehawk Cine y Anthology Film Archives. ¿Cómo colocar el trabajo en relación con estas dos tradiciones - el cine y las bellas artes - y usted dibuja la inspiración de cada uno por igual?
Mi enfoque principal ha estado haciendo el trabajo para las galerías, pero me gusta mucho el cribado mis videos en frente de un público de teatro. También tienden a estructurar mis videos con una narrativa lineal. Aun cuando sean esencialmente abstracto, hay un arco de la historia. Me inspiro en ambos mundos, aunque mi obsesión con el cine se remonta más lejos. Momentos de la iluminación fílmica han sucedido a pesar de mi vida. Como estar 12 y viendo Robocop. Estaba shock, y en la incredulidad de que algo parecido se podría hacer. La sátira y la irreverencia fueron especialmente emocionante para mis jóvenes ojos. Pre-internet, estas experiencias teatrales eran una rara ventana a un mundo mayor que no podía esperar para ser parte de. Años más tarde, en la universidad me tendrían un sentimiento similar de entusiasmo sin ley mirando dulce película. Es la realización de ver algo totalmente nuevo que tienden del suceda más en el cine que en cualquier otro.
Takeshi Murata, vista de la instalación, Kunsthall Stavanger, 2015. Foto: Maya Økland.
Entiendo que su padre era un arquitecto, y los espacios en su trabajo siento muy creíble, muy definida, aunque en su momento más onírico. ¿Cuál es la relación de la arquitectura en su práctica y lo hace jugar un papel activo en la construcción del espacio simulado en sus animaciones?
Mi madre era un arquitecto también. Su trabajo siempre estaba a mi alrededor como un niño y ha jugado un papel muy personal en mi vida. Siempre estoy al tanto de los espacios que me rodean. Vivimos en una casa octogonal, por lo que podría tener algo que ver con eso también. Uno de mis aspectos favoritos de trabajar con software 3D-CG es su vínculo con la arquitectura. Es el espacio en el equipo, y las simulaciones sugieren otros espacios. También las líneas, y la sombra producida sombreado que puede convertirse en una forma de dibujo en sí mismo. Puedo mover una pared del fondo, o cortar una ventana, o añadir una escalera, todo para servir a la perspectiva única de la imagen final.
El sonido es también una característica distintiva obvia en todos los videos que he visto. ¿Cómo describiría la relación entre los elementos visuales y sonoros, así como su relación con la colaboración músicos?
Yo trato de vincular los elementos visuales y sonoras siempre que sea posible. Es una de las grandes cualidades de vídeo. Franqueza de sonido, y la capacidad de producir respuestas viscerales de la abstracción pura, guías mis imágenes. Es importante que todo mi trabajo, y también crea una gran oportunidad para la colaboración. He trabajado con un artista Robert Beatty, por más de 10 años. Ahora nuestro proceso de trabajo es muy fluido, aunque nunca hemos vivido en la misma ciudad.
Takeshi Murata, vista de la instalación, Kunsthall Stavanger, 2015. Foto: Maya Økland.
Quiero referirme brevemente a las imágenes fijas que (y me corrija si me equivoco) que comenzó a trabajar con alrededor de 2011/2012. Vemos unos conocidos personajes / apoyos de algunos de los videos - instrumentos musicales, agrietado iphones y para llevar las tazas de café (pero aquí son más sereno, inerte) -, así como otros tropos de la vida alféizar más clásicos como cráneos y fruta. ¿Qué había detrás de su decisión de empezar a hacer las imágenes fijas y cuál es la relación entre estas imágenes y las obras de video?
Me estaba encontrando objetos y edificios que funcionaban mejor como naturalezas muertas. Había conexiones intuitivas que suceden, pero no estaba seguro de lo que significaban. Las composiciones de naturaleza muerta eran un camino para la exploración de esas conexiones. Y, como con mi animación, estoy continuamente fascinado con estos objetos que se pueden modificar, mover, y rendido foto-realista, pero en realidad no existen. Trabajar con estampados, o imágenes fijas en lugar de animación, añadido un nivel de inmediatez también. Y la velocidad es tan importante.
Usted ha trabajado en Stavanger antes, mostrando algunas proyecciones de películas en 2010. ¿Sabía usted visita la ciudad, entonces? ¿Está tomando impresiones sobre Stavanger con usted mientras se prepara para la exposición en el Kunsthall y nos puede decir nada acerca de lo que va a ser incluido en la próxima exposición?
Esta fue mi primera vez siendo de Stavanger, y yo lo pasamos muy bien. Hanne y la Kunstall era increíble para trabajar, y yo no podríamos estar más contentos con el espectáculo que todos ponemos juntos. Espero que muchas personas llegan a ver, y que tengo la oportunidad de volver a la Stavanger nuevo pronto.
Takeshi Murata, Bernie's, 2012. Cortesía de Kunsthall Stavanger. Foto: Maya Økland.
kunsthall.stavanger.no
El modernismo, trajo consigo el límite del conocimiento, afirmado por Kant. La vía de acceso al conocimiento sobre la vida ya no bastaba con el ser ni el sujeto. Es entonces que el lenguaje como estructura viene a representar a la transición del modernismo al postmodernismo, siendo el lenguaje el mediador para comprender el conocimiento.
ResponderEliminarDesafortunadamente, como lo apunta Eco, vivimos en la época de lo inmediato, y a veces parece que el lenguaje no es mediador, sino facilitador de información que de manera inmediata queda comprendida. Tal es el caso de la tecnología, que parece ocultar los avances que genera la ciencia, lo lento que es el proceso y lo caro que sale investigar. A la gente eso ya no le importa; lo que se busca es que lo que los aparatos tecnológicos sean accesibles y que las aplicaciones sean más fáciles de descargar. No se sabe cómo, pero tienes acceso a una cámara diminuta con muchísimos pixeles que toman fotos increíbles que después serán subidos a cualquier red social. Las redes sociales son también una herramienta tecnológica, compuestas por muchísimos códigos, que no son entendidos, pues el acceso a éstas es tan fácil como llenar campos y a dar click en “aceptar” a términos y condiciones que no se leen.
Acertado fue el título “A paso de cangrejo”, pues en esta época, muy similar al romanticismo, las respuestas a incógnitas que no son plausibles se reducen a magia. Se percibe el objeto sabiendo que está y sin embargo, acostumbrados a los adelantos tecnológicos pasamos por alto el salto cualitativo que el objeto tuvo que dar para transformarse en lo que es, siendo tanto científicamente como tecnológicamente pasivos.
Incluso los publicistas son cínicos al momento de exponer un nuevo aparato tecnológico. Basta la presentación “Youm Flexible OLED Displays” de Samsung. Donde el presentador asombra al público pues muestra un celular que es flexible. Y bien ¿de qué sirve que un celular sea flexible si no sé cómo fue que se diseñó? Tal parece que estas preguntas ya no se hacen, pues vivimos en la época donde el conocimiento, transforma y le da el poder sólo al que entiende esta transformación mientras que el ignorante ya no se interesa en conocer más. El interés radica en cuál será el nuevo aparato de consumo.
escienciadecultura.worpress.com
ResponderEliminarUsted admite que es un consumidor más voraz de textos visuales que de textos literarios. ¿Cuándo empezó a interesarse en las artes visuales y en qué medida eso influyó en la trayectoria de su escritura? ¿Qué opinión tiene del panorama artístico contemporáneo?
Empezó poco después de llegar a Inglaterra, a fines de los años 40, cuando todavía iba a la escuela. En Shanghai no había museos ni galerías, pero el arte me gustaba mucho. Dibujaba y copiaba, y a veces pienso que mi carrera de escritor fue el consuelo de un pintor frustrado. A fines de los años 40, en Inglaterra persistía cierta controversia en relación con Picasso, Braque y Matisse, mientras que los surrealistas estaban más allá de la crítica. Los surrealistas fueron una revelación, si bien las reproducciones de Ernst, Dalí y De Chirico eran difíciles de conseguir y se encontraban con más frecuencia en los manuales de psiquiatría. Me los devoraba. Los surrealistas, y el movimiento pictórico moderno en su conjunto parecían ofrecer la clave del extraño mundo de la posguerra con su amenaza de guerra nuclear. Las dislocaciones y ambigüedades del cubismo, el arte abstracto y los surrealistas me recordaban mi infancia en Shanghai. A fines de la década del 40 también leí mucho, pero del menú internacional (Freud, Kafka, Camus, Orwell, Aldous Huxley) más que del inglés. Sin embargo, la novela moderna tenía un tono derrotista que a los dieciséis años me resultaba deprimente. A partir de Joyce había tenido lugar una gran migración interna. El Ulises tenía algo asfixiante. Los grandes pintores modernos, en cambio, desde Picasso hasta Francis Bacon, estaban dispuestos a enfrentarse al mundo, como lo hacían los amantes brutales en uno de los divanes de Bacon. Había un rastro de semen que aceleraba la sangre. No creo que ningún pintor en particular me haya inspirado, excepto en un sentido general. Más bien fue una cuestión de corroboración. Las artes visuales de Manet en adelante parecían mucho más abiertas que la novela al cambio y la experimentación, si bien eso es sólo en parte culpa de los escritores. La novela tiene algo que resiste la innovación. ¿El panorama artístico actual? Es muy difícil de juzgar, dado que la fama y la presencia mediática de los artistas están indisolublemente unidas con su trabajo. Los grandes artistas del siglo pasado tendían a hacerse famosos en la última etapa de su carrera, mientras que ahora la fama forma parte del trabajo de los artistas desde el primer momento, como en los casos de Emin y Hirst. En la actualidad hay una lógica que atribuye más valor a la fama cuanto menos acompañada esté de logros reales. No creo que en este momento sea posible llegar a la imaginación de la gente por medios estéticos. La cama de Emin, la oveja de Hirst, los Goyas desfigurados de Chapman, son provocaciones psicológicas, pruebas mentales en las que los elementos estéticos no son más que un contexto. Es interesante que las cosas sean así. Asumo que se debe a que ahora el medio, que es ante todo un entorno mediático, está sobresaturado de elementos estetizantes (comerciales televisivos, packaging, diseño y presentación, etc. ) pero empobrecido y entumecido en lo que respecta a profundidad psicológica. Los artistas (pero no los escritores, lamentablemente) tienden a desplazarse a los lugares en que la batalla es más enconada. En el mundo actual todo es objeto de diseño y packaging, y Emin y Hirst tratan de decir que esto es una cama, que esto es la muerte, que esto es un cuerpo. Tratan de redefinir los elementos básicos de la realidad, de recuperarlos de manos de los publicistas que secuestraron nuestro mundo.
En "Milenio negro" dice que la revolución de la clase media en Chelsea Marina se convertirá en parte del "calendario folclórico... a celebrarse junto con la última noche de los bailes de egresados y del tenis de Wimbledon". Si es inevitable que la revolución adquiera un nuevo envase, ¿dónde quedamos nosotros? ¿El arte puede ser vehículo para el cambio político?
edant.revistaenie.clarin.com
collage.
ResponderEliminarMucho antes de Internet, Ballard ya adivinó que acabaríamos entendiendo la realidad de forma fragmentaria y parcial, y lo resumían perfectamente en la introducción del imprescindible número 8/9 de la revista Re/Search, íntegramente dedicado al escritor:
“La obra de J.G. Ballard destruye las barreras entre ciencia y arte; publicidad y literatura; política y cultura pop; catástrofe ecológica y la Era Espacial; la televisión y los nuevos estilos de conformismo sociópata; et al. Ha identificado y expandido de forma imaginativa las nuevas mitologías y simbolismos del futuro inminente. Sexo, tecnología, anuncios, este planeta moribundo, comportamientos patológicos cada vez más innovadores, el mundo paralelo de las vidas y muertes de los famosos... todo se entrecruza en las inteligentes explicaciones de Ballard acerca de qué está pasando realmente”
Su icónico "La exhibición de atrocidades" sigue siendo un ejemplo perfecto de todo ello.
Ballard es un autor de ciencia-ficción a veces frío e incómodo, tachado en ocasiones de inhumano por su aproximación distante y sarcástica a la naturaleza de nuestra especie. Sin embargo, hay pocos autores tan humanistas como él en la ciencia-ficción moderna (no podría ser de otra manera, con el fuerte componente erótico que palpita tras su prosa... aunque sea un erotismo que revuelve las tripas).
Lejos de escudarse en palabrería tecnológica o en la fría adivinación de lo que está por venir, Ballard usa su retrato de la tecnología como una forma de entender mejor cómo estamos desesperados por encontrar humanidad en una sociedad deshumanizada: ¿que necesitamos excitarnos con accidentes automovilísticos? Bueno, pues por algo será. ¿Que nuestros edificios y nuestras autopistas nos definen mejor que cualquiera de los sentimientos que, en teoría, nos diferencian de los animales? Puede ser, pero a lo mejor es síntoma de algo, y habría que pensar en ello y corregirlo.
Ballard usa su retrato de la tecnología como una forma de entender mejor cómo estamos desesperados por encontrar humanidad en una sociedad deshumanizada
Vamos a revisar la obra de Ballard y a detectar sus constantes como pilares de la ciencia-ficción. No esperes space opera ni naves en llamas más allá de Orion: el género que practica Ballard es una variante fría como el cemento de la ciencia-ficción distópica tradicional. Bienvenidos a la exhibición de atrocidades.
Mundos en descomposición www.xataca.com