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15-MINUTOS DE "INTERRUPCIÓN" EN LA BIENAL DE ESTAMBUL
Plan de Bienal de Estambul Artistas 15-Minute "Interrupción" 01 DE SEPTIEMBRE 2015 Bienal de Estambul de Carolyn Christov-Bakargiev abre esta semana, y un grupo de artistas tienen la intención de infundir la abertura con un reconocimiento de la reciente agitación política que aflige a la minoría kurda de Turquía. Una carta enviada esta mañana a todos los participantes bienales "proponer [s] que todos suspendemos presentación de nuestros trabajos durante 15 minutos durante la inauguración de la Bienal" en reconocimiento a la ruptura violenta en las conversaciones de paz entre el Partido de los Trabajadores del Kurdistán (PKK) y el gobierno de Turquía en las últimas semanas. Firmado por participante bienal basado en Mardin Pelin Tan y su Colectivo ArtikIsler, junto con el editor de artista y e-flux Anton Vidokle, la misiva pretende infundir un sentido de urgencia en lo que ya es un programa bienal políticamente sensible. "Con Anton, pens...
RODRIGO RIVAS
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Hablar de Irving Penn es hablar con imágenes de uno de los llamados mitos fotográficos de la fotografía editorial. Como muchos sabéis, Penn, fue uno de los fotógrafos más importantes dentro de las revistas del panorama Neoyorkino y estadounidense a lo largo de muchos años. De hecho la mayoría de su trabajo fue realizado para unas pocas revistas con las que trabajó toda su vida, entre ellas Vogue, Vanity Fair o The New Yorker.
Hoy nos adentramos en la exposición "On Assignement" que se realiza estos días en la Pace McGill Gallery de Nueva York a la cual asistí. En ella se nos muestra un pequeño recorrido por algunas de sus obras dentro de este panorama editorial.
Irving Penn, y la renovación del concepto
La fotografía de Penn supuso un inmenso impacto dentro del panorama editorial. La simpleza de su luz, unida a la sencillez de algo complicado acabaron por modificar los canones vistos anteriormente en las revistas, y es por eso que Irving Penn pudiera moverse con soltura dentro de varias ramas de contenidos en las publicaciones.
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Muestra del espacio donde se desarolla "On Assignment"
Uno de los puntos más atractivos de la exposición son los retratos que realizaba a gente del mundo de la cultura como Pablo Picasso, Mile Davis o Truman Capote, todos ellos realizados en una esquina con pared texturizada en la cual sentaba a todo ellos en una sencilla silla. Un gran ejemplo de sencillez, pero de gran saber como fotógrafo se muestran en esas muestras.
Dentro del apartado de la moda, la exposición deja unas pequeñas pinceladas de lo que fue la moda retratada por Penn en los cincuenta, cuando consiguió llevar su estilo a este mundo tan diferente. El centrarse más en el sujeto que en el ambiente que genera alrededor, es lo que hizo modificar por completo algunos de los temas visuales de la fotografía de moda de estos años en Estados Unidos, y más aquí en concreto en Nueva York.
Sus fotografías de estilo de vida para todas estas publicaciones siguen llevando su exquisito toque de sencillez pero reflejando lo verdaderamente importante, la esencia del sujeto y su interior más profundo. En las fotos de grupos que realizó en esta tesitura sigue mostrando esto dejando patente que la persona es capaz de llenar todo un vacio de un marco si conseguimos llegar a ella a través del objetivo.
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Del blanco y negro al color
En general la fotografía de Penn se conoce más por su "ausencia" de color; y es que el monocromo dió a Penn al principio una elegancia que parecía imposible conseguir con el color. Obviamente esto no fue así y en las portadas de las revistas que hay en la muestra, junto con las fotografías a color de sus últimos años dejan patente que acogió el color para darle un enfoque nuevo a la imagen; aunque jamás cambiando su estilo. Eso quizá ha sido lo más importante de Irving Penn y por lo que ha día de hoy muchos de los fotógrafos le debemos tanto, conseguir que la sencillez técnica sea superada por lo verdaderamente importante en la fotografía: el interior de la misma.
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OSE ÁNGEL GONZÁLEZ. 12.02.2016 - 06:21h "Me llego a obsesionar con cualquier cosa si la miro el tiempo suficiente". Irving Penn, uno de los fotógrafos más importantes de la historia, no solamente legó algunas de las imágenes más personales y armónicas sobre la belleza del cuerpo humano o, yendo hasta los límites creativos que le gustaba frecuentar, sobre la poderosa rotundidad de desnudos corpulentos vistos desde ángulos inéditos, convertidos en piezas de escultura. Para el maestro estadounidense (1917-2009) la belleza no era un canon inmutable. "Fotografiar un pastel también es arte", decía. Fotogalería 10 Fotos Los bodegones de Irving Penn Fotogalería 16 Fotos Irving Penn, más allá de la belleza La exposición Irving Penn: Personal Work (Irving Penn: trabajo personal) muestra una faceta de la obra de Penn tan importante como sus imágenes de moda o retratos de celebridades: las naturalezas muertas que componía porque estaba convencido de que lo intrascendente, sobrante o no convencional puede ser presentado con la misma elegante profundidad que lo normativamente bello. El más prolífico y admirado fotógrafo de moda del siglo XX fue también un incansable buscador del atractivo de los detritos. Todo puede ser cosificado Hasta el 5 de marzo en la galería Pace/McGill de Nueva York puede verse un amplio compendio de las fotos que Penn hizo de objetos de desecho que encontraba en el suelo y llevaba al estudio para componer bodegones imprevistos: un guante carbonizado, colillas de cigarrillos, jarras metálicas oxidadas, osamentas de cráneos de animales y, como necesario complemento para establecer un patrón basado en que todo puede ser cosificado, una selección de desnudos manipulados y retratos tergiversados por efectos de laboratorio. La foto 'Escaparate de un óptico', tomada en 1939, podría ser un 'ready made' surrealista Quizá la obra más peculiar sea Optician's Shop Window (Escaparate de un óptico), una foto sin manipular tomada en Nueva York en 1939 de una vitrina comercial, es decir, una imagen documental o periodística, pero que reúne todas las características de los ready made de Marcel Duchamp y sus colegas del surrealismo. Los dos ojos pegados a sendos globos oculares artificiales, montados en una peana y aislados por un cortinaje oscuro podrían colocarse en un museo como una chocante pieza de arte encontrado. Había estudiado para ser pintor El interés por la morfología de los objetos y su potencial como tema artístico le venía dada a Penn desde su juventud, cuando había culminado los estudios de Arte y era un dibujante y pintor que comenzaba a despuntar en los ambientes neoyorquinos. Olvidó las iniciales pretensiones para dedicarse de lleno a los oficios de documentalista, retratista de moda y reportero. En todos se comportó con una humildad basada en una sola ley: "Una buena foto es la que comunica un hecho, toca el corazón y convierte en otra persona a quien la observa. En una palabra, es efectiva".
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Ya en 1949, justo un año antes de que sus imágenes editoriales de colecciones de alta costura en París trastocaran por su valentía formal la estética visual de la fotografía de moda —la foto-icono Girl Behind a Bottle (Chica tras una botella) estableció una frontera: mostrando que también tienen sugerencia y belleza las miradas no tradicionales y lo que no se enseña frontalmente—, Penn comenzó a hacer naturalezas muertas y desnudos que agigantaban las formas femeninas en imágenes sobrexpuestas y blanquedas para crear efectos tonales infrecuentes. Penn fue el primer revolucionario contra las normas heredadas de la pintura y de su ejemplo tomarían nota fotógrafos de todas las generaciones posteriores, desde Herb Ritts y su antiglamur, hasta Robert Mapplethorpe. El primer bodegón en una portada de 'Vogue' Con las naturalezas muertas había empezado antes, desde el principio de su carrera fotográfica. En 1943 colocó en la portada de Vogueel primer bodegón con que la revista daba entrada a sus contenidos. Era una elegante combinación de accesorios femeninos contrapunteada con la ilustración de unos limones. No fue la primera cubierta de Penn con naturalezas muertas, que siguió firmando a lo largo de los años, en una práctica valiente y rompedora del mensual. Desde 1970, cuando ya lo había conquistado todo, el fotógrafo empezó a dedicarse con mayor celo a sus creaciones privadas, en las que desarrolló la intriga que despertaban en él los detritos y otros objetos sin vida aparente. 'Materiales insospechados' El arrte es el equipaje normal de nuestras vidas Las imágenes de la exposición demuestran la "extraordinaria capacidad de Penn para crear sorprendentes y elocuentes composiciones a partir de los materiales más insospechados", dicen desde la galería. Los organizadores de la muestra hacen suyas las palabras del crítico más influyente de la historia de la fotografía, John Szarkowski. En el catálogo de la retrospectiva de 1984 de Penn en el MoMA, Szarkowski escribió:"Hasta ahora [la obra de Penn] ha demostrado que se puede aplicar a la fotografía lo mismo que a las otras artes: que lo aparentemente intrascendente puede ser artísticamente serio; que el vocabulario llano es el más exigente y que el arte no es sólo el de los monumentos, sino el del equipaje normal de nuestras vidas". Síguenos en Facebook para estar informado de la última hora:
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