BIENAL DE ESTAMBUL / CAROLYN CHRISTOV-BAKARGIEV
Desde la organización de dOCUMENTA (13) en 2012, Carolyn Christov-Bakargiev ha retirado del centro de la escena del arte del mundo.
"Después de dOCUMENTA (13), que podría haber hecho un buen número de cosas", dijo. "Pero yo también elegí a retirarse -. La enseñanza en las universidades con la gente que piensa" (Ella actuó como profesor visitante en la Universidad de Northwestern en Chicago, y enseñó previamente en la Universidad de Leeds y en Nueva York 'Unión Cooper s, entre otras universidades. ) "Entonces acepté hacer esta bienal en una zona muy problemática del mundo en este momento."
Ella se refiere a la Bienal de Estambul 14a, que se estrena el próximo mes. Christov-Bakargiev, quien fue nombrado director de la recién fusionada Galería de Arte Moderno y el Castello di Rivoli de Turín a principios de este año, cree que ella comparte este, posición retraída periférica con muchos de los artistas incluidos en "AGUA SALADA de este año: A Theory of formas de pensamiento, "correr 05 de septiembre hasta el 1 de noviembre.
Por delante de la bienal, ARTINFO habló Christov-Bakargiev en Skype sobre Art Nouveau, Siri, los derechos marítimos de los aborígenes, y cómo la Bienal de Estambul se siente como una continuación de su obra en la Documenta (13).
Para empezar, me paseo por cómo evolucionó la Bienal de Estambul de este año.
Empecé con agua salada, en realidad. Miré el Bósforo en un mapa, que a menudo se ve, en términos muy simplistas, como un lugar donde Oriente y Occidente. Vi la letra mayúscula "yo", con la parte ancha es el Mar Negro, y luego la otra parte ancha por debajo de ser el mar de Mármara, y empecé a pensar en cómo física y realizado esta masa de agua es en realidad. Eso me llevó a querer modificar el cliché Este / Oeste para incluir muchas otras direcciones, como el Noreste / Suroeste.
¿Cómo se relaciona esto con las obras de arte en la serie?
Eso me llevó a pensar en cómo obras de arte en general - incluso si son un gesto o una actuación - son puntos encarnadas de vista sobre el mundo y las experiencias del mundo. Son el lugar en el que el orden simbólico, que es el lenguaje - cualquier idioma, ya sea visual o no - se reúne alguna manera lo imaginario y lo real, para usar términos psicoanalíticos.
En otras palabras, las obras de arte son de alguna manera este lugar donde las teorías de Lacan de la imposibilidad de acceder a lo real sino a través de lo imaginario y lo simbólico a través de son en realidad confirmó. Pero en este tipo de knottiness, obras de arte se vuelven contradictorios, debido a la propia identificación entre lo real, lo imaginario y lo simbólico.
¿Esto knottiness tiene que ver con "formas de pensamiento", se alude en el título de la bienal?
En cierto modo, me puse a pensar en las teorías del arte y que me trajo de vuelta a las formas de pensamiento de los teósofos, que fueron los primeros entre los grupos revolucionarios de finales de 1800. Espiritistas y ambientalistas, así como defensores de progreso social y sociedades igualitarias, que prefiguraban muchos de los puntos de vista que están alrededor hoy en día, cuando hay tantas cosas que son invisibles, constantemente la conformación de lo que hacemos y cómo pensamos.
¿Qué tipo de fuerzas invisibles Qué quiere decir aquí?
La era digital y, en general, el código oculto - las partes codificadas y plegadas e invisibles de estructuras. En cierto modo, pensé, que está relacionado con la estética islámicos y atención islámica pagados a formas y su estructuración física como líneas estampados que van debajo y por encima como patrón.
Pero eso no dice mucho - que realmente no responde a tu pregunta. La exposición, el título y el tema, es un señuelo - un señuelo para atraer a personas como usted. Puedo hablar de ello, pero no necesariamente tiene mucho que ver con las obras de los artistas han desarrollado.
Algunas de las obras de arte están obligados a, al menos, toque en estas ideas.
Sí, tiene que ver con algunos de ellos, como Irena Haiduk, cuya instalación es una instalación sonora en una habitación muy oscura, en la que se está hablando de una especie de realidad que está detrás de la aparente neutralidad de nuestro software y dispositivos en nuestra mundo digital - la verdadera voz de Siri. [Risas] Susan Philipsz, también: su trabajo está relacionado con el mundo de hoy, pero está mirando el nacimiento de Guglielmo Marconi y señales de radio.
Qué opinas de este espectáculo como una continuación de la conversación que comenzó en dOCUMENTA (13), en cuanto a ideas como la ontología orientada a objetos, por ejemplo?
Creo que sin duda hay continuidad. Muchas cosas que estaban implicados en la Documenta (13) están más completamente desarrollados aquí. Por ejemplo, nunca he dicho - porque aún no había trabajado a través de la pregunta - que había una analogía y una relación entre nuestro tiempo y la época modernista de que las finales de 1800 y principios de 1900. Pero ahora veo cómo nuestra perspectiva sobre la bio-arquitectura, agricultura biológica, y las preocupaciones ambientales se conecta con el organicismo de la época.
Estos dos puntos de vista sobre el mundo se refieren a una crítica de la ortogonalidad que les precedió. En el caso de el siglo 19, que fue el clasicismo, el barón Haussmann en París, y así sucesivamente. Hoy en día, el modernista y estructuras posmodernistas han sido rechazadas en favor de una nueva forma de acercarse a las formas de vida relacionadas con la floreciente.
Así que, mientras tanto, puede ser que haya sido expresada a través de la conformación de, por ejemplo, los moldes de yeso o de la talla de piedra en formas florales, hoy en día, podría tener más que ver con la invención de los cementos que se pueden descomponer, por ejemplo.En este sentido, se puede ver el trabajo de Donna Haraway, a quien mencioné en dOCUMENTA (13), en la filosofía de Alfred North Whitehead o en el organicismo de Friedrich Nietzsche; o usted podría ver el compostaje de AdriánVillar Rojas en relación con el movimiento Arts and Crafts.
Tal vez relacionado a esto es el hecho de que en el siglo 19, el arte y la ciencia natural no fueron enviados a reinos separados. En dOCUMENTA (13), que incluyó a científicos como contribuyentes, los biólogos específicamente. En Estambul, agrega los físicos y los oceanógrafos a la mezcla.
Sí, sigo creyendo que la especificidad del campo del arte es un poco pasado de moda. [Risas] Yo realmente no veo ninguna diferencia entre los físicos William Irvine anudan agua dentro de un laboratorio y un poco de trabajo que tal vez Ed Atkins está haciendo.
Esa podría ser la diferencia entre usted y los artistas con los que trabaja, que supuestamente creen que son parte de un linaje histórico del arte.
Eso está bien, me aceptan. [Risas] Tenemos nuestras conversaciones. Yo creo que ellos realmente disfrutan de esta perspectiva: la posibilidad increíble para compartir conocimiento, que por lo general no tienen en cualquier invitación exposición de arte.
Concretamente, ¿significa que hay colaboraciones entre los artistas y los científicos en la serie?
No, no soy ingenuo al pensar que los artistas y los científicos deben colaborar en hacer una obra juntos - Creo que por lo general es una receta para el desastre, ya que cada uno de ellos tiene un conocimiento específico, metodologías y procedimientos. Sólo se podría terminar con una colaboración muy superficial. Lo que sí creo es en el uso de la ocasión de la exposición de arte como la plataforma más abierta para la creación de estos encuentros, que luego podrían generar cambios de dirección en el trabajo de cada uno en los momentos posteriores. Por ejemplo, podría llevar a la ciencia un enfoque más político y ético, que es muy común en el arte. Pero junto con eso, hay otra cosa que es explícito en esta bienal, ya que estaba en la Documenta (13). Es claro para mí que una gran cantidad de profesionales de la cultura se tiende hacia formas de retiro y el retiro de la participación por haber perdido el sentido de la libertad de los espacios públicos - el ágora de los antiguos griegos - en su mayoría debido a la cooptación de la misma por privado entidades. Muchos artistas están pensando y leyendo y pasar a una posición más retirado.
¿Eso haría difícil su trabajo la redacción de un evento internacional de arte?
Oh, no del todo, porque estoy de acuerdo con su posición. Es por eso que estoy haciendo la Bienal de Estambul. No estoy haciendo la Bienal Whitney, ¿verdad? Me encanta la Bienal del Whitney en general, y no quiero decir nada negativo, pero yo sólo quiero decir que después de dOCUMENTA (13), que podría haber hecho un buen número de cosas. Pero también yo elegí a retirarse: la enseñanza en las universidades con la gente que piensa. Entonces acepté hacer esta bienal en una zona muy problemática del mundo en este momento. Creo que eso no es ciertamente el signo de querer estar en el centro del escenario. Estambul tomó la iniciativa de romper la concentración de arte en los centros occidentales y del norte del mundo. Tiene una historia muy importante en términos de la política del mundo del arte, y yo apreciamos eso.
¿Qué tal la disposición física de la Bienal de Estambul? Fuera de Kassel, dOCUMENTA (13) también tenía nodos en Alejandría, Egipto; Kabul, Afganistán; y Banff, Canadá. ¿Esta exposición en Estambul tiene un centro? ¿Por qué o por qué no?
No, la exposición se difunde a través de una gran cantidad de kilómetros cuadrados, desde Rumelifeneri en el Mar Negro, que es un pequeño pueblo de pescadores, a las Islas Príncipe en el Mar de Mármara - en la isla de Büyükada, la cual es la isla donde León Trotsky fue exiliado durante cuatro años antes de ir a México a través de Francia.
No, la exposición se difunde a través de una gran cantidad de kilómetros cuadrados, desde Rumelifeneri en el Mar Negro, que es un pequeño pueblo de pescadores, a las Islas Príncipe en el Mar de Mármara - en la isla de Büyükada, la cual es la isla donde León Trotsky fue exiliado durante cuatro años antes de ir a México a través de Francia.
La mayor parte de la exposición es solo de presentaciones de artistas solitarios, solos en un edificio o en un lugar que por lo general era o es un espacio de vivienda temporal. En su mayor parte, es un artista, un edificio o espacio. Esa es una manera bastante extraña de hacer una exposición colectiva, porque es una exposición colectiva de las personas solitarias, como tener un montón de gente en el país en sus computadoras portátiles, como tú y yo, ofrece Skype.
¿De qué manera la exposición reflexionar sobre la historia de la ciudad?
Es casi una exposición fantasmal. Los fantasmas son los fantasmas de la historia, incluyendo la limpieza étnica de los armenios y de los griegos. No es la purificación de turco de la lengua árabe y farsi a finales de 1920, y luego la actitud muy nacionalista hacia los kurdos que causó tantas muertes también en los últimos años. Turquía tiene tantas heridas que no se curan.
En la bienal, una obra es acerca de los derechos del mar del pueblo Yolngu en Australia. Pensé que las luchas del pueblo aborigen sería interesante nudo junto con estas otras historias de Anatolia. Es algo de un procedimiento surrealista - un paraguas y una máquina de coser sobre una mesa de disección. Es una cuestión de plegado y envolviendo con el fin de a continuación, despliegue de diferentes maneras. Se anudando y unknotting historia y el arte. Eso es lo que hago.
www.blouinartinfo.com
El planteo es muy amplio, abarcativo de la cultura de la ciencia y de la historia; aunque me detendría. en la referencia que hace a los artistas , retirados del espacio público y a su confianza en la relación con la Universidad como depositaria de los conocimientos,y, del pensamiento.
ResponderEliminarLo considera un hecho sorprendente,porque el malestar en la cultura ya existe desde hace siglos, en el tiempo de los cínicos, en el tiempo de Sócrates ya se habló del malestar en la cultura.Y la Universidad es una creación del siglo XII. La religión católica tiene una práctica de veinte siglos.
Y, resulta increíble que conviva con seres humanos que pueden ya, antes de ir al analista, interpretar su malestar.Pensando que esto tieneque ver con hablar y ser interpretado. Hay ya una interpretación previa, anterior, por parte del paciente y eso es importante.
Lacan llama sujeto, a esa función que se realiza solo por la palabra. A pesar de los títulos médicos, docentes, los analistas son marginales en la cultura de hoy y a veces tratan de olvidarlo construyendo asociaciones poderosas. Imposturas que son construcciones porque están confrontados al mismo malestar.
Sucede que así como los artistas, están confrontados con los dibujos de las cuevas prehistóricas, mirando las señales de radio de Marconi. También los analizantes pueden recordar una experiencia de goce de los seis años y hallan en el presente puntos vinculados a ese goce. Ese interrogante es lo que conduce a un análisis.
En tiempos de Freud con sesiones de 50 minutos, y, todos los días. Y, hoy, hay adaptación a Skype. Al igual que los artistas solitarios con sus computadoras. Y, este reportaje mismo.
Referenicia Jaques-Alain Miller, Conferencias Porteñas. Tomo 1, Buenos Aires, Paidós, 2009
Se refiere a las nociones de Lacan, de los tres registros en los que está entramado el sujeto. Este hecho es muy nuevo en la historia de la cultura, ya que el Psicoanálisis no tiene un siglo. Miller asegura "Somos,, si tenemos confianza en el porvenir del análisis, de los primeros analistas".
El malestar en la cultura (en alemán Das Unbehagen in der Kultur) es un ensayo de Sigmund Freud publicado en 1930.1 Este trabajo, en conjunto con Psicología de las masas y análisis del yo que había escrito en 1921, se reconoce entre las obras más relevantes de Freud en el área de la psicología social y se considera uno de los textos críticos más influyentes del siglo XX en ciencias sociales.
ResponderEliminarEl tema principal de la obra es el irremediable antagonismo existente entre las exigencias pulsionales y las restricciones impuestas por la cultura.2 Es decir, una contradicción entre la cultura y las pulsiones donde rige lo siguiente: mientras la cultura intenta instaurar unidades sociales cada vez mayores, restringe para ello el despliegue y la satisfacción de las pulsiones sexuales y agresivas, transformando una parte de la pulsión agresiva en sentimiento de culpa. Por eso, la cultura genera insatisfacción y sufrimiento. Mientras más se desarrolla la cultura, más crece el malestar.
Por eso, también se puede afirmar que el tema central del Malestar en la cultura es la culpa.
Este planteamiento no resulta novedoso en Freud, habida cuenta de su abordaje en sus primeros escritos psicológicos. En esta obra, sin embargo, Freud evalúa más claramente el papel cumplido en estas restricciones por las influencias interiores y exteriores, sus efectos recíprocos, la hipótesis del superyó, y la indagación y elucidación de la naturaleza del sentimiento de culpa.
Acaso haya perjudicado el edificio del ensayo, pero ello responde enteramente al propósito de situar al sentimiento de culpa como el problema más importante del desarrollo cultural, y mostrar que el precio del progreso cultural debe pagarse con el déficit de dicha provocado por la elevación del sentimiento de culpa.
El malestar en la cultura. Capítulo VIII. Pág. 130.
La segunda de las principales cuestiones tratadas va a ser la de la pulsión de destrucción.
En resumen, en El malestar en la cultura hizo explícita su concepción del mundo, subrayando el sometimiento de la civilización a las necesidades económicas, que imponen un pesado tributo tanto a la sexualidad como a la agresividad, a cambio de un poco de seguridad.
Se trata en definitiva de una obra cuyo interés rebasa considerablemente a la sociología es.wikipedia.org
(...)Vengo aquí antes de lanzar mi Causa Freudiana. Como ven no me desprendo de este adjetivo. Sean ustedes lacanianos, si quieren. Yo soy freudiano.
ResponderEliminarPor eso creo adecuado decirles algunas palabras del debate que mantengo con Freud, y que no es de ayer.
Aquí está: mis tres no son los suyos. Mis tres son lo simbólico, lo real y lo imaginario. Me ví llevado a situarlos con una topología, la del nudo, llamado borromeo.
El nudo borromeo pone en evidencia la función del al‑menos‑tres. Anuda a los otros dos desanudados.
Eso le di yo a los míos. Se los di para que supieran orientarse en la práctica. Pero ¿se orientan mejor que con la tópica legada por Freud a los suyos?
Hay que decirlo: lo que Freud dibujó con su tópica, llamada, segunda, adolece de cierta torpeza. Me imagino que era para darse a entender dentro de los límites de su época.
Pero ¿no podríamos más bien aprovechar Io que allí figura la aproximación a mi nudo?
Considérese el saco fofo que se produce como vínculo del ello en su artículo que debe decirse: "Was Ich und das Es".
El saco, al parecer, es el continente de las pulsiones. ¡Qué idea tan disparatada la de bosquejar eso así!. Sólo se explica por considerar a las pulsiones como bolitas, que han de ser expulsadas por los orificios del cuerpo una vez ingeridas.
Sobre eso se abrocha un ego, donde parece preparado el punteado de columnas por contar. Pero esto no lo deja a uno menos enredado; pues el mismo se cubre con un extraño ojo perceptivo, donde para muchos se lee también la marca germinal de un embrión sobre el vitelo.
Aún no es todo. La caja registradora de algún aparato a la Marey está aquí de complemento. Lo cual dice mucho en cuanto a la dificultad de referencia a lo real.
Por último, dos barras sombrean con su juntura la relación de este conjunto barroco con el propio saco de bolitas. Y ya está designado lo reprimido.(...)
En este blog el 30 de agosto de 2011-Jacques Lacan en Caracas 1980