Lo que los mosaicos romanos revelan sobre el arte antiguo Mosaico de Bailarines Báquicos, Hatay, Turquía. Tiempo estimado de lectura: 6 minutos • Última actualización: 02.20.19 Los mosaicos romanos se componen de imágenes geométricas y de figuras creadas por arreglos de pequeñas piezas de piedra y vidrio. Las formas más tempranas de mosaicos grecorromanos fueron concebidas en Grecia a fines del siglo V aC Aunque los griegos refinaron el arte de los mosaicos figurativos incrustando guijarros en el mortero, los romanos ampliaron esta técnica establecida, usando teselas, cubos de piedra, cerámica, o vidrio: para formar diseños intrincados y coloridos. Hoy en día, estas obras ofrecen una imagen vívida de la antigua vida romana; un vistazo a las actividades cotidianas de una antigua civilización que incluyó concursos de gladiadores, deportes y agricultura, al mismo tiempo que sirve como documentación de artículos cotidianos como comida, ropa, herramientas y arm
. El tema es un pretexto, el punto de partida para que Robert Delaunay utilice con toda libertad un colorido vibrante, contrastante, aplicado con pinceladas circulares, rítmicas, ondulantes, envolventes. A pesar del carácter de la pincelada -que nos recuerda su serie de los Discos simultáneos-, en esta obra los objetos plasmados conservan cierta alusión figurativa, aspecto que pasa a un segundo plano, ya que el protagonista aquí es el color.
ResponderEliminarComo ha señalado Arthur A. Cohen, uno de los biógrafos de Sonia Delaunay, el tema de la creatividad de esta artista es la liberación del color. Los Contrastes simultáneos que pintó Sonia entre 1912 y 1913 debieron su nombre a las teorías desarrolladas por Chevreul en su tratado Sobre las leyes del contraste simultáneo de los colores (publicado en 1839) y se relacionaban con la búsqueda -por parte de Robert Delaunay- de un arte no objetivo basado fundamentalmente en la interacción del color.
En esta obra, Sonia, utilizando procedimientos similares a los de su esposo, logra un equilibrio dinámico de luz y color, valiéndose de formas circulares y planos cromáticos rectangulares y triangulares que se yuxtaponen e interpenetran.
Esta obra es un ejemplo de la escuela órfica, ya que plantea, por un lado, la representación de elementos tomados no de la realidad visual sino creados en la imaginación del artista, y por el otro, la creación de efectos producidos por el contraste simultáneo del color.
A pesar de que Gris perla (1930) es una obra tardía dentro del purismo, se vincula sin embargo a los postulados de esa Escuela creada por Jeanneret (Le Corbusier) y Ozenfant en 1918, cuya duración fue de escasos siete años. En esta obra observamos el interés del artista por volver a las formas simples, ordenadas, puras, que representan los siguientes objetos fabricados: una botella, un vaso, una pipa, unos lentes y una baraja. El equilibrio domina en toda la composición; y el colorido utilizado es una suerte de monocromía en la que predomina el gris, aplicado de forma plana, sin modulación, en la totalidad del espacio pictórico, que en algunas zonas se intensifica para crear sombras. El blanco es utilizado para dibujar los contornos de las figuras y para destacarlas del fondo.Grupo de Puteaux. En este blog el 2 de mayo de 2011
Lo que está en juego en la participación de los artistas-Debate por Tess Tackara
ResponderEliminarASOCIACIÓN PARA EL ESTUDIO DE LA LEY, LA CULTURA Y LAS HUMANIDADES
XIX Conferencia Anual de
1 a 2 abril 2016, de la Universidad de Connecticut, Facultad de Derecho de
Hartford, CT
Nos complace anunciar que la Decimonovena Reunión Anual de la Asociación para el Estudio de la Ley, la Cultura y las Humanidades se llevará a cabo en la Universidad de la Escuela de Leyes de Connecticut, April 1-2, 2016. Gracias al Centro de Derecho de la Universidad de Georgetown una conferencia fabulosa en el 2015! Ese programa, así como una lista de todos nuestros programas anteriores está disponible aquí La Asociación para el Estudio del Derecho, la Cultura y las Humanidades es una organización de académicos dedicados a la investigación jurídica interdisciplinario, orientado humanista. La Asociación reúne a una amplia gama de personas que participan en los estudios sobre la historia del derecho, teoría del derecho y la jurisprudencia, la ley y los estudios culturales, el derecho y la antropología, el derecho y la literatura, el derecho y las artes escénicas, y la hermenéutica jurídica. Queremos fomentar el diálogo a través y entre estos campos sobre cuestiones de interpretación, la identidad y los valores, sobre la autoridad, obligación y la justicia, y sobre el papel de la ley como un componente de las culturas y comunidades. Una convocatoria se publicará en breve. Compruebe aquí si hay actualizaciones o registro para nuestra lista de correo
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Es un lugar común hablar del poder que tiene el mercado en las artes visuales. Tan dominante puede ser la idea de que es “el mercado” quien mejor manifiesta el valor de las cosas y distribuye los beneficios de manera más justa. Pero así como han ocurrido grandes y muchas veces funestas transformaciones en el mercado de la tierra, de los alimentos, del trabajo, de la vivienda o de la energía, también en el arte (“el mercado más grande no regulado del mundo”, como dice Robert Hughes) la mano invisible ha generado gruesas consecuencias. La especulación financiera define en gran medida las agendas en el campo del arte. Para pensar en esto, los invitamos a ver “La maldición de la Mona Lisa”, documental escrito y dirigido por Robert Hughes, veterano crítico de arte de la revista Time. Lo emitió la BBC en 2008 y gracias al blog lalulula.tv está accesible en YouTube, dividido en seis partes subtituladas al español.
ResponderEliminar[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=9KgOZaQK4Hg&feature=share&list=PL4BDE4475CDDB1376[/youtube]
En este documental Hughes habla de la sobrevaloración de obras de arte que son tratadas como estrellas de cine: de forma superflua, banal, en infinita repetición mediática y al ritmo fugaz de las modas. Sin tiempo para mayores reflexiones, los museos y la crítica se ven obligados a bailar al ritmo del coleccionismo y la especulación mientras el público hace cola en las sucursales de los grandes museos globales como el Guggenheim “para recibir una dosis terapéutica de cultura”.
El arte como mercancía parece estar sustituyendo al arte como arte. La mercancía no como mecanismo para satisfacer “demandas” o “gustos”, sino como forma de generar ganancias. Es así que, según Hughes, el precio de la obra se transformó en su función. Es decir, los coleccionistas adquieren no a partir de una valoración estética sino a partir de la expectativa de futuras ganancias.
¿Cuáles son las posibles consecuencias de esta nueva prioridad? Son bien reales y tangibles. Uno podría pensar que Hughes es un romático que quiere volver a una época donde se valoraba la apreciación estética pura derivada de valores humanísticos universales. Pero lo que plantea el crítico es que el mercado del arte está generando, además de enormes ganancias para los inversores, una privatización del arte que atenta contra el acervo público. “En lugar de que el arte sea propiedad común de la humanidad, como un libro, el arte se convierte en propiedad particular de alguien que puede permitírselo”, afirma Hughes.
Los museos no pueden adquirir obras al mismo precio que los inversores. Pierden entonces autonomía y su agenda es marcada por los coleccionistas propietarios de las obras. Esto también lo ha dicho el crítico alemán Heinz-Norbert Jocks: “Por ejemplo, hay dos artistas, Damien Hirst y Jeff Koons, que nunca habían tenido exposiciones en grandes museos, pero que son coleccionados por los más importantes compradores del mundo. Los directores de museos no querían exhibirlos porque consideraban su arte superfluo, pero su peso en el mercado y la publicidad que tenían en la prensa llevó a que los directores de museos les abrieran las puertas. Las instituciones de alguna forma tienen que seguir las corrientes. Además, los coleccionistas están en todos los directorios que cuentan: la posibilidades de manipulación son muy grandes. Son ellos quienes escriben la historia del arte actual, pero son aficionados” (en entrevista a La Diaria, Uruguay, 10-5-11).
El documental de Hughes también se atreve a presentar como aficionados a esos grandes coleccionistas, mencionando ejemplos como el de la familia Mugrabi, con enorme influencia en el mercado del arte contemporáneo y poco que aportar en cuanto a discusión y pensamiento. Así, el arte pierde su función crítica, mientras aumenta su valor de mercancía.artica.online.com