James McNeill Whistler
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| James McNeill Whistler | |
|---|---|
Arreglo en gris: Retrato del pintor
(. Autorretrato, c 1872), Instituto de Artes de Detroit | |
| Nacido | James Abbott Whistler 10 de julio de, 1834 Lowell, Massachusetts , EE.UU. |
| Murió | 17 de de julio de, 1903 (69 años) Londres , Inglaterra, Reino Unido |
| Nacionalidad | americano |
| Educación | Academia Militar de los Estados Unidos, West Point, Nueva York |
| conocido por | Pintura |
| obra notable | Madre de la marmota |
| Movimiento | Fundador de Tonalismo |
| Premios |
|
James Abbott McNeill Whistler (10 de julio, 1834 [1] [2] [3] [4] [5] - 17 de julio 1903) fue un artista estadounidense, activo durante la American dorado de la edad y basado principalmente en el Reino Unido. Él era contrario al sentimentalismo y moral alusión en la pintura, y era un autor principal del credo de " el arte por el arte ". Su firma famosa para sus pinturas estaba en la forma de una mariposa estilizada que poseía un aguijón largo para una cola. [6] El símbolo era apta, ya que combina ambos aspectos de su personalidad, su arte se caracterizó por una sutil delicadeza, mientras que su imagen pública era combativa. Encontrar un paralelo entre la pintura y la música, Whistler titulado muchas de sus pinturas " arreglos ", " armonías ", y " nocturnos ", haciendo hincapié en la primacía de la armonía tonal. [7] Su obra más famosa es "Arreglo en gris y Negro Nº 1" (1871), comúnmente conocida como la madre de Whistler , el retrato venerado ya menudo parodiado de la maternidad. Whistler ha influido en el mundo del arte y la cultura más amplia de su tiempo con sus teorías artísticas y su amistad con los artistas y escritores. [8]
Contenido
[ Ocultar ]Primeros años [ editar ]
Nueva Inglaterra [ editar ]
Whistler James Abbott nació en Lowell, Massachusetts , el 10 de julio de 1834, el primer hijo de Ana Matilde McNeill y George Washington Whistler . Su padre era un ingeniero de ferrocarriles, y Anna era su segunda esposa. James vivió los tres primeros años de su vida en una casa modesta en la calle 243 Worthen en Lowell. [9] En la actualidad, la casa es un museo dedicado a Whistler. [10] Durante el juicio Ruskin (véase más adelante), Whistler afirmó San Petersburgo, Rusia , como su lugar de nacimiento, declarando: "Voy a nacer y donde quiero, y no eligió nacer en Lowell." [11]
En 1837, las marmotas se mudaron de Lowell a Stonington, Connecticut , donde George Whistler trabajaba para el ferrocarril de Stonington. Lamentablemente, durante este periodo, tres de los hijos George y Anna marmotas 'murieron en la infancia. [9]
En 1839, la suerte de las marmotas mejoraron considerablemente cuando George Whistler recibió el nombramiento que haría su fortuna y la fama - la de jefe de máquinas para el ferrocarril de Boston y de Albany . [12] Por lo tanto, la familia se trasladó a Springfield, Massachusetts , a continuación, una de las ciudades más prósperas de los Estados Unidos, donde construyeron una mansión en un barrio elegante. (La Mansión de Whistler, ya que llegó a ser conocido, se sitúa en la esquina de las calles de la castaña y Edwards en Springfield, donde actualmente el Museo de la Madera de la Historia se para.) Las marmotas vivían en Springfield hasta que dejaron los Estados Unidos a finales de 1842. [ 13]
Nicolás I de Rusia aprendido de la ingenuidad de George Whistler en la ingeniería del ferrocarril de Boston y de Albany, y se ofreció una posición Whistler en 1842 la ingeniería de un ferrocarril desde San Petersburgo a Moscú . En el invierno de 1842, las marmotas se mudaron de Springfield a San Petersburgo. [14]
En años posteriores, la marmota de James jugó la conexión de su madre a la América del Sur y sus raíces, y se presentó como un aristócrata del sur empobrecido (aunque no queda claro en qué medida él realmente simpatizaba con la causa del Sur durante la Guerra civil americana ). Después de su muerte, adoptó su apellido de soltera, usándolo como un segundo nombre adicional. [14] Joven Whistler era un niño caprichoso propenso a arrebatos de mal genio y la insolencia, que, después de episodios de mala salud, a menudo deriva en períodos de pereza. Sus padres descubrieron en su primera juventud que dibujo a menudo lo establecieron y ayudaron a centrar su atención. [15]
Rusia e Inglaterra [ editar ]
A partir de 1842, se empleó a su padre a trabajar en un ferrocarril en Rusia. Después de trasladarse a San Petersburgo para reunirse con su padre un año más tarde, el joven Whistler tomó clases privadas de arte, a continuación, inscritas en la Academia Imperial de las Artes a los once años. [11] El joven artista siguió el plan de estudios tradicional de elaboración de moldes de yeso y modelos en vivo de vez en cuando, se deleitaba en la atmósfera de hablar de arte con sus compañeros de más edad, y agradó a sus padres con una marca de primera clase de anatomía. [16] En 1844, se encontró con el artista conocido Sir William Allan , que llegó a Rusia con el encargo de pintar una historia de la vida de Pedro el Grande . La madre de Whistler anotó en su diario, "el gran artista me comentó 'Su niño tiene genio poco común, pero no le inste más allá de su inclinación.'" [17]
En 1847-1848, su familia pasó algún tiempo en Londres con sus familiares, mientras que su padre se quedó en Rusia. Whistler hermano-en-ley Francis Haden , un médico que también era un artista, estimuló su interés por el arte y la fotografía. Haden tuvo Whistler para visitar a los coleccionistas y conferencias, y le dio un conjunto de acuarela con la instrucción. Whistler ya se imaginaba una carrera de arte. Comenzó a coleccionar libros sobre arte y estudió técnicas de otros artistas. Cuando su retrato fue pintado por Sir William Boxall en 1848, el joven exclamó Whistler que el retrato era "muy parecido a mí y una imagen muy fina. Sr. Boxall es una hermosa colorista ... Es una superficie cremosa hermosa, y se ve tan rico ". [18] En su entusiasmo por el arte florecimiento, a los quince años, informó a su padre mediante escrito de su futura dirección, "Espero, querido padre, que no se opondrá a mi elección." [19] Su padre, sin embargo, murió de cólera a la edad de cuarenta y nueve años, y la familia se trasladó de nuevo a Whistler ciudad natal de su madre de Pomfret, Connecticut . Sus planes arte carecían de precisión y su futuro incierto. La familia vivía frugalmente y logró sobrevivir con un ingreso limitado. Su primo informó que Whistler en ese momento era "ligera, con una cara pensativa, delicado, a la sombra de rizos castaños ... él tenía una apariencia y forma un tanto extraño, que, ayudada por las habilidades naturales, le hizo muy encantador, incluso a esa edad ". [20]
West Point [ editar ]
Whistler fue enviado a Christ Church Hall School, con la esperanza de su madre que iba a ser un ministro. [21] Whistler era rara vez sin su cuaderno de dibujo y era popular entre sus compañeros de clase para sus caricaturas. [22] Sin embargo, se hizo evidente que una carrera en la religión no le conviene, por lo que aplica a la academia militar de Estados Unidos en West Point, donde su padre había enseñado habían asistido dibujo y otros familiares. Fue admitido en la institución altamente selectiva en julio de 1851 la fuerza de su apellido, a pesar de su miopía extrema y el pobre historial de salud. [23] Sin embargo, durante sus tres años allí, sus notas eran apenas satisfactoria, y era un espectáculo lamentable en el taladro y el vestido, conocido como "rizado" por su pelo largo que superó las regulaciones. Whistler resistió la autoridad, soltaba lindezas, y acumuló deméritos. Coronel Robert E Lee era el superintendente de West Point y, después de un considerable indulgencia hacia Whistler, que no tenía más remedio que despedir a los jóvenes cadetes. Logro importante de la marmota en West Point fue aprender dibujo y creación de mapas del artista estadounidense Robert W. Weir . [21]
Su partida de West Point parece haber sido precipitada por un fallo en un examen de química donde se le pidió describir silicio y comenzó diciendo, "El silicio es un gas." Como él mismo dijo más tarde: "Si el silicio fueron un gas, habría sido un día Información general". [24] Sin embargo, una anécdota separada sugiere mala conducta en la clase de dibujo como la razón para la salida de la marmota. [25]
Primer trabajo [ editar ]
Después de West Point, Whistler trabajó como dibujante mapeo de toda la costa de Estados Unidos para fines militares y marítimas. [26] se encontró con el aburrido trabajo y él fue con frecuencia tardío o ausente. Pasó gran parte de su tiempo libre jugando al billar y al ralentí aproximadamente, siempre se rompió, y aunque es un encantador, tenía poco conocimiento de las mujeres. [27] Después de que se descubrió que estaba dibujando serpientes de mar, sirenas, y las ballenas en los márgenes de los mapas, que fue trasladado a la división de grabado de la encuesta sobre la costa de Estados Unidos. Él no duró sólo dos meses, pero aprendió la técnica de grabado que más tarde resultó valioso para su carrera. [21]
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En este punto, Whistler decidió firmemente que el arte sería su futuro. Durante unos meses vivió en Baltimore con un amigo rico, Tom Winans, que incluso amueblado Whistler con un estudio y algo de efectivo. El joven artista hizo algunos contactos valiosos en la comunidad técnica y también se vendió algunas pinturas tempranas para Winans. Whistler rechazó las sugerencias de su madre para otras carreras más prácticas y le informó que con el dinero de Winans, que se ha propuesto continuar su formación artística en París. Whistler nunca se volvió a los Estados Unidos. [28]
Estudio de arte en Francia [ editar ]
Whistler llegó a París en 1855, alquiló un estudio en el barrio latino, y rápidamente se adoptó la vida de un artista bohemio. Pronto, él tenía una novia francesa, una costurera llamada Héloise. [29] Se estudiaron los métodos tradicionales de arte por un corto tiempo en la Ecole Impériale y en el taller de Charles Gleyre . El último fue un gran defensor de la obra de Ingres , e impresionó a Whistler con dos principios que ha utilizado para el resto de su carrera: la línea es más importante que el color negro y que es el color fundamental de la armonía tonal. [30] Veinte años más tarde, los impresionistas derrocaría en gran medida esta filosofía, la prohibición de negro y marrón como "colores prohibidos" y haciendo hincapié en el color sobre la forma. Whistler prefiere auto-estudio (incluyendo la copia en el Louvre ) y disfrutar de la vida del café. [21] Mientras que las cartas de casa informaron esfuerzos de su madre en la economía, Whistler gastaron libremente, que se vende poco o nada en su primer año en París, y fue en la deuda constante. [31] Para aliviar la situación, tomó a la pintura y venta de copias que hizo en el Louvre y finalmente se trasladó a cuartos más baratos. La Chispa de la Vida, la llegada en París de George Lucas, otro amigo rico, ayudó a estabilizar las finanzas de Whistler por un tiempo. A pesar de un respiro financiero, el invierno de 1857 fue un año difícil para Whistler. Su mala salud, agravada por el consumo excesivo de tabaco y la bebida, lo puso bajo. [32]
Las condiciones mejoraron durante el verano de 1858. Whistler recuperaron y viajó con su compañero artista Ernest Delannoy través de Francia y la región del Rin. Más tarde se produjo un grupo de grabados conocidos como "El conjunto francés", con la ayuda del maestro impresor francés Auguste Delâtre. Durante ese año, pintó su primer autorretrato, retrato de la marmota con el sombrero , una obra oscura y densamente rendido recuerda a Rembrandt . [11] Sin embargo, el evento de mayor consecuencia de ese año fue su amistad con Henri Fantin-Latour , a quien conoció en el Louvre . A través de él, Whistler se introdujo en el círculo de Gustave Courbet , que incluía Carolus-Duran (más tarde el maestro de John Singer Sargent ), Alphonse Legros , y Édouard Manet . [21]
También en este grupo fue de Charles Baudelaire , cuyas ideas y teorías del arte "moderno" influenciada Whistler. Baudelaire desafió a los artistas para controlar la brutalidad de la vida y de la naturaleza y de retratar fielmente, evitando los viejos temas de la mitología y la alegoría. [33] Théophile Gautier , uno de los primeros en explorar las cualidades de traslación entre el arte y la música, puede haber inspirado a Whistler para ver el arte en términos musicales. [34]
Londres [ editar ]
Como reflejo de la bandera del realismo de su círculo adoptada, Whistler pintó su primera obra expuesta, La Mere Gerard en 1858. Lo siguió pintando En el piano en 1859 en Londres, que adoptó como su hogar, mientras que también visitar periódicamente amigos en Francia . En el piano es un retrato compuesto por su sobrina y su madre en su sala de música de Londres, un esfuerzo que muestra claramente su talento y promesa. Un crítico escribió, "[a pesar] de manera imprudente audaz y sketchiness de los más salvajes y de tipo más duro, [tiene] una sensación genuina de color y un espléndido poder de composición y diseño, que evidencian una justa apreciación de la naturaleza muy poco frecuente entre los artistas ". [35] El trabajo es poco sentimental y contrasta con eficacia la madre en negro y la hija de blanco, con otros colores mantienen contenida en la forma aconsejado por su maestro Gleyre. Se muestra en la Real Academia el año siguiente, y en muchos objetos expuestos por venir. [34]
En una segunda pintura ejecutada en la misma habitación, Whistler demostró su inclinación natural hacia la innovación y la novedad de la configuración de una escena de género con la composición inusual y escorzo. Más tarde se re-titulado Armonía en verde y rosa: La Sala de Música . [36] Esta pintura también demostró patrón de trabajo en curso de la marmota, especialmente con los retratos: un comienzo rápido, ajustes importantes, un período de abandono, a continuación, una ráfaga final hasta la meta. [35]
Después de un año en Londres, como contrapunto a su 1858 conjunto francés , en 1860, produjo otra serie de grabados llamada Thames Conjunto , así como algunos trabajos impresionistas temprana, incluyendo el Támesis en hielo . En esta etapa, que estaba empezando a establecer su técnica de la armonía tonal basado en una paleta predeterminada limitado. [37]
Inicios de su carrera [ editar ]
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En 1861, después de regresar a París por un tiempo, Whistler pintó su primera obra famosa, Sinfonía en blanco, N ° 1: La muchacha blanca . El retrato de su amante y gerente de negocios Joanna Hiffernan fue creado como un simple estudio de blanco; Sin embargo, otros lo vieron de manera diferente. El crítico Jules-Antoine Castagnary pensaba que la pintura de una alegoría de la inocencia perdida de una nueva novia. Otros ligados a Wilkie Collins 's La mujer de blanco , una novela popular de la época, o de otras fuentes literarias. En Inglaterra, algunos consideraron que una pintura en el prerrafaelista manera. [38] En la pintura, Hiffernan sostiene un lirio en la mano izquierda y se para sobre una alfombra de piel de oso (interpretado por algunos para representar la masculinidad y la lujuria) con la cabeza del oso mirando amenazadoramente al espectador. El retrato fue rechazada por exposición en la Real Academia conservadora, pero se muestra en una galería privada bajo el título La mujer de blanco . En 1863 se demostró en el Salón de los Rechazados en París, un evento patrocinado por el emperador Napoleón III para la exposición de obras rechazadas desde el salón . [39]
La pintura de Whistler fue ampliamente notó, aunque eclipsado por la pintura más impactante de Manet Le desayuno sobre la hierba . La lucha contra las críticas de los tradicionalistas, los partidarios de Whistler insistieron en que la pintura era "una aparición con un contenido espiritual" y que personificaron su teoría de que el arte debe ocuparse esencialmente de la disposición de los colores en armonía, no con una interpretación literal del mundo natural. [40]
Dos años más tarde, Whistler pintó otro retrato de Hiffernan en blanco, esta vez mostrando su nuevo interés en los motivos asiáticos, que tituló La Niña Blanca . Su Señora de la Lijsen Tierra y la pantalla de oro , tanto completó en 1864, de nuevo retratar a su amante, en traje asiático aún más enfático y sus alrededores. [41] Durante este período se convirtió en Whistler cerca de Gustave Courbet , el primer líder de la escuela realista francés, pero cuando Hiffernan modelada en el desnudo de Courbet, Whistler se enfureció y su relación con Hiffernan comenzaron a desmoronarse. [42] En enero de 1864, la madre muy religiosa y muy adecuada de Whistler llegó a Londres, alterando la existencia bohemia de su hijo y exacerbar las tensiones familiares temporalmente. Como escribió a Henri Fantin-Latour , "trastorno general !! tuve que vaciar mi casa y purificar desde el sótano hasta los aleros." También se trasladó inmediatamente Hiffernan a otra ubicación. [43]
Carrera madura [ editar ]
Nocturnes [ editar ]
En 1866, Whistler decidió visitar Valparaíso, Chile , un viaje que ha intrigado a los eruditos, a pesar de Whistler declaró que lo hizo por razones políticas. Chile estaba en guerra con España y quizás Whistler pensó que era una lucha heroica de una pequeña nación contra una más grande, pero no hay evidencia apoya esta teoría. [43] Lo que hizo el viaje fue el primer producto de tres pinturas -que nocturnos de Whistler denominó "luz de luna" y más tarde re-titulado como "nocturnos" escenas -Noche del puerto pintado con una paleta de color verde o azul claro. Después de su regreso a Londres, pintó varios más nocturnos en los próximos diez años, muchos de los río Támesis y de los jardines de Cremorne , un parque de atracciones famoso por sus frecuentes fuegos artificiales muestra, que presentó un novedoso desafío de pintar. En sus nocturnos marítimas, Whistler utilizó pintura muy diluida como un suelo de color ligeramente flicked sugerir barcos, luces, y la línea de costa. [44] Algunas de las pinturas del Támesis también muestran similitudes compositivas y temáticas con las estampas japonesas de Hiroshige . [45]
En 1872, Whistler acredita su patrón Frederick Leyland , un músico aficionado dedicado a Chopin , por sus títulos inspirados musicalmente.
En ese momento, Whistler pintó otro autorretrato y titulada Arreglo en gris: Retrato del pintor [47] (c 1.872.), Y también empezó a volver a la titularidad muchas de sus obras anteriores utilizando términos asociados con la música, tales como un "nocturno", "sinfonía", "armonía", "estudio" o "acuerdo", para enfatizar las cualidades tonales y la composición y de hacer hincapié en el contenido narrativo. [46] nocturnos de Whistler estaban entre sus obras más innovadoras. Por otra parte, la presentación de varios nocturnos al marchante Paul Durand-Ruel después de la guerra franco-prusiana dio Whistler la oportunidad de explicar su "teoría del arte" evolución de los artistas, compradores y críticos en Francia. [48] Su buen amigo Fantin-Latour, cada vez más reaccionaria en sus opiniones, especialmente en su negatividad en relación con la escuela impresionista emergente, encontró nuevas obras de Whistler sorprendente y confusión. Fantin-Latour admitió: "No entiendo nada allí;.. Que es muy extraño cómo uno cambia Yo no lo reconocen más" Su relación era casi en un extremo para entonces, pero siguió compartiendo opiniones en correspondencia ocasional. [49] Cuando Edgar Degas invitó Whistler a exponer con el primer espectáculo por los impresionistas en 1874, Whistler rechazó la invitación, al igual que Manet , y algunos investigadores atribuyen esto en parte a la influencia de Fantin-Latour en ambos hombres. [50]
Retratos [ editar ]
La guerra franco-prusiana de 1870 fragmentado la comunidad del arte francés. Muchos artistas se refugiaron en Inglaterra, uniéndose a Whistler, incluyendo Camille Pissarro y Monet, Manet y Degas, mientras que se quedaron en Francia. Como Whistler, Monet y Pissarro tanto centrado sus esfuerzos en vistas de la ciudad, y es probable que Whistler fue expuesto a la evolución del impresionismo fundada por estos artistas y que habían visto sus nocturnos. [51] Whistler fue alejando de "condenados realismo" de Courbet y su amistad se había marchitado, al igual que su enlace con Joanna Hiffernan. [52]
Madre de la marmota [ editar ]
Artículo principal: madre de la marmota
En 1871, regresó a Whistler retratos y pronto produjo su pintura más famosa, el derecho de longitud completa figura casi monocromática Arreglo en gris y Negro N º 1 , pero por lo general (e incorrectamente) refiere como madre de la marmota . Un modelo no se presentó un día, de acuerdo a una carta de su madre, por lo que Whistler se volvió hacia su madre y le sugirió que hacer su retrato. En su forma típicamente lenta y experimental, en un primer momento que tenía su puesto, pero que resultó ser demasiado agotador por lo que se adoptó la famosa pose sentada. Se tomó docenas de sesiones para completar. [53]
El retrato austero en su paleta limitada normalmente es otro ejercicio de Whistler en armonía y composición tonal. El diseño aparentemente simple es en realidad un acto de equilibrio de diferentes formas, en particular los rectángulos de cortina, cuadro en la pared y el suelo, que estabilizan la curva de su cara, vestido, y una silla. Una vez más, aunque su madre es el sujeto, Whistler comentó que el relato era de poca importancia. [54] En realidad, sin embargo, era un homenaje a su piadosa madre. Después del shock inicial de su movimiento con su hijo, ella le ayudó considerablemente mediante la estabilización de su comportamiento un tanto, tiende a sus necesidades nacionales, y proporcionar un aura de respetabilidad conservadora que ayudó a ganar más clientes. [53]
El público reaccionó negativamente, sobre todo debido a su simplicidad anti-Victorian durante un tiempo en Inglaterra cuando el sentimentalismo y la decoración extravagante estaban de moda. Los críticos pensaron que la pintura de un fallido "experimento" en lugar de arte. La Real Academia lo rechazó, y luego aceptó a regañadientes después de la presión ejercida por Sir William Boxall pero entonces colgó la pintura en un lugar desfavorable en su exposición. [55]
Desde el principio, la madre de Whistler provocó reacciones diferentes, incluyendo la parodia, burla, y reverencia, que han continuado hasta la actualidad. Algunos lo vieron como "la sensación digna de edad ladyhood", "un grave sentimiento de duelo", o un "símbolo perfecto de la maternidad", otros lo emplearon como un vehículo apropiado para la burla. Se ha satirizado en infinitas variaciones en las tarjetas de felicitación y revistas, y por personajes de dibujos animados, como el Pato Donald y Bullwinkle el alce . [56] Whistler hizo su parte en la promoción de la imagen y la popularización de la imagen. Con frecuencia se exhibió y autorizó las primeras reproducciones que han hecho su camino en miles de hogares. [57]
La pintura escapó por poco de ser quemado en un incendio a bordo de un tren durante el envío. [55] Más tarde, la pintura fue comprada por el gobierno francés, la primera obra de Whistler en una colección pública, y ahora se encuentra en el Museo de Orsay en París.
Durante la depresión, la imagen fue presentado como una pintura "millón de dólares" y fue un gran éxito en la Feria Mundial de Chicago. Se aceptó como un icono universal de la maternidad por el público en todo el mundo, que no era particularmente consciente de que se trate o con las teorías estéticas de Whistler. En el reconocimiento público de su estado y su popularidad, los Estados Unidos emitió un sello postal en 1934 que ofrece una adaptación de la pintura. [58]
En resumen autor impacto de la pintura Martha Tedeschi ha declarado:
Otros retratos [ editar ]
Otros importantes retratos de Whistler incluyen los de Thomas Carlyle (historiador, 1873), Maud Franklin (su amante, 1876), Cicely Alexander (hija de un banquero de Londres, 1873), señora Meu (miembro de la jet, 1882), y Théodore Duret (crítico , 1884). En la década de 1870, Whistler pintó retratos de cuerpo entero de FR Leyland y su esposa Frances. Leyland posteriormente encargó al artista para decorar su comedor (véase Peacock Room a continuación). [60]
Whistler se había decepcionado sobre la aceptación irregular de sus obras para las exposiciones de la Royal Academy y los pobres que cuelga y la colocación de sus pinturas. En respuesta, Whistler organizó su primera exposición individual en 1874. El espectáculo fue notable y se dio cuenta, sin embargo, para el diseño y la decoración de la sala, que armonizó bien con las pinturas de Whistler, de acuerdo con sus teorías del arte. Un crítico escribió, "El visitante es golpeado, al entrar en la galería, con un curioso sentido de la armonía y de la aptitud que impregna, y está más interesado, tal vez, en el efecto general que en cualquier trabajo." [61]
Whistler no fue tan exitoso pintor de retratos como el otro expatriado americano famoso John Singer Sargent . Técnica de repuesto de la marmota y su falta de inclinación para halagar a sus modelos, así como su notoriedad, puede dar cuenta de esto. También trabajó muy lentamente y exigió sesiones extraordinariamente largos. William Merritt Chase se quejó de su sesión para un retrato de la marmota, "Él demostró ser un verdadero tirano, pintando todos los días en el crepúsculo, mientras mis piernas dolían de cansancio y mi cabeza le daba vueltas vertiginosamente. 'No se mueva! ¡No ¡movimiento!' iba a gritar cada vez que empecé a descansar ". [62] En el momento en que obtuvo una amplia aceptación en la década de 1890, Whistler fue pasado su mejor momento como retratista. [63]
Técnica [ editar ]
El enfoque de la marmota al retrato en su madurez tardía fue descrito por uno de sus modelos, Arthur J. Eddy, que se hicieron pasar por el artista en 1894:
Grabado [ editar ]
Whistler produjo numerosos grabados, litografías, y con punta seca. Sus litografías, algunos drenadas en la piedra, otros extraídos directamente sobre el papel "lithographie", son tal vez la mitad tan numerosos como sus grabados. Algunas de las litografías son de cifras ligeramente cubiertos; dos o tres de los más finos son de Thames temas, incluyendo un "nocturno" en Limehouse; mientras que otros describen el barrio de Saint-Germain en París, y las iglesias de Georgia en Soho y Bloomsbury en Londres.
Los grabados incluyen retratos de familia, amantes, y las escenas íntimas de la calle en Londres y Venecia . [65] Whistler ganó una enorme reputación como un grabador. Martin Hardie escribió "hay algunos que lo puso al lado de Rembrandt, quizás por encima de Rembrandt, como el maestro más grande de todos los tiempos. En lo personal, yo prefiero a considerarlos como el Júpiter y Venus, más grande y más brillante entre los planetas en el cielo del grabador." [66] Se tuvo mucho cuidado sobre la impresión de sus grabados y la elección del papel. Al principio y al final de su carrera, se puso gran énfasis en la limpieza de la línea, aunque en un período medio experimentó más con entintado y el uso de la placa de tono. [67]
Configuración de la firma de la mariposa y de la pintura [ editar ]
Famosa firma de la mariposa de la marmota desarrolló por primera vez en la década de 1860 fuera de su interés por el arte asiático. Estudió marcas del alfarero en la China había empezado a recoger y decidió diseñar un monograma de sus iniciales. Con el tiempo esto se convirtió en la forma de una mariposa abstracta. Por alrededor de 1880, agregó un aguijón a la imagen de la mariposa para crear una marca que representa tanto a su naturaleza suave, sensible y su provocación, espíritu combativo. [68] Se tuvo mucho cuidado en la colocación apropiada de la imagen en ambos sus pinturas y sus marcos hechos a medida. Su enfoque en la importancia del equilibrio y la armonía se extendió más allá del marco para la colocación de sus cuadros a sus valores, y en relación con el diseño de un elemento arquitectónico de todo, como en la habitación del pavo real. [48]
El Peacock Room [ editar ]
Artículo principal: La sala del pavo real
Armonía en azul y oro: La sala del pavo real [69] es la obra maestra del arte mural decorativa interior de la marmota. Pintó la sala con paneles en una paleta rica y unificada de brillantes azul-verdes con el exceso de acristalamiento y pan de oro metálico. Pintado en 1876-1877, ahora se considera un gran ejemplo del estilo anglo-japonesa . Descontento con el primer resultado decorativa del esquema original diseñado por Thomas Jeckyll (1827-1881), Frederick Leyland salió de la habitación en el cuidado de la marmota para hacer cambios menores, "armonizar" la habitación cuyo objetivo principal era mostrar la colección de porcelana de Leyland. Whistler dejó que su imaginación, sin embargo: ". Bueno, ya sabes, sólo pinte en el que fui en-sin diseño o dibujo de la puesta en cada toque con tanta libertad ... Y la armonía en azul y oro en desarrollo, ya sabes, olvidó todo en mi alegría de ella ". Él completamente pintada del siglo 16 sobre los revestimientos de paredes de cuero de Córdoba trajo por primera vez a Gran Bretaña por Catalina de Aragón que Leyland había pagado 1.000 £ para. [70]
Después de haber adquirido la pieza central de la sala, la pintura de la marmota La princesa de la tierra de la porcelana , industrial estadounidense y esteta Charles Lang Freer compró toda la sala en 1904 de los herederos de Leyland, incluida la hija de Leyland y su marido, el artista británico Val Prinsep . Freer entonces tenían los contenidos de la habitación del pavo real instalado en su mansión de Detroit . Después de la muerte de Freer en 1919, la Sala de pavo real se instaló permanentemente en la Freer Gallery of Art en el Smithsonian en Washington, DC La galería se abrió al público en 1923. [71] Una gran caricatura pintada por la marmota de Leyland que lo señala como un antropomorfo pavo real de tocar un piano, y titulado el oro Costra: Erupción en Frilthy Lucre [72] - un juego de palabras con la afición de Leyland para pecheras con volantes - se encuentra ahora en la colección de los museos de bellas arte de San Francisco .
Ruskin juicio [ editar ]
En 1877 Whistler demandó el crítico John Ruskin por difamación después de que el crítico condenado su pintura Nocturne en Negro y oro: el Rocket que cae . Whistler exhibió la obra en la Galería Grosvenor , una alternativa a la exposición de la Royal Academy, junto a obras de Edward Burne-Jones y otros artistas. Ruskin, que había sido un defensor de los prerrafaelitas y JMW Turner , revisó la obra de Whistler en su publicación Fors Clavigera el 2 de julio de 1877. Ruskin alabó Burne-Jones, mientras que atacó a Whistler:
Whistler, al ver el ataque en el periódico, respondió a su amigo George Boughton, "Es el estilo más degradada de crítica que ha tenido enfrentar a mí todavía." Luego fue a su abogado y elaboró un escrito por difamación, que se sirve de Ruskin. [74] Whistler esperaba recuperar £ 1.000, más los gastos de la acción. El caso llegó a juicio el año siguiente después de los retrasos causados por episodios de enfermedad mental de Ruskin, mientras que la situación financiera de la marmota continuó deteriorándose. [75] Se fue oído en el Tribunal de la Reina del Tribunal Supremo el 25 de noviembre y 26 de 1878. El abogado de John Ruskin, el Procurador General Sir John Holker, Whistler interrogado:
Whistler había contado con muchos artistas a tomar su lado como testigos, pero se negaron, por temor a daños en su reputación. Los otros testigos para él eran poco convincentes y la propia reacción del jurado para el trabajo era burlona. Con testigos de Ruskin más impresionante, incluyendo Edward Burne-Jones , y con Ruskin ausente por razones médicas, el contraataque de Whistler era ineficaz. Sin embargo, el jurado llegó a un veredicto a favor de Whistler, pero recibe una mera céntimo en concepto de daños nominales, y los costos de la corte se dividieron. [77] El costo de la caja, junto con enormes deudas de la construcción de su residencia ( "La Casa Blanca" en la calle de Tite , Chelsea , diseñado con EW Godwin , 1877-8), le llevó a la quiebra en mayo de 1879, [78] lo que resulta en una subasta de sus obras, colecciones, y la casa. Stansky [79] señala la ironía de que la Sociedad de Bellas Artes de Londres , que había organizado una colecta para pagar los costos legales de Ruskin, lo apoyó en el grabado "Las piedras de Venecia" (y en la exhibición de la serie en 1883), lo que ayudó a recuperar costos de Whistler.
Whistler publicó su relato del juicio en el folleto de la marmota v Ruskin:. Los críticos de arte y de arte , [80] incluye en su posterior El arte apacible de enemigos Making (1890), en diciembre de 1878, poco después de la prueba. Gran esperanza de la marmota que la publicidad del juicio sería rescatar su carrera se desvaneció ya que perdió más que ganó popularidad entre los clientes debido a ella. Entre sus acreedores era Leyland, que supervisó la venta de las posesiones de Whistler. [81] Whistler hizo varias caricaturas de su antiguo patrón, incluyendo una pintura satírica morder llamada La Costra Oro , justo después de la marmota se declaró en quiebra. Whistler siempre culpó Leyland de su caída financiera. [82]
Años posteriores [ editar ]
Después del juicio, Whistler recibió el encargo de hacer doce aguafuertes en Venecia. Él aceptó con entusiasmo la tarea, y llegó a la ciudad con su novia Maud, teniendo habitaciones en un palacio en ruinas que compartían con otros artistas, entre ellos John Singer Sargent . [84] A pesar de la nostalgia de Londres, se adaptó a Venecia y se dedicó a descubrir su carácter. Él hizo todo lo posible para distraerse de la tristeza de sus asuntos financieros y la venta pendiente de todos sus bienes en Sotheby . Era un invitado habitual en las fiestas en el consulado americano, y con su ingenio habitual, encantó a los huéspedes con florituras verbales como "única virtud positiva del artista es el ocio-y hay tan pocos que están dotados en ella." [85]
Sus nuevos amigos reportaron, por el contrario, lo que Whistler se levantó temprano y poner en un día lleno de esfuerzo. [86] escribió a un amigo: "He aprendido a conocer una Venecia en Venecia, que no parecen haber percibido los otros, y que, si traigo conmigo como propongo, lo hará mucho más que compensar por todas las molestias retrasos y aflicciones de espíritu ". [87] La asignación de tres meses se extendía a catorce meses. Durante este periodo excepcionalmente productivo, Whistler terminó más de cincuenta grabados, varias nocturnos, algunas acuarelas, pasteles y más de 100-que ilustran tanto los estados de ánimo de Venecia y sus finos detalles arquitectónicos. [84] Por otra parte, Whistler influyeron en la comunidad del arte americano en Venecia, especialmente Frank Duveneck (y 'chicos' de Duveneck) y Robert Blum , que emula la visión de la marmota de la ciudad y más tarde se extendió a sus métodos y la influencia de vuelta a América. [88]
De vuelta en Londres, los pasteles se venden especialmente bien y él bromeó: "Ellos no son tan buenos como se supone. Están vendiendo!" [89] Se involucró activamente en la exhibición de su otro trabajo, pero con un éxito limitado. Aunque todavía está luchando financieramente, sin embargo, que se sentía alentado por la atención y la admiración que recibió de la joven generación de pintores americanos que le hicieron a su ídolo y con entusiasmo Inglés y adoptó el título de "alumno de la marmota". Muchos de ellos regresaron a América y se extendió cuentos de egoísmo provocativa de la marmota, agudo ingenio, y pronunciamientos-constitutivo de la leyenda de la marmota, para su gran satisfacción estética. [89]
Whistler publicó su primer libro, Conferencia de las diez en 1885, una importante expresión de su creencia en "el arte por el arte". En ese momento, la noción de estilo victoriano contrario reinaba, a saber, que el arte, y la actividad humana de hecho mucho, tenía una función moral o social. Para Whistler, sin embargo, el arte era su propio fin y la responsabilidad del artista no era para la sociedad, sino a sí mismo, para interpretar a través del arte, ya no se reproducen ni moraliza lo que vio. [90] Además, indicó, "La naturaleza es muy rara la derecha", y debe ser mejorado por el artista, con su propia visión. [91]
Aunque difieren con Whistler en varios puntos, incluyendo su insistencia en que la poesía era una forma superior de arte que la pintura, [92] Oscar Wilde fue generoso en sus elogios y llamó a la conferencia una obra maestra:
Whistler, sin embargo, se creyó burlado por Oscar Wilde, y de ahí en adelante, el combate pública siguió llevando a la destrucción total de su amistad. [93] Más tarde, Wilde se produjo a Whistler de nuevo, basando el artista asesinado en su novela El retrato de Dorian Gray después de Whistler. [94]
En enero de 1881, Anna Whistler murió. En honor de su madre, a partir de entonces, adoptó públicamente su apellido de soltera McNeill como segundo nombre. [95]
Whistler se unió a la Sociedad de Artistas Británicos en 1884, y el 1 de junio de 1886, fue elegido presidente. Al año siguiente, durante la reina Victoria Jubileo de Oro , Whistler presentó a la Reina, en nombre de la Sociedad, un disco elaborado que incluye una dirección escrita largo y las ilustraciones que hizo. Reina Victoria por lo admiraba "la bella y artística iluminación" que decretó en adelante, "que la sociedad debería ser llamado Real." Este logro fue muy apreciado por los miembros, pero pronto se vio ensombrecida por la controversia que inevitablemente surge con la Real Academia de las Artes. Whistler propuso que los miembros de la Royal Society deben retirarse de la Real Academia. Esto encendió una disputa dentro de las filas de miembros que daban sombra a las otras operaciones de la sociedad. En mayo de 1888, nueve miembros escribieron a Whistler para exigir su renuncia. En la reunión anual el 4 de junio, fue derrotado por la reelección por una votación de 18-19, con nueve abstenciones. Whistler y veinticinco seguidores renunciaron, [96] mientras que el anti-Whistler mayoría (en su opinión) tuvo éxito en él purgar por sus "excentricidades" y el fondo "no-Inglés". [97]
Con su relación con Maud desentrañar, Whistler repente propuso y se casó con Beatrice Godwin (también llamado 'Beatriz' o 'Trixie'), un antiguo alumno y la viuda de su arquitecto Edward William Godwin . A través de su amistad con Godwin, Whistler se había convertido en cerca de Beatriz, a quien Whistler pintó en el titulado Retrato de larga duración armonía en rojo: la luz artificial (GLAHA 46315). [98] [99] Por el verano de 1888 en Whistler y Beatrice aparecieron en público como pareja. En una cena Louise Jopling y Henry Labouchère insistieron en que deben casarse antes del final de la semana. [100] La ceremonia de matrimonio fue arreglado, como miembro del parlamento, Labouchère dispuesto para el Capellán de la Cámara de los Comunes para casarse con la pareja. [100] Sin publicidad se le dio a la ceremonia para evitar la posibilidad de una furiosa Maud Franklin interrumpir la ceremonia de matrimonio. [100] El matrimonio tuvo lugar el 11 de agosto de 1888, con la ceremonia a la que asistieron un reportero de la Pall Mall Gazette , por lo que el evento recibir publicidad. La pareja dejó poco después para París, para evitar cualquier riesgo de una escena con Maud. [100]
La reputación de Whistler en Londres y París subía y se ganó críticas positivas de los críticos y nuevas comisiones. [101] En su libro El arte apacible de enemigos Haciendo fue publicado en 1890 a un éxito relativo, pero se dio publicidad útil. [102]
En 1890, conoció a Charles Lang Freer , que se convirtió en un cliente valioso en América, y en última instancia, su colector más importante. [103] Alrededor de este tiempo, además de retratos, Whistler temprana experimentó con la fotografía en color y con la litografía , la creación de una serie de arquitectura de Londres y la figura humana, desnudos en su mayoría mujeres. [104] En 1891, con la ayuda de su amigo Stéphane Mallarmé, madre de la marmota fue comprado por el gobierno francés para 4.000 francos. Esto era mucho menos de lo que un coleccionista estadounidense podría haber pagado, pero que no habría sido tan prestigioso según los cálculos de la marmota. [105]
Después de una recepción indiferente a su exposición individual en Londres, con la mayoría de sus nocturnos, Whistler abruptamente decidió que había tenido suficiente de Londres. Él y Trixie se trasladó a París en 1892 y residió en el n ° 110 Rue du Bac, en París , con su estudio en la parte superior de 86 Rue Notre Dame des Champs en Montparnasse . [106] [107] Se sintió bien recibida por Monet , Auguste Rodin , Henri de Toulouse-Lautrec , y por Stéphane Mallarmé , y él se instaló un gran estudio. Él estaba en la cima de su carrera cuando se descubrió que tenía cáncer de Trixie. Volvieron a Londres en febrero de 1896, teniendo habitaciones en el hotel Savoy , mientras que buscaron tratamiento médico. Hizo dibujos sobre papel de transferencia litográfica de la vista del río Támesis , desde la ventana del hotel o balcón, mientras se sentaba con ella. [108] Ella murió unos meses más tarde. [109]
En los últimos siete años de su vida, Whistler hizo algunos paisajes minimalistas en acuarela y un autorretrato final en aceite. Mantuvo correspondencia con sus muchos amigos y colegas. Whistler fundó una escuela de arte en 1898, pero su mala salud y apariciones infrecuentes llevó a su cierre en 1901. [110] Murió en Londres el 17 de julio de 1903. [111] Está enterrado en el cementerio viejo de Chiswick en el oeste de Londres, contigua Iglesia de San Nicolás, Chiswick . [112]
Whistler fue objeto de una biografía de 1908 por sus amigos, el equipo de marido y esposa de José Pennell y Elizabeth Robins Pennell , grabador y crítico de arte, respectivamente. Vasta colección de material de Whistler El Pennells 'fue legada a la Biblioteca del Congreso . [113] todo el patrimonio del artista se dejó a su hermana-en-ley Rosalind Birnie Philip . Pasó el resto de su vida la defensa de su reputación y la gestión de su arte y efectos, mucha de la cual finalmente fue donado a la Universidad de Glasgow . [114]
Las relaciones personales [ editar ]
Whistler tenía un aspecto distintivo, bajo y delgado, con ojos penetrantes y un bigote rizado, a menudo luciendo un monóculo y el atuendo llamativo de un dandy. [115] Él afectados una postura de confianza en sí mismo y la excentricidad. A menudo era arrogante y egoísta hacia amigos y clientes. Un promotor de sí mismo y egoísta constante, que disfrutaba de amigos y enemigos impactantes. A pesar de que podría ser divertido y frívolo sobre asuntos sociales y políticos, que siempre era serio sobre el arte y la controversia pública menudo invitada y debate para argumentar a favor de sus teorías muy arraigadas. [116]
Whistler tenía un tono alto, arrastrando las palabras y la voz de una forma única de expresión, llena de pausas calculadas. Un amigo dijo: "En un segundo se descubre que no está conversando, él está dibujando con palabras, dando impresiones de sonido y el sentido de ser interpretada por el oyente." [117]
Whistler era bien conocido por su ingenio mordaz, sobre todo en los intercambios con su amigo y rival Oscar Wilde . Ambos eran figuras de la sociedad de café de París, y eran a menudo el "hablar de la ciudad". Con frecuencia aparecían como caricaturas en el puño , para su diversión mutua. En una ocasión, el joven Oscar Wilde asistió a una de las cenas de Whistler, y escuchar su anfitrión hacer algo brillante observación, al parecer, dijo: "Me gustaría que había dicho que", a la que riposted Whistler, "Usted, Oscar, lo hará!" De hecho, Wilde se repitió en muchas ocurrencias públicas creadas por Whistler. [90] Su relación agriado a mediados de la década de 1880, como Whistler se volvió contra Wilde y el movimiento estético. Cuando Wilde fue reconocido públicamente ser homosexual en 1895, Whistler abiertamente se burló de él. Whistler se deleitaba en la preparación y la gestión de sus reuniones sociales. Como huésped observó:
En París Whistler era amigo de los miembros de la simbolista círculo de artistas, escritores y poetas que incluían Stéphane Mallarmé [119]y Marcel Schwob . [120] Schwob había conocido Whistler a mediados de la década de 1890 a través de Stéphane Mallarmé tenían otros amigos en común entre ellos Oscar Wilde (hasta que argumentaron) y Whistler del hermano-en-ley, Charles Whibley .
Además de Henri Fantin-Latour, Alphonse Legros, y Courbet, Whistler era amable con muchos otros artistas franceses. Ilustró el libro Les Chauves-Souris con Antonio de La Gandara . También sabía que los impresionistas , sobre todo Édouard Manet , Monet y Edgar Degas . Como un artista joven, mantuvo una estrecha amistad con Dante Gabriel Rossetti , un miembro de la Hermandad prerrafaelista . Sus amistades cercanas con Monet y poeta Stéphane Mallarmé, que tradujo la Conferencia de las diez al francés, ayudó a fortalecer el respeto de la marmota por el público francés. [121] Whistler era amable con sus compañeros de estudios en el taller de Gleyre, incluyendo Ignace Schott , cuyo hijo Leon Dabo Whistler más tarde sería el mentor. [122]
Amante y modelo de la marmota para el blanco de la muchacha , Joanna Hiffernan , también posaron para Gustave Courbet . Los historiadores especulan que la pintura de Courbet erótica de ella como el origen del mundo llevó a la ruptura de la amistad entre Whistler y Courbet. Durante la década de 1870 y gran parte de la década de 1880, vivía con su modelo de señora Maud Franklin. Su capacidad de soportar sus largas sesiones repetitivas ayudó Whistler desarrollar sus habilidades retrato. [118] Él no sólo hizo varias excelentes retratos de ella pero también era un sustituto útil para otros modelos.
En 1888, se casó con Whistler Beatrice Godwin , (que fue llamado 'Beatriz' o 'Trixie' de Whistler). Ella era la viuda del arquitecto EW Godwin , que había diseñado de Whistler Casa Blanca . Beatriz era la hija del escultor John Birnie Philip [123] y su esposa Frances Negro. Beatriz y sus hermanas Rosalind Birnie Philip [124] y Ethel Whibley posaron para muchas de las pinturas y dibujos de Whistler; con Ethel Whibley ser el modelo para la madre de la perla y plata: La Junta de Andalucía (1888-1900). [125] Los primeros cinco años de su matrimonio eran muy feliz, pero su vida posterior fue una época de miseria para la pareja, a causa de su enfermedad y la muerte debido a cáncer. Cerca del final, yacía en coma gran parte del tiempo, completamente subyugado por la morfina, dado para el alivio del dolor. Su muerte fue un golpe fuerte Whistler nunca superó. [126] Whistler tuvo varios hijos ilegítimos, de los cuales Charles Hanson es el mejor documentado. [127]
Legado [ editar ]
Whistler fue inspirado por e incorporó muchas fuentes en su arte, incluyendo la obra de Rembrandt , Velázquez , el arte japonés, y la escultura griega antigua a desarrollar su propio estilo muy influyente e individual. [68] Él era experto en muchos medios de comunicación, con más de 500 pinturas, así como grabados, pasteles, acuarelas, dibujos, litografías y. [128] Whistler era un líder en el movimiento estético , la promoción, la escritura y conferencias sobre el "arte por el arte mismo» filosofía. Con sus alumnos, abogó por un diseño sencillo y economía de medios, la evitación de la técnica de sobre-trabajado y la armonía tonal del resultado final. [68] Whistler ha sido objeto de muchas de las principales exposiciones en museos, estudios y publicaciones. Al igual que los impresionistas, que emplea la naturaleza como un recurso artístico. Whistler insistió en que era obligación del artista para interpretar lo que veía, no ser esclavo de la realidad, y para "hacer surgir de caos gloriosa armonía". [68]
Durante su vida, que afectó a dos generaciones de artistas, en Europa y en los Estados Unidos. Whistler tuvo contacto significativo e intercambió ideas e ideales con realista, impresionista, y pintores simbolistas. Protegidos famoso por un tiempo incluyeron Walter Sickert y escritor Oscar Wilde . Su Tonalismo tuvo un profundo efecto en muchos artistas estadounidenses, entre ellos John Singer Sargent , William Merritt Chase y Willis Seaver Adams (quien se hizo amigo en Venecia ). Otra influencia importante fue sobre Arthur Frank Mathews , quien Whistler se reunió en París a finales de 1890. Mathews llevó Tonalismo de Whistler a San Francisco, generando un amplio uso de esa técnica entre los artistas a su vez-de-la-siglo California. Como crítico estadounidense Charles Caffin escribió en 1907:
Durante un viaje a Venecia en 1880, Whistler creó una serie de grabados y pinturas al pastel que no sólo revitalizado sus finanzas, sino también volver a cargar por la forma en que los artistas y fotógrafos interpretaron los, canales secundarios, vías de entrada de la ciudad-centrándose en los callejones y los patrones arquitectónicos y capturar atmósferas únicas de la ciudad. [88]
En 1940 se conmemoró Whistler en un sello de correos de Estados Unidos, cuando la oficina de correos de Estados Unidos emitió un conjunto de 35 sellos en conmemoración de famosos autores, poetas, educadores, científicos, compositores, artistas e inventores de los Estados Unidos: el 'estadounidenses famosa serie' .
El Gilbert y Sullivan opereta Patience se burla de la Estética movimiento, y el personaje principal de Reginald Bunthorne se identifica a menudo como una parodia de Oscar Wilde, aunque Bunthorne es más probable que una amalgama de varios destacados artistas, escritores y figuras estéticas. Bunthorne lleva un monóculo y tiene prominentes rayas blancas en su pelo oscuro, al igual que la marmota.
La casa en la que nació Whistler ahora se conserva como el Museo de Whistler Casa del Arte . Lo entierran en el Iglesia de San Nicolás, Chiswick .
Autor Terry Mort utiliza el paralelo al comentario de la marmota "La pintura debe ser como el aliento de un vaso" a la de la pesca con mosca.
Honores [ editar ]
Whistler alcanzó el reconocimiento en todo el mundo durante su vida:
- 1884, elegido miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes en Munich
- 1892, hicieron un oficial de la Legión de Honor en Francia [129]
- 1898, se convirtió en un miembro fundador y primer presidente, Sociedad Internacional de Escultores, pintores y Utilaje
Una estatua de James McNeill Whistler por Nicholas Dimbleby fue erigida en 2005 en el extremo norte del puente de Battersea en el río Támesis en el Reino Unido. [130]
Remates [ editar ]
El 27 de octubre de 2010, Swann galerías de fijar un precio récord para una impresión de Whistler en una subasta, cuando Nocturne , un aguafuerte y punta seca impreso en negro en caliente, crema de Japón papel, 1879-1880 vendió por $ 282.000. Era probable que uno de los primeros grabados de Whistler hizo para la Sociedad de Bellas Artes a su llegada a Venecia en septiembre de 1879 y también uno de sus más célebres vistas de la ciudad. [ Cita requerida ]
Los esteticistas también admiraban el Romanticismo, rechazaban la representaciones de temas morales y realzaban el valor artístico de su obra, en sintonía con las teorías de Théphile Gautier(1811-1872),arte por el arte el simbolismo se inspiró en este crítico
ResponderEliminarEl escritor Oscar Wilde (1854-1900) se convirtió en portavoz del esteticismo tras quedar fascinado por las ideas mientras se halaba en la Universidad de Oxford.
Además de James Abbot Mc Neill Whistler (1834-1903), Albert Moore, Frederic Leighton, Burne- Jones y William Morris(1834-1896) quienes se esforzaron por crear entornos bellos y acabaron por imprimir a sus obras un carácter social, rayano en lo político que cambió el modo de vivir de las personas.
La hermandad Prerrafaelista fue una precursora del esteticismo, pues los estetas se vieron influenciados por las pinturas que idealizaban la vida medieval.
Tanto el esteticismo como el simbolismo fueron reacciones al realismo, y en ciertos aspectos ambos se asemejaban. Los artistas simbolistas y esteticistas rechazaban los planteamientos clásicos del arte y la literatura.
El poeta Jean Moreas publicó su manifiesto soimbolista en Le Figaro, donde sus valores estaban resumidos en el rechazo de los principios del naturalimo y el realismo. Moreas citaba tres poetas como principales exponenetes del movimiento: Charles Baudelaire(1821-1867) Stéphane Mallarmé(1842-1898) y Paul Valéry(1871-1945). Leemos la relación estrecha de James Whistler con Mallarmé. También se agregaron Odile Redon,(1840-1916), Gustave Moreau, y Puvis de Chavannes.