HELIO OITICICA EN LA TATE-EXPOSICIÓN GUÍA

Exposición guía

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Hélio Oiticica (1937-1980) fue uno de los artistas brasileños más innovadores del siglo XX y ahora se reconoce como una figura muy importante en el desarrollo del arte contemporáneo. Oiticica producido un cuerpo de trabajo restantes, que tuvo sus orígenes en la herencia del modernismo europeo que se desarrolló en Brasil en la década de 1950. Pero sus investigaciones única y radical liderado Oiticica para desarrollar su producción artística en direcciones cada vez más inventiva.

A través de su obra que iba a desafiar los límites tradicionales del arte, y su relación con la vida, y de socavar la separación del objeto de arte del espectador, quien se convirtió en un participante activo. Entre los logros más originales de Oiticica fue su uso inventivo e intransigente de color.

Maqueta párrafo Cuadrado Mágico No 05, de Río de Janeiro [Maqueta de Cuadrado Mágico No 05, de Río de Janeiro] 1978
Acrílico sobre madera, acrílico sobre tela metálica, de plexiglás
César y Claudio Oiticica Collection, Rio de Janeiro
Foto: César Oiticica Filho / Projeto Hélio Oiticica

Esta exposición explora la dimensión del color como eje fundamental de su obra, desde su temprana carrera en adelante.Incluye varias series relacionadas con las obras que se desarrollan en una secuencia, que muestra los procesos conceptuales y técnicos que llevaron a la liberación del artista del color de la esfera bidimensional de la pintura hacia el espacio, para poder caminar alrededor ya través, miró a, manipulado, habitado y con experiencia. Oiticica convertido en un artista durante un período de optimismo en Brasil, antes de que el sueño utópico de una sociedad moderna se vio frustrado por el régimen militar opresivo en la década de 1960. En el ámbito cultural en este periodo se muchas novedades: el impulso de proyectos de arquitectura progresiva por Lúcio Costa, Oscar Niemeyer y otros, importantes innovaciones en el mundo del cine avant-garde, la música, la poesía, el teatro y la coreografía, la creación de la comunidad internacional Bienal de Sao Paulo, y la fundación de museos de arte moderno, tanto en Río de Janeiro y Sao Paulo.

Fue en el Museo de Arte Moderno de Río que Oiticica se enseñaba pintura de la influyente artista abstracto Ivan Serpa. Más tarde se unió al Grupo con sede en Río Frente, una organización de arte radical fundada por Serpa, que también incluye el innovador artista Lygia Clark y Lygia Pape. Oiticica exhibido en la segunda exposición del grupo en 1955. Su trabajo de este período muestran una afinidad con el lenguaje abstracto del grupo, así como la influencia de los maestros modernistas como Paul Klee, Kasimir Malevich y Piet Mondrian. Estas primeras obras, madura para un artista tan joven, contenía la esencia de lo que vendría después.

Oiticica comenzó a alterar el color denso y la estructura de sus primeras pinturas en una serie de gouaches de mesa llamadoSecos 1956-7. Estos forman una transición hacia una importante serie que comenzó en el año siguiente, tituladoMetaesquemas 1957-8. En estas composiciones de repuesto que el objetivo de disolver el plano de la imagen en dos dimensiones mediante la demolición de la propuesta de un marco, y la deconstrucción de la estructura de la red con una combinación dinámica de cuadrados y rectángulos en negro, azul, rojo y negro. Las últimas piezas de esta serie fueron blanco composiciones abstractas, lo que finalmente llevó a la serie de blanco sobre blanco pinturas, Série Branca (White Series) 1958 a 9. Aquí Oiticica explorar maneras de producir diferentes tonos de blanco, y experimentó con capas y técnicas de pincel para maximizar el efecto de la luz en el color. Más tarde, se refiere al blanco como "el ideal del color de la luz, la síntesis de la luz de todos los colores". Mientras tanto, él comenzó a trabajar en una serie de forma irregular a doble cara pinturas blancas,Bilaterais (bilaterales) 1959. Estos fueron diseñados para colgar del techo, obligando al espectador a caminar alrededor de ellas. La experimentación de Oiticica con la interacción entre el color y la luz continuó con una serie de monocromos de color amarillo y rojo, entre pinturas triangular, y el primero de la serie de Invenções (Invenciones) 1959-1962, estructuras con pintura compuesta de capas verticales de color. Aquí se desarrollaron formas de experimentar con la física del color que más tarde se asegure su utilización en obras tridimensionales.

Relevo Espacial (vermelho) [Ayuda Espaciales (rojo)]1960
Resina de acetato de polivinilo en madera laminada
César y Claudio Oiticica Collection, Rio de Janeiro
Foto: Tom Jenkins

En 1960, Oiticica se unió al grupo neo-concreto, un movimiento con sede en Río, que rompió con los principios del movimiento concreto que se originó en Sao Paulo, al reaccionar en contra de su racionalismo extremo y abogando por una libertad creativa ampliada. Oiticica para entonces había comenzado la serie innovadora de rojo y amarillo pintados construcciones de madera colgando, Franquicias espacial de 1960, que efectivamente liberado en color en un espacio tridimensional. Diseñó muchas maquetas de estas formas complejas, pero pocos fueron construidos a gran escala.

A finales de 1960 Oiticica había llegado a una síntesis de sus experimentos con el color. En su texto teórico de color, tiempo y la estructura de 1960 se refirió a esta integración de color como "un orden supremo similar a la orden suprema de los espacios arquitectónicos. Este pensamiento llevó al concepto que él llamó «cor nuclear '(color nuclear) - encarnada en un grupo de obras donde el color asciende o desciende en tonos gradual de su centro. Esta serie, denominada Núcleos (Núcleos) desde 1960 hasta 6, se compone de laberintos abierto de doble cara paneles colgantes de diferentes tamaños y colores estrechamente relacionados. El primero que se hizo fue la no Pequeno Núcleo. 01 (N º pequeño núcleo 01), que incluye un espejo que aumenta la luz y los colores, y revela a los espectadores a sí mismos como participantes activos en el trabajo. Tres núcleos se combinaron con el tiempo medio en un entorno a gran escala colgando para formar el Núcleo Grande (Gran Núcleo) 1960-6. Esta espectacular obra, con paneles en tonos de violeta en el centro nuclear de desarrollo en una amplia gama de amarillos luminosos, amplificado los aspectos espaciales y temporales de los relieves espaciales. En cambio, elPenetrável (Penetrable) serie 1960-1979 consistía en ambientes cerrados del laberinto, como en el modelo a gran escala deProyecto Cíes de Caça (La caza del Proyecto Perros) 1961 (su título tomado de un grupo de estrellas en la constelación de Orion). Al igual que todas las maquetas de Oiticica, este modelo se consideró una obra de arte por derecho propio. Que consta de cinco Penetrables cromática, fue concebido como un jardín mágico monumental de la experiencia estética intensa, y se incorporan los jardines de arena y zonas para la apreciación de la música, la poesía y el teatro.

Oiticica continuó la construcción de maquetas para los entornos de color, incluyendo las maquetas Cuadrado Mágico de 1978, que fueron concebidas también como grandes al aire libre Penetrables. PN 1 Penetrável 1961 fue la primera independiente penetrable, una cabina pequeña escala con el desplazamiento de paneles de colores, que el espectador se animó a entrar y participar en la experiencia sensorial. Fue con esta serie que Oiticica consideraron que "el sentido de la participación de espectador llega a su ápice y su justificación.

Hélio Oiticica
Gran Nucleus (Núcleo Grande) 1960-1966
De aceite y resina sobre madera de tableros de fibra
Compuesto por
NC 3 Medio Nucleus No 01 1960-1961
NC 4 Medio Núcleo N º 02 1960-62
NC 3 Medio Nucleus No 03 1960-63
César y Claudio Oiticica Collection, Rio de Janeiro

Oiticica comenzó a trabajar en la primera bólidos (bolas de fuego) en 1963, después de la finalización de la Invenções (Invenciones) serie, por la que había encontrado el medio de la infusión de color con una profundidad y luminosidad. Losbólidos, pequeñas cajas de madera, que parecía ser "inflamada" por la luz y cargado de energía, una importante evolución en la idea de Oiticica de 'totalidade-cor »(color total). Fueron diseñados para ser manipulados, con paneles móviles que revela nuevos planos cromáticos. Con la introducción de bólidos de vidrio en la serie Oiticica comenzó a incorporar pigmentos sueltos en las obras y la incorporación de materiales cotidianos como recipientes de vidrio, plástico, tierra, tela pintada, conchas y de espuma, para ampliar la gama de la experiencia sensorial que ofrece a través de la interacción con la obra de arte. La gama de colores se amplió para incluir rosados ​​y azules, y los objetos ready-made también comenzó a encontrar su camino en el trabajo, incluyendo la poesía y las imágenes, fomentando más la participación emocional e intelectual del espectador.

Oiticica llegado a un punto crucial en su integración de color, estructura, tiempo y espacio con la serie Parangolé: banderas, capas y tiendas de campaña construido a partir de una variedad de materiales, incluyendo tela, plástico, esteras, pantallas y cables. Comenzó a desarrollar estas estructuras flexibles de color como resultado de su participación con la gente de Mangueira Hill, un barrio de chabolas de Río de Janeiro, y animó a su inmersión en el mundo de la tradicional samba brasileña. El Parangolés, destinado a ser llevado o lleva bailando al ritmo de samba, representan la culminación de los esfuerzos de Oiticica para fomentar la interacción del espectador con la obra de arte y para liberar a color en tres dimensiones del espacio.

Texto de Ann Gallagherwww.tate.org.uk