Exposición Maria Martorell, la energía del color. Museo de Bellas Artes ...
15-MINUTOS DE "INTERRUPCIÓN" EN LA BIENAL DE ESTAMBUL
Plan de Bienal de Estambul Artistas 15-Minute "Interrupción" 01 DE SEPTIEMBRE 2015 Bienal de Estambul de Carolyn Christov-Bakargiev abre esta semana, y un grupo de artistas tienen la intención de infundir la abertura con un reconocimiento de la reciente agitación política que aflige a la minoría kurda de Turquía. Una carta enviada esta mañana a todos los participantes bienales "proponer [s] que todos suspendemos presentación de nuestros trabajos durante 15 minutos durante la inauguración de la Bienal" en reconocimiento a la ruptura violenta en las conversaciones de paz entre el Partido de los Trabajadores del Kurdistán (PKK) y el gobierno de Turquía en las últimas semanas. Firmado por participante bienal basado en Mardin Pelin Tan y su Colectivo ArtikIsler, junto con el editor de artista y e-flux Anton Vidokle, la misiva pretende infundir un sentido de urgencia en lo que ya es un programa bienal políticamente sensible. "Con Anton, pens
La energía del color
ResponderEliminarLa obra de María Martorell (Salta 1909- 2010) se inserta entre los lenguajes abstractos de la segunda década del siglo XX, los de la difusión de las teorías de la forma, (Gestalt) que llevaron a investigar sobre las condiciones de la percepción humana y las leyes que la rigen. Cuando estas tendencias surgían en el París de la posguerra, Martorell estaba allí experimentando y exponiendo en los llamados Salones de Nuevas Realidades, donde sus obras convivían con las de los compatriotas del Arte concreto, Madí y Perceptistas.
Fue una época de esplendor donde artistas como Víctor Vasarely guiaba el apoyo a la geometría desde la galería Denise René y nacía el arte óptico y cinético. A comienzos de los sesenta, Martorell expone en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, en la exposición Ocho artistas constructivos (Brizzi, Espinosa, Lozza, McEntyre, Sabelli, Silva, Vidal, Martorell) que, curada por Jorge Romero Brest, lanza lo que se denominó “la nueva tendencia” de la geometría. Posteriormente con algunos de estos artistas participa del Grupo 13.
En Nueva York, la geometría de bordes netos (hard edge) y el pop, renuevan sus búsquedas y, hacia 1966, comienza sus obras de coloridas curvas en el espacio. Con estas telas participó de exposiciones emblemáticas de la geometría como Más allá de la geometría (Instituto Di Tella, 1967) y su versión americana Beyond Geometry.
Los colores y el dinamismo de la vigorosa cultura popular urbana de los sesenta, década cargada de optimismo y renovación, se refleja en la producción de Martorell. La expansión del público y las ambientaciones también fueron parte de su interés. En 1969 expuso La banda ondulante, una instalación con luz negra en la que trabajaba en un registro tridimensional la ilusión de movimiento propia de sus telas. Martorell continuó trabajando en esta línea a lo largo de su extensa carrera, probando nuevas series temáticas, pero siempre alrededor de la exploración de los efectos del color.
La presente muestra se propone reunir un núcleo significativo de su obra desde los años 50 hasta principios de los 90, y contempla la publicación de un exhaustivo libro catálogo que da cuenta de su verdadero aporte a la geometría argentina. Martorell es una de las artistas que introdujo en Salta el valor de la pintura moderna con una visión ligada a lo regional y a su historia americana. Así lo demuestran sus cartones para tapices en los que conjuga su imagen con el arte de los talleres de tejedoras de Cafayate y Molinos.
Si bien la obra de Martorell ha circulado por el ámbito local, nacional e internacional, este proyecto parte de la voluntad de realizar un merecido homenaje a su trayectoria y también de considerar la necesidad de una mayor visibilidad y reconocimiento tanto en la comunidad local, como a nivel nacional.
La variedad e intensidad poética de sus pinturas -que han sido comparadas con registros musicales- se refleja en la exposición María Martorell: la energía del color.centroculturalrecoleta.org
Pierre Albert Émile Ghislain Francastel (París, 8 de junio de 1900 - ídem, 2 de enero de 1970) fue un historiador y crítico de arte francés. Está considerado como uno de los fundadores de la sociología del arte y una gran figura de la Historia del arte de
ResponderEliminarBiografía
Padeció de poliomielitis en su adolescencia, sufriendo las consecuencias para el resto de su vida. Paralelamente a sus estudios literarios clásicos en la Sorbona, se adscribió a los servicios de arquitectura del palacio de Versalles en 1925. Sostuvo su tesis doctoral en 1930 sobre la escultura de Versalles. También fue columnista en varios periódicos como el Journal des débats. Nombrado en el Instituto Francés de Varsovia para dar lecciones de historia del arte, en la Universidad de Varsovia conoció diversos historiadores del arte de los países de Europa oriental y sus teorías materialistas.
De regreso a Francia, fue nombrado en 1936 profesor de la Universidad de Estrasburgo. Durante la Segunda Guerra Mundial participó activamente en la Resistencia. Fue nombrado consejero cultural de la Embajada de Francia en Polonia en 1945, donde organizó varias exposiciones. En 1948, Lucien Febvre le confió el puesto de director de Estudios de Sociología de las Artes Plásticas en la sexta sección de la Escuela Práctica de Altos Estudios que acababa de ser fundada (actualmente Escuela de Estudios Avanzados en Ciencias Sociales, EHESS).
Teoría[editar]
Designó su teoría como "sociología histórica comparativa": para él, el arte no sólo es un puro placer estético, sino una producción social en una estrecha relación con su ambiente político, religioso y científico. La Historia del arte ya no se limita sólo al análisis de las obras y su atribución, sino a la confrontación de la obra con su tiempo y su contexto de creación. Aplicó sus métodos tanto al Renacimiento italiano como al arte francés del siglo XIX o incluso el arte moderno. Desarrolló sus teorías en sus obras principales, Arte y Sociología (1948) y Pintura y Sociedad (1951).
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COMIENZOS CON SCOTTI
ResponderEliminar¿Y cómo fue que despertó su vocación dormida? En la tranquila Salta de los ’40, María había formado ya su hogar y dibujaba sin darle a ese gusto un cauce más serio. Supo que el pintor Ernesto Scotti llegaría a Salta y pensó que sería uno más de los tantos que pasaban y mostraban alguna obra sin trascendencia en las vidrieras del centro. "Pero parece que el destino a veces pone las cosas así: Scotti fue a vivir al frente de casa y mi marido fue el que decidió que vayamos a conocerlo. ¡No se imaginaba lo que iba a pasar después!
"Mi asombro fue muy grande. Jamás había visto cosa igual; me sentí ante un mundo que yo no conocía. El mundo del arte no se sospechaba en Salta, ni por mí ni por ninguno. Se puede decir que no había pintores ni pintura. La estadía de Scotti en Salta, que se prolongó 4 ó 5 años, fue muy importante. El era un hombre muy culto: no se limitaba a la pintura sino que vivía rodeado de los libros y discos más nuevos y mejores. Creó un ambiente que era ejemplar para Salta. Como buen artista, enseguida gastaba el dinero en todo eso y en agradables agasajos, y quedaba sin nada; pero entonces estaban los amigos que lo ayudaban.
"El gobierno también lo apoyó; le concedió una pequeña subvención para instalar un taller que después e trasladó a un lugar más grande y se transformó en la Escuela de Bellas Artes. Los maestros y maestras de dibujo iban allí subvencionados; hay que medir lo que eso significaba en un momento en el que al dibujo se le daba tan poca importancia, que a veces lo ensañaba un profesor de física o cualquier otro.
"Yo tenía miedo de ir al estudio de Scotti, algo me inhibía, pero al final me animé. El se enteró, por otros, que yo había dibujado y quería que lo hiciera allí. Cuando fui, lo primero que me sorprendió fue algo que para ellos era completamente natural: estar con un modelo desnudo al frente. Después, claro, me acostumbré, pero cuando todo es nuevo... A esa escuela íbamos a trabajar de verdad. Aprendí mucho con Scotti; él fue mi gran maestro".
DE SALTA A EUROPA
La llama quedó bien encendida. Pocos años después, en los primeros cincuenta, cuando sus hijos ya estaban crecidos y estudiando en Buenos Aires, María viaja a España. Vive en Madrid, concurre al Museo de la Academia de San Fernando para copiar obras famosas, y al Taller Libre de la Asociación de Bellas Artes. Realiza exposiciones en la capital española y en Barcelona. De esa época data su serie de "Paisajes de Catalunya", en clara transición hacia las formas geométricas. Viaja por varios países europeos: Italia, Francia, Alemania, Inglaterra, Suiza.
En 1954 vuelve a Europa. Permanece en París dos años en calidad de "étudient patronée"; se vincula a un centro de arte no figurativo y conoce personajes del ambiente artístico, entre otros, sus compatriotas Leda Valladares, María Elena Walsh y Julio Cortázar. Asiste a los cursos de Sociología del Arte de Pierre Francastel y Paul Rivet.
También expone. Con motivo de este acontecimiento, Manuel J. Castilla publicó una nota en "El Intransigente" con un gran título: "Artista salteña expone en París".
FINEZA Y LÍNEAS DEPURADAS
ResponderEliminarAquí sentimos que la claridad y la nitidez de esas opciones de vida son paralelas a las de sus líneas puras y sus colores decididos. Que esa fuerza interior de su persona de exterior frágil concuerda con la fuerza serena de las curvas perfectas de sus cuadros. Y que esa fineza de su personalidad engarza a la perfección con la forma depurada y esencialista con que concibe su pintura.
En estos últimos años la pintura de María hizo un giro hacia una simplicidad extrema expresada con formas más rectangulares y colores muy contrastantes. No ha abandonado la búsqueda, no se resignó a copiarse a sí misma. La creación sigue exigiéndole esa entrega que marcó su vida, así que ella sigue pintando e innovando. Más lenta, pero también más despojada y libremente. Recuerda que Juan Ramón Jiménez, en su edad avanzada, dijo: "He llegado a una tierra de llegada". Nuestra pintora confiesa: "Yo no sé si he llegado, pero sigo trabajando todavía".
La comunicación con María Martorell ha sido fácil. Ella confirma que no se resiste a hablar de su obra aunque no se dedica a escribir sobre ella; lo lamentamos. Esa apertura que campea en todas sus elecciones, en sus criterios, creemos que se manifiesta en la onda, tema recurrente de muchos de sus cuadros. La onda de por sí sugiere continuidad, incluso al infinito. La onda es todo lo contrario del cierre sobre sí. La onda es la amiga plástica natural de la música que María lleva adentro.
Nuestra curiosidad –María ríe: "ya ha preguntado demasiado"- quiere saber qué límite, qué frustración encontró tal apertura. Una vez más, la respuesta llena de humor e inesperada: "Manejar un automóvil. No hacerlo ha sido mi falta de libertad; a pesar de que la familia me acoge y me atiende en todo, siento que dependo".
Inteligencia y fineza, sagacidad y humor; el buen gusto del ambiente y la excelente pintura que podemos ver al llegar y al partir; nos despedimos llevándonos un agradable perfume de sabiduría.
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