La idea y el concepto de la Nueva Objetividad, creado por mí en 1966, nació Tropicália, que se completó a principios del 67 y se expone (proyecto ambiental) en abril 67 (MAM). Con la teoría de la Nueva Objetividad quería establecer y caracterizar un estado de vanguardia del arte brasileño, confrontándolo con los grandes movimientos del arte mundial (Op y Pop) y el objetivo de un estado brasileño de arte o manifestaciones relacionadas con ella (véase el catálogo La nueva exposición Objetividad Brasileña en el MAM - Abril 1967). La conceptualización de la Tropicalia, presentado por mí en el mismo show, vienen directamente de esta necesidad fundamental para caracterizar un estado brasileño. De hecho, al principio del texto de la Nueva Objetividad, invocar Osvaldo Andrade y el sentido de canibalismo (antes de girar la moda, lo que pasó entre nosotros después de la presentación del Rey de vela ) como un elemento importante en este intento de caracterizar nacional. Tropicalia es el primer intento consciente pretende imponer una imagen, obviamente, "Brasil" en el contexto actual de la vanguardia y las manifestaciones generales del arte nacional. Todo comenzó con la formulación de Parangolé en 1964, con toda mi experiencia con la samba, con el descubrimiento de las montañas, la arquitectura orgánica de los barrios marginales (y por lo tanto que otros, como el Amazonas zancos) y, especialmente, de las construcciones espontáneas, anónimo, en los grandes centros urbanos -. el arte de la calle, las cosas sin terminar, los terrenos baldíos, etc Parangolé fue el comienzo, la semilla, aunque todavía un plan de las ideas universalistas (vuelta al mito, la incorporación sensorial, etc.), la conceptualización Nueva Objetividad y Tropicália (ver monografías sobre Parangolé , 1964: Bases y notas fundamentales, puso en marcha la exposición de conclusiones , 65 en el MAM de Río, donde, por cierto, se llevó el primer rally de las cubiertas y Parangolé tienda de campaña, con la participación y los bailarines de samba y tambores de la manguera). Véase también la revista GAM N º 6 para obtener información más completa sobre Parangolé y lo que yo llamo "arte ambiental" o "anti-arte". De hecho, para llegar a entender lo que quiero con la Nueva Objetividad y Tropicalia, en consecuencia, es esencial conocer y comprender el significado de Parangolé (que, por cierto, muy entendido rápidamente el individuo crítico Brett Londres cuando escribió en los tiempos de Londres será Parangolé "algo nunca visto" que podrían "influir fuertemente en las artes de Europa y América", etc.). Con Tropicália, sin embargo, es que, en mi opinión, se le da la objetivación completa de la idea. El principal diseño ambiental penetrable que hace máxima fue mi experiencia con imágenes, una especie de prueba de imágenes de tierra. Por eso he creado como un escenario tropical, con plantas, loros, arena, grava. En una entrevista con Mário Barata, el Journal of Commerce al 21 de mayo, 67, describe una experiencia que considero importante: me pareció que caminar por la habitación, la escena de Tropicalia, se duplica el "roto" la colina, tales como orgánicos arquitectura fantástica de las favelas - otra experiencia: "estar pisando la tierra" de nuevo) Al entrar en el principal penetrable, después de pasar por varias experiencias sensoriales táctiles, abierto al participante establecer allí su imaginería sentido a través de ellos, se llega al final del laberinto, oscuro, donde un receptor de TV está en funcionamiento permanente: es la imagen que a continuación devora el participante, porque es más activo que su crear sensorial. Por cierto esta penetrable me dio sensación permanente de ser devorado (he descrito en una carta personal a Guy Brett en julio 67) - es en mi opinión la obra de arte brasileño más caníbal. El problema de imagen es objetivamente publicar aquí - pero es universal, este problema también propone un contexto típico nacional tropical de Brasil. www.tropicalia.com.br
Los primeros trabajos de Hélio Oiticia, realizados a mediados de la década de 1950 está profundamente influenciado por los artistas concretos de Sao Paulo y en general por la abstracción geométrica en boga. Fue un miembro de el Grupo Frente (1955-56), que había sido fundado por su maestro Ivan Serpa, junto a Lygia Clark y Franz Eissmann. De esta época data una pintura sin título de 1957 donada recientemente al MoMA por Patricia Phelps de Cisneros. Su obra temprana utilizaba colores primarios y secundarios contrastados y formas geométricas rígidas; pero rápidamente empezó a utilizar colores más cálidos y brillantes como los intensos rojos y naranjas que acompañarán su obra por el resto de su vida. Metaesquemas[editar] Entre 1957 y 1958, Oiticia produjo una serie de más de 350 pinturas en las que realiza una "obsesiva disección del espacio a través del color"2 . En estas obras Oiticica reduce su vocabulario a formas geométricas monócromas que generalmente están insertas en una retícula a la cual no se alinean generando una sensación de inestabilidad y dinamismo y retando su propia bidimencionalidad. En otras piezas de la serie, empieza a generar un efecto rítmico entre las figuras geométricas y el espacio que las rodea generando una sensación de ambivalencia entre ambos. A través de estos efectos Oiticica empieza a contradecir las bases sobre las que estaba planteado el arte concreto en Brasil, su racionalismo y su rigidez compositiva. Son estos cuestionamientos los que lo llevarán a formar el grupo neoconcreto y finalmente a destruir los límites de la pintura modernista de mediados del siglo XX. Los Metaesquemas son de las piezas más conocidas de Hélio Oiticica. Pueden verse algunos ejemplos en colecciones como las del MoMA de Nueva York, el Tate de Londres, el MALBA de Buenos Aires, El MAM de Río, entre otros. Neoconcretismo y la expansión del color[editar] En 1959 Oiticica participó del movimiento Neoconcreto junto a los artistas Amílcar de Castro, Lygia Clark, Lygia Pape, Franz Weissmann y el poeta Ferreira Gullar. El movimiento rechazaba la naturaleza objetual y el racionalismo del arte concreto y buscaba un acercamiento más fenomenológico y menos científico al arte, basado en las ideas de Merleau-Ponty y de Bergson.3 Un arte que "afirmando la integración absoluta de esos elementos, cree que el vocabulario geométrico que utiliza puede asumir la expresión de realidades humanas complejas"4 . El neoconcretismo buscaba hacer evidente la relación espacial de la obra con el espectador, entendiendo inclusa a las obras como organismos vivos (por ejemplo en los Bichos de Lygia Clark). A partir de su experiencia en el grupo, Oiticica intensificó su exploración del color como un campo sensorial que va mucho más allá de la pintura. Entre 1959 y 1962, realizó una serie de pequeñas pinturas monocromas, Invencoes, que debían encarnar la luz en lugar de representarla. es.wikipedia.org
La idea y el concepto de la Nueva Objetividad, creado por mí en 1966, nació Tropicália, que se completó a principios del 67 y se expone (proyecto ambiental) en abril 67 (MAM). Con la teoría de la Nueva Objetividad quería establecer y caracterizar un estado de vanguardia del arte brasileño, confrontándolo con los grandes movimientos del arte mundial (Op y Pop) y el objetivo de un estado brasileño de arte o manifestaciones relacionadas con ella (véase el catálogo La nueva exposición Objetividad Brasileña en el MAM - Abril 1967). La conceptualización de la Tropicalia, presentado por mí en el mismo show, vienen directamente de esta necesidad fundamental para caracterizar un estado brasileño. De hecho, al principio del texto de la Nueva Objetividad, invocar Osvaldo Andrade y el sentido de canibalismo (antes de girar la moda, lo que pasó entre nosotros después de la presentación del Rey de vela ) como un elemento importante en este intento de caracterizar nacional. Tropicalia es el primer intento consciente pretende imponer una imagen, obviamente, "Brasil" en el contexto actual de la vanguardia y las manifestaciones generales del arte nacional. Todo comenzó con la formulación de Parangolé en 1964, con toda mi experiencia con la samba, con el descubrimiento de las montañas, la arquitectura orgánica de los barrios marginales (y por lo tanto que otros, como el Amazonas zancos) y, especialmente, de las construcciones espontáneas, anónimo, en los grandes centros urbanos -. el arte de la calle, las cosas sin terminar, los terrenos baldíos, etc Parangolé fue el comienzo, la semilla, aunque todavía un plan de las ideas universalistas (vuelta al mito, la incorporación sensorial, etc.), la conceptualización Nueva Objetividad y Tropicália (ver monografías sobre Parangolé , 1964: Bases y notas fundamentales, puso en marcha la exposición de conclusiones , 65 en el MAM de Río, donde, por cierto, se llevó el primer rally de las cubiertas y Parangolé tienda de campaña, con la participación y los bailarines de samba y tambores de la manguera). Véase también la revista GAM N º 6 para obtener información más completa sobre Parangolé y lo que yo llamo "arte ambiental" o "anti-arte". De hecho, para llegar a entender lo que quiero con la Nueva Objetividad y Tropicalia, en consecuencia, es esencial conocer y comprender el significado de Parangolé (que, por cierto, muy entendido rápidamente el individuo crítico Brett Londres cuando escribió en los tiempos de Londres será Parangolé "algo nunca visto" que podrían "influir fuertemente en las artes de Europa y América", etc.). Con Tropicália, sin embargo, es que, en mi opinión, se le da la objetivación completa de la idea. El principal diseño ambiental penetrable que hace máxima fue mi experiencia con imágenes, una especie de prueba de imágenes de tierra. Por eso he creado como un escenario tropical, con plantas, loros, arena, grava. En una entrevista con Mário Barata, el Journal of Commerce al 21 de mayo, 67, describe una experiencia que considero importante: me pareció que caminar por la habitación, la escena de Tropicalia, se duplica el "roto" la colina, tales como orgánicos arquitectura fantástica de las favelas - otra experiencia: "estar pisando la tierra" de nuevo) Al entrar en el principal penetrable, después de pasar por varias experiencias sensoriales táctiles, abierto al participante establecer allí su imaginería sentido a través de ellos, se llega al final del laberinto, oscuro, donde un receptor de TV está en funcionamiento permanente: es la imagen que a continuación devora el participante, porque es más activo que su crear sensorial. Por cierto esta penetrable me dio sensación permanente de ser devorado (he descrito en una carta personal a Guy Brett en julio 67) - es en mi opinión la obra de arte brasileño más caníbal. El problema de imagen es objetivamente publicar aquí - pero es universal, este problema también propone un contexto típico nacional tropical de Brasil.
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Los primeros trabajos de Hélio Oiticia, realizados a mediados de la década de 1950 está profundamente influenciado por los artistas concretos de Sao Paulo y en general por la abstracción geométrica en boga. Fue un miembro de el Grupo Frente (1955-56), que había sido fundado por su maestro Ivan Serpa, junto a Lygia Clark y Franz Eissmann. De esta época data una pintura sin título de 1957 donada recientemente al MoMA por Patricia Phelps de Cisneros. Su obra temprana utilizaba colores primarios y secundarios contrastados y formas geométricas rígidas; pero rápidamente empezó a utilizar colores más cálidos y brillantes como los intensos rojos y naranjas que acompañarán su obra por el resto de su vida.
ResponderEliminarMetaesquemas[editar]
Entre 1957 y 1958, Oiticia produjo una serie de más de 350 pinturas en las que realiza una "obsesiva disección del espacio a través del color"2 . En estas obras Oiticica reduce su vocabulario a formas geométricas monócromas que generalmente están insertas en una retícula a la cual no se alinean generando una sensación de inestabilidad y dinamismo y retando su propia bidimencionalidad. En otras piezas de la serie, empieza a generar un efecto rítmico entre las figuras geométricas y el espacio que las rodea generando una sensación de ambivalencia entre ambos.
A través de estos efectos Oiticica empieza a contradecir las bases sobre las que estaba planteado el arte concreto en Brasil, su racionalismo y su rigidez compositiva. Son estos cuestionamientos los que lo llevarán a formar el grupo neoconcreto y finalmente a destruir los límites de la pintura modernista de mediados del siglo XX.
Los Metaesquemas son de las piezas más conocidas de Hélio Oiticica. Pueden verse algunos ejemplos en colecciones como las del MoMA de Nueva York, el Tate de Londres, el MALBA de Buenos Aires, El MAM de Río, entre otros.
Neoconcretismo y la expansión del color[editar]
En 1959 Oiticica participó del movimiento Neoconcreto junto a los artistas Amílcar de Castro, Lygia Clark, Lygia Pape, Franz Weissmann y el poeta Ferreira Gullar. El movimiento rechazaba la naturaleza objetual y el racionalismo del arte concreto y buscaba un acercamiento más fenomenológico y menos científico al arte, basado en las ideas de Merleau-Ponty y de Bergson.3 Un arte que "afirmando la integración absoluta de esos elementos, cree que el vocabulario geométrico que utiliza puede asumir la expresión de realidades humanas complejas"4 . El neoconcretismo buscaba hacer evidente la relación espacial de la obra con el espectador, entendiendo inclusa a las obras como organismos vivos (por ejemplo en los Bichos de Lygia Clark). A partir de su experiencia en el grupo, Oiticica intensificó su exploración del color como un campo sensorial que va mucho más allá de la pintura. Entre 1959 y 1962, realizó una serie de pequeñas pinturas monocromas, Invencoes, que debían encarnar la luz en lugar de representarla.
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