LIZ DESCHENES / "LA FOTOGRAFÍA HA SIDO SIEMPRE UN HÍBRIDO
'LA FOTOGRAFÍA HA SIDO SIEMPRE UN HÍBRIDO ": LIZ DESCHENES EN SU ENCUESTA DE BOSTON ICA
Vista de la instalación, Liz Deschenes, Institute of Contemporary Art, Boston, 2016.
© LIZ DESCHENES / CHARLES MAYER FOTOGRAFÍA
In el año 2000, Sarah Charlesworth fui a ver pruebas de su más reciente trabajo en Laumont Photographics, un laboratorio de Nueva York utilizado por muchos artistas para imprimir sus fotografías.La llevaron a una habitación iluminada con neutralidad, donde el trabajo de los artistas colgado en una pared, y fue entonces cuando lo vio: una en blanco y negro de color verde lima. "WOW!" Charlesworth recuerda haber pensado, en un ensayo de 2011. Se dio cuenta de lo que es un color brillante era la fotografía, y luego se dio cuenta de que se trataba de una imagen de una pantalla de una superficie verde que puede ser reemplazado con imágenes generadas por ordenador a través de la tecnología digital. Esa fotografía, como se vio después, era la obra de un joven artista llamado Liz Deschenes.
Ahora el tema de una encuesta a mitad de carrera en el Instituto de Arte Contemporáneo, Boston, fotografías de Deschenes son los que requieren los espectadores a parar, mirar y pensar. Su contribución a la fotografía, durante los últimos 20 años, ha sido abrir los procesos detrás de él sin mostrar explícitamente una cámara, y muchas veces sin incluso la creación de una imagen figurativa. Al hacerlo, se hace una pregunta muy básica con una gran cantidad de respuestas difíciles: ¿Qué es una fotografía?
"La fotografía siempre ha sido un híbrido", me dijo Deschenes este verano. "Estoy muy desafiante acerca de la idea de que la fotografía es esto o aquello. Negro y blanco, el color, no estoy interesado en eso. Narrativa, no narrativo-esas son formas de simplificar la disciplina, por lo que sólo puede descartarla. Si pones algo en una categoría, entonces usted no tiene que pensar más en ello ".
Vista de la instalación, Liz Deschenes, Institute of Contemporary Art, Boston, 2016.
© LIZ DESCHENES / CHARLES MAYER FOTOGRAFÍA
Cuando visité Deschenes en su estudio Bushwick, me acercó a un modelo Foamcore de lo que todo el espectáculo ICA se vería así. Ella fue firme en que no sería una exposición cronológica. "No pretende ser una encuesta que todo lo abarca," dijo, señalando que esta sería la primera vez que su trabajo ha sido expuesto en Boston, su ciudad natal. "Hasta cierto punto, nadie ha sido de esa interesados en mostrar el trabajo en Boston. . . . Creo que lo que estoy tratando de decir es, nunca se sabe, como artista, ¿cómo va a ser recibido el trabajo, y eso no es necesariamente donde voy a poner la energía ".
Deschenes es un artista orientado a los detalles, así que cuando ella habló de armar el espectáculo ICA, anotó sus temperaturas de color y material de archivo de la plaza curadores cosas técnicas ni siquiera hablar en las entrevistas. Cuando habla de su trabajo, ella va a seguir sobre los productos químicos y los medios utilizados para crear cada obra, junto con las específicas de los fotógrafos, arquitectos y estudiosos que se está refiriendo a. los espectadores ordinarios no pueden recoger en algunos de estos puntos (incluso muchos expertos no), pero Deschenes pero me dijeron que "el trabajo es potencialmente más generoso en muchos niveles de las prácticas de muchas personas son ... He definido las condiciones. La gente puede participar, ya sea o no ".
Como estudiante en la Escuela de Diseño de Rhode Island, Deschenes Originalmente se pensaba que quería ser pintor. Luego cambió de opinión y volvió su atención hacia la arquitectura. Entonces, justo antes de que ella tuvo que declarar su importante, se convirtió en un estudiante de fotos. "Yo estaba como, 'Esta cosa de la foto, no sé nada al respecto." Y lo que es uno de educación sobre el sino para aprender? "
Deschenes fue a la escuela durante la década de 1980, en el apogeo de la epidemia del SIDA y justo antes del surgimiento de la política de identidad en el arte. La política se filtran en la obra de Deschenes de manera inesperada, según Eva Respini, el director de la ACI, que organizó la encuesta. "Creo que hay un desafío en su trabajo que desafía las convenciones de la fotografía, desafiando la historia convencional y comprensión de la misma," dijo Respini. "Eso, para mí, es en realidad un acto político, y creo que se nota en mis conversaciones ella, esta idea de ser feminista, de ser raro; esta idea de hacer algo desafiante fuera de lo que se ha percibido como la norma, y hacerlo en una escala que es muy sólidamente presente en la galería. Para mí, que se remonta a la identidad ".
Las primeras obras de la exposición de ICA son la transferencia de colorantes de Deschenes funciona, una serie de monocromos cuadradas, extraordinariamente colores en tonos de verde, amarillo, rojo, y marrón. "Si querías para enmascarar algo, si desea deshacerse de algo pre-Photoshop, se tenía que utilizar la transferencia de colorantes," dijo Deschenes. A través de un proceso de separación de tres colores, se consiguen tonalidades brillantes. Kodak suspendió el proceso en 1994, por lo Deschenes tendría un montón de problemas si lo que quería hacer estas obras de nuevo. "Son tan analógico como Technicolor", agregó.
Las obras de la serie "Muaré" de Deschenes en "Liz Deschenes," Institute of Contemporary Art, Boston, 2016.
© LIZ DESCHENES / CHARLES MAYER FOTOGRAFÍA
Un punto de referencia lógico para estas obras sería Minimalismo-sus colores son tan rico como funciona la luz de Dan Flavin, su forma tan simple como esculturas, pero la pila de Donald Judd antes de que pudiera terminar lo que sugiere que, Deschene me cortaron. "No, no en absoluto!", Exclamó. "No estoy interesado [en Minimalismo] per se. Donald Judd es increíble, pero eso no es lo que estoy pensando cuando estoy haciendo el trabajo. Puedo hablar de algunos artistas, como Anne Truitt, Roni Horn, Félix González-Torres. Es la mano que me interesa. "(En dos espectáculos actualmente en exhibición en Nueva York, uno en vista a Paula Cooper Gallery , el otro a Miguel Abreu Galería , el trabajo de Deschenes se empareja con las obras fotográficas de otra minimalista, Sol LeWitt, y está claro cuán diferentes son sus prácticas.) "Usted, literalmente, ver mi mano en el trabajo, así," continuó. "E incluso cuando no estoy haciendo el trabajo, como los tintes, estoy bastante involucrado con los procesos, incluso si no soy la persona que hizo el trabajo."
Siguiendo los trabajos de transferencia de colorantes, Deschenes produce sus piezas "Proceso pantalla verde"."Cuando hice los de vuelta en 2001, no había mucho interés en que el trabajo", dijo. Pero ahora están teniendo un momento. Uno recientemente exhibido junto a piezas de Hito Steyerl y Antoine Catala en el Museo Whitney, y el colectivo DIS hicieron una sesión de fotos con la pantalla verde # 4 (2001), una versión alargada de estas obras que podrían funcionar como un telón de fondo. Deschenes insiste en que ella nunca piensa en estas obras como por la digital, pero en un momento en que las fotografías están cambiando rápidamente, gracias a Photoshop y cámaras de teléfonos inteligentes, estas piezas se sienten más contemporáneo que nunca.
Aunque la tecnología fotográfica se ha vuelto muy sofisticados, todavía hay algunos efectos que las cámaras más avanzadas que no se pueden evitar. Uno de ellos es el efecto moiré, el efecto de aspecto ondulado que ciertos patrones rayadas crean en imágenes fotográficas. Deschenes estaba intrigado por este efecto, por lo que decidió crear una serie sobre él. "Tomé la idea de moiré y fotografió un papel de malla en una tienda de arte de suministro en París", dijo. Se disparó el papel con la luz detrás de él, creó dos negativos en blanco y negro, y los amplía. "Todo lo que tiene que hacer es ir así" -se puso sus manos y las retorció ligeramente en frente direcciones- "y cambia".
Liz Deschenes, sin título (LeWitt) # 6-14 , 2016, fotograma, nueve partes.
Cortesía del artista y MIGUEL ABREU GALERÍA
Al igual que las pinturas de Bridget Riley, las obras resultantes "Moiré" son difíciles de ver después de un tiempo. Debido a la forma en que funcionan los ojos, estos grandes fotografías parecen estar en movimiento."La fotografía se supone que es estática," dijo Deschenes. "Estas impresiones tienen la ilusión de movimiento a través de la visualización. Es una manera de hablar de mis-inscripciones y la fotografía ".
Dado que las obras "moiré", Deschenes ha hecho en gran medida fotogramas, un tipo de fotografía sin cámara por primera vez por Laszlo Moholy-Nagy y Man Ray. Estas obras de larga exposición están hechas empapando papel fotográfico en productos químicos y que les permite oxidan. A medida que pasa el tiempo, estas obras absorben fenómenos-luz, las sombras, las presencias de los espectadores-fuera del control de Deschenes. Los fotogramas son, a su manera difícil de alcanzar, sobre cómo la fotografía no es sólo lo que sucede dentro de la cámara, sino también lo que sucede fuera de ella.
En algunos casos, esto ha significado la creación de exposiciones que respondan a sus ajustes de la galería.Para un espectáculo en el Walker Art Center en Minneapolis, que duró 11 meses, Deschenes organizó una instalación llamada Galería 7 (2014-15), para lo cual se quitó toda la arquitectura temporal de la galería y estableció una serie de fotogramas. Como de costumbre, el proyecto se llenó de puntos de referencia. Por un lado, se trataba de un sutil homenaje a la exposición de Lucy Lippard del arte conceptual por mujeres artistas, "c. 7500 ", que apareció en el Walker en 1973. (El formato rectangular de los fotogramas recuerda el catálogo para el show de Lippard, que fue impreso en tarjetas sueltas.) Entre noviembre de 2014 y octubre de 2015, lagalería 7 fotogramas se volvieron diferentes colores. En algunas de las fotografías de la serie, aparecen de color gris contra un paisaje soleado; en otros, sus sombras frescas del contraste de azul con nieve crudamente blanco que cae fuera de la galería. Como las estaciones cambian, también lo hizo el trabajo de Deschenes. "Todo cambia con el tiempo," dijo Deschenes. "Es más evidente en mi trabajo."
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Algoritmos enriquecidos con poesía, es un título de Robb Todd en un artículo en el www.nytimes.com. Título que aplicaría al Premio Nobel otorgado a Bob Dylan.En este artículo nos habla de la Inteligencia Artificial y su aplicación al lenguaje.
ResponderEliminarAunque Daniel Nadler, poeta dijo que el arte del siglo XXI tiene un rol importante como contrapeso de la tecnología?
Considero que nos habitan interrogantes de un tiempo de mutación entre lo analógico y digital; lo pongo en relación con la presentación argentina en la Bienal de Venecia. Su autora define su obra como otra forma de Nominación. Habrá que verla.
Con relación a la fotografía, desde Man Ray, y Moholy-Nagy, y su utilización de productos químicos, no habrá que "recuperar la sensación de la primera percepción de una cosa". Del mismo modo que en la poesía, Nadler dijo que ése es el papel del arte en el siglo XXI.
"si un motor de búsqueda sólo proporciona exactamente lo que uno busca, entonces es sólo tan inteligente o tan tonto como el usuario".
Constituyen interrogantes de un tiempo de mutación, donde coinciden movimientos para revivir la cocina indígena con forzadas aplicaciones algorítmicas, en un contexto de violencia y de desprecio por lo humano.
Si hoy podemos disfrutar cada vez más de la fotografía en los espacios de arte, en parte se lo debemos a uno de esos genios que aplicó el dadaísmo y el surrealismo como varguardias también en la disciplina fotográfica. Emmanuel Radnitzky, o Man Ray como se le conoce mundialmente, es una de esas figuras que entre los aficionados a la fotografía es menos conocido, pero que en el arte jugó un papel importantísimo dentro de la Historia.
ResponderEliminarPor ello, entre tantos grandes maestros como Bresson o Capa, es hora de darle a Man Ray la importancia que se merece. Primero porque descubrimos que no hace falta una cámara como herramienta para crear fotografías, y segundo porque gracias a la psicología del retrato y a las connotaciones más allá de la imagen que nos regaló el surrealismo, apreciamos que detrás de una estampa debe existir algo más que un encuadre bonito.(...)
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